Музыкальная культура классицизма: эстетические вопросы, венские музыкальные классики, основные жанры, Музыкальный класс
В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Всё относительно, и любые вчерашние шлягеры, выдержавшие проверку временем, — будь то шедевры Баха, Моцарта, Шопена, Прокофьева или, допустим, The Beatles – можно отнести к классическим произведениям.
Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность.
К чему всё это? К тому, что важно разделять широкое понятие классической музыки и классицизм, как направление в музыкальном искусстве.
Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское.
В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.
В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность . Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией.
В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам.
Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.
Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры . «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.
Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений.
Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики .
Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков.
Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум.
Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы.
Простота и непринуждённость высказывания композиторов-классиков могла бы показаться современному уху банальной (в некоторых случаях, разумеется), если бы музыка их не была столь гениальной.
Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы.
В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.
Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма (4-частный цикл), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений.
В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор – современные «навороты» наслаиваются на неё, как на основу.
Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях.
Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна и Моцарта, а Бетховен довел её до совершенства и даже начал ломать строгие каноны жанра.
Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии.
Сонатная форма включает в себя 3 главных раздела:
- первый раздел – экспозиция (проведение основных тем),
- второй – разработка (развитие и сопоставление тем)
- и третий – реприза (видоизменённое повторение экспозиции, в котором обычно происходит тональное сближение ранее противопоставляемых друг другу тем).
Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.
По строению, логике следования частей, симфонии и сонаты очень похожи, отсюда общее название их цельной музыкальной формы – сонатно-симфонический цикл.
Классическая симфония почти всегда состоит из 4-х частей:
- I – быстрая активная часть в традиционной для неё форме сонатного allegro;
- II – медленная часть (форма её, как правило, строго не регламентирована – здесь возможны и вариации, и трёхчастная сложная или простая формы, и рондо-сонаты, и медленная сонатная форма);
- III – менуэт (иногда скерцо), так называемая жанровая часть – по форме почти всегда сложная трёхчастная;
- IV – финальная и итоговая быстрая часть, для которой тоже нередко выбирали сонатную форму, иногда форму рондо или рондо-сонаты.
Название концерта, как жанра, произошло от латинского слова concertare – «состязание». Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Инструментальный концерт, созданный в эпоху Возрождения и получивший просто грандиозное развитие в музыкальной культуре барокко, в творчестве венских классиков обрёл сонатно-симфоническую форму.
Состав струнного квартета обычно включает две скрипки, альт и виолончель. Форма квартета, аналогичная сонатно-симфоническому циклу, определилась уже у Гайдна. Моцарт и Бетховен также внесли свой огромный вклад и проложили пути для дальнейшего развития этого жанра.
Музыкальная культура классицизма стала своеобразной «колыбелью» для струнного квартета, в последующие времена и до настоящего времени композиторы не перестают писать всё новые и новые произведения в жанре концерта – настолько этот вид произведений оказался востребованным.
Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).
Источник: http://xn--b1altabgdr.org/isskustvo-dlya-dushi/muzykalnaya-kultura-klassicizma-esteticheskie-voprosy-venskie-muzykalnye-klassiki-osnovnye-zhanry-muzykalnyj-klass
Венский классицизм
Композиторы Й. Гайдн, В. А. Моцарт и Л. Бетховен принадлежат художественному направлению европейской музыкальной культуры второй половины 18 – начала 19 века под названием «Венский классицизм».
Основные художественные принципы данного направления представлены в музыке на рубеже 18-19 веков, т.к.
в раннем творчестве Гайдна и Моцарта они только зарождались, а поздний Бетховен уже близок к следующему направлению — романтизму.
Венский классицизм подготовлен художественным опытом предшественников и современников, в том числе итальянской и французской оперой и инструментальной музыкой, немецкой музыкой (Гендель, Бах, мангеймская школа).
Что предшествовало зарождению эпохи венских классиков — Музыка Австрии
В 17 в. начинает развиваться музыкальный театр. Осуществляются музыкально-драматические постановки (кайзершпили). Под влиянием итальянской музыки сформировалась итальянская придворная оперная труппа, ставились оперы (в т.ч. оперы К. Монтеверди).
В 1708 г. в Вене построен новый придворный театр, появляются австрийские певцы.
С середины 18 в. музыке отводилась ведущая роль в культуре Австрии. Открывались аристократические домашние театры и капеллы. Распространилась развлекательная инструментальная музыка – дивертисменты, серенады.
Устраивались симфонические концерты и оперные спектакли. Ставились венские музыкальные комедии под руководством И. Страницкого – одного из основоположников австрийской национальной комической оперы-зингшпиля.
Композиторы-предшественники венских классиков – Г. Муффат, Г. К. Вагензейль, Г. М. Монн, Г. Ройтер и другие.
Представитель музыкального классицизма К. В. Глюк был близок к исканиям венских классиков.
Характерные черты эпохи Венского классицизма:
- универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы;
- органичное сочетание чувства и интеллекта, трагического и комического, тонкого расчета и естественности, непринужденность высказывания.
В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедших наиболее полное воплощение в сонатно-симфоническом цикле.
Для эпохи венских классиков характерны:
- расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерты и камерные ансамбли.
- окончательное формирование 4-частного сонатно-симфонического цикла.
- черты: строгая упорядоченность, централизованность в сочетании с внутренним разнообразием, богатством. Формируется форма периода, индивидуализируется музыкальный тематизм.
Расцвет классицизма совпал со становлением симфонического оркестра – в эту эпоху определился его стабильный состав, выделились группы оркестра.
Сложились типы камерных ансамблей: фортепианное трио, струнные квартеты и т.д.
Выделилось широкое направление сольной клавирной музыки.
Развились разные типы опер (у Моцарта) – лирическая и социально-обличительная комедия, музыкальная драма, философская опера-сказка и др.
Гайдн – создатель инструментального стиля венских классиков. В его сочинениях утвердился 4-частный сонатно-симфонический цикл, исполнительский состав и тип тематизма.
Гайдну оказалась наиболее близка инструментальная сфера, он больше тяготел к объективным народно-жанровым образам. Бетховен – к героике. Моцарт – к разнообразным оттенкам лирических переживаний.
Источник: http://diafon.ru/venskij-klassicizm/
Классическая эпоха в музыке — классицизм
Классицизм.
Музыка в период 1750 — 1820 гг.
Термин «классическая» в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и «классический» период в истории музыки, называемый классицизм, яркими представителями классицизма были Гайдн и Моцарт.
Классицизм начался в эпоху Просвещения — время радикальных перемен в осознании человеческих и социальных ценностей и правил поведения в обществе.
Вновь появились понятия прав человека, защита этих прав и свободы вероисповедания и слова, произошел поворот к простоте и естественности, который отразился в чистом архитектурном стиле, напоминающем стиль Древней Греции и Рима — отсюда и термин «классический».
Рост свободы в обществе привел к появлению первых публичных концертов, в главных городах Европы образовываются музыкальные общества и оркестры.
Произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось потребности в клавесине или органе как в основных музыкальных инструментах, духовые инструменты — кларнет, флейта, труба и др. напротив заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный звук.
Новый состав оркестра привел к появлению симфонии — важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов — быстрого начала, медленной середины и быстрого окончания. Одним из первых композиторов, использовавших симфонический формат, был сын И.С.Баха — Карл Филипп Эммануил Бах.
Вместе с новым составом оркестра появляется и струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии.
В эту же эпоху было создано пианино или фортепиано (правильное название). Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях, как мягко (piano), так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.
Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепиано. Как и симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.
Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы — Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.
Моцарт — гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию).
Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер — «Дон Жуан», «Женитьба Фигаро», «Волшебная флейта».
В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки — Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.
Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро, трогательные чувства и безграничный драйв.
Великие произведения Классической эпохи:
Моцарт «Реквием», «Дон Жуан», «Волшебная флейта «, Концерт для фортепиано с оркестром № 21, Концерт для кларнета Гайдн «Сотворение мира», Симфония № 101 «Часы», Струнный квартет oп.76 № 3 «Император» Глюк «Орфей и Эвредика»
Бетховен Симфония № 3 «Eroica»
text-align: justify
Источник: https://www.olofmp3.ru/index.php/Klassicheskaya-iepoha-v-muzyke-klassicizm.html
2. Особенности классицизма в музыке
Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума.
Однако композиторы этой эпохи создали очень «стройную и логическую систему правил построения произведения» [2; с. 174].
В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.
Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа Ї простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия.
Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе.
Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.
Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей. Многонациональность страны сказалась и на художественной культуре.
Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре Ї венскую классическую школу.
Гайдна называют «основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии» [4; с. 238].
Он установил законы классической симфонии: придал ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения, который сохранился в основных чертах до наших дней. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно.
Вторая часть Ї медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть Ї менуэт Ї один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть Ї финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях.
Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание.
В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого юмора.
Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки Моцарт внес много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не знает личности более поразительной, чем он.
Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены. Огромную художественную ценность составляют его оперы.
Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией.
А «Волшебная флейта» вошла в историю музыки как «лебединая песня» Моцарта, как произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его мировоззрение, его заветные мысли, как эпилог целой жизни, как некое грандиозное художественное завещание. «Искусство Моцарта совершенное по мастерству и абсолютно естественное. Он подарил мудрость, радость, свет и добро» [5; с. 271].
Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических увертюр («Эгмонт», «Кориолан»), а тридцать две фортепианные сонаты составили эпоху в фортепианной музыке.
Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии Ї бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта.
Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку.
Классицизм Ї стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и соразмерности остается и поныне образцом для последующих поколений.
Источник: http://cult.bobrodobro.ru/6423
Опера и инструментальная музыка эпохи классицизма. Оперная реформа Глюка. Сонатно-симфонические циклы венских классиков
Эпоха классицизма в музыкальном искусстве приходится на 2-ую половину 18 века, что совпадает с Эпохой Просвещения в развитии общественной и философской мысли.
Просветительское мировоззрение отражало интересы 3-его сословия – буржуазии, которая находилась в оппозиции к двум первым сословиям — духовенству и дворянской аристократии. Ни авторитет Церкви, ни власть аристократического Государства не должны мешать естественному развитию Человека, ограничивать его в каких-либо правах и свободах.
Соответственно, Просветительство было основано на идеях:
1) рационализма (протест против религиозного объяснения мира, вера в человеческий Разум, т. е. в способность человека объяснить с позиций собственного разума и мир, и самого себя)
2) социального равенства (протест против господства аристократии, вера в возможность справедливого устройства общества)
(Одним из результатов эпохи Просвещения была попытка изменить политическое устройство общества в результате Великой французской революции (1789 г.), девизом которой были «Свобода, равенство, братство»).
Идеи Просветительства сильно поколебали влияние Церкви и Аристократии на все сферы жизни, в том числе, на культуру и искусство.
Церковное искусство перестает занимать (в отличие от эпохи барокко) ведущие позиции. Эти функции принимает на себя Светское искусство, которое уже не может быть только развлечением аристократов.
Перед Светским искусством в эпоху Просвещение впервые были поставлены серьезные, собственно просветительские задачи: воплощать высокие нравственные ценности, способствовать совершенствованию человека и мира (т. е. воспитанию людей и достижению разумного, справедливого устройства общества).
Соответственно, в музыкальном искусстве происходят изменения во всех светских жанрах – как вокальных, так и инструментальных.
Опера в эпоху классицизма.
Опера – наиболее масштабный и влиятельный жанр светской музыки, начиная с XVII века.
К концу эпохи барокко она вступила в полосу кризиса, превратившись из оперы-сериа («серьезной» оперы, перекликавшейся с античной трагедией) в «костюмированный концерт» — дорогостоящее развлекательное мероприятие для аристократов, которых привлекали лишь виртуозное мастерство певцов («звезд» тогдашней сцены) и изощренность постановочных эффектов.
Эпоха просвещения внесла значительные изменения в содержание и форму оперных спектаклей, что отвечало вкусам современной публики.
Основные изменения:
— появление жанра комической оперы
— оперная реформа Глюка
Комическая опера появляется в середине XVIII века в Италии (первый образец – «Служанка-госпожа» Перголези, 1733 г.), а также Франции, Германии, Англии и др. странах под разными названиями. (В Италии – опера-буффа, во Франции – опера-комик, в Германии – зингшпиль).
Писалась на сюжеты из современного быта — сельского или городского. Часто содержала сатирические мотивы, элементы обличения социальных пороков. Увлекала стремительным развитием действия.
В качестве действующих лиц (в противовес античным персонажам аристократической «серьезной» оперы) выводила на сцену обычных людей, представителей 3-его сословия (крестьян, слуг и т. п.).
Именно они оказывались положительными героями, которые умнее, добрее, находчивее господ. В то же время, образы аристократов и духовенства трактовались пародийном ключе.
Музыка комических опер отличалась простотой. Несложные арии были близки по стилю к народным песням. Они чередовались с разговорными диалогами (в итальянской опере-буффа – с речитативами).
Комические оперы имели большую популярность, способствовали демократизации оперного жанра, его распространению в широких слоях общества. Но они не могли решить всех серьезных задач, поставленных перед искусством эпохой Просвещения (способствовать совершенствованию людей и общества). На этот запрос времени ответила музыкальная драма Глюка.
Оперная реформа Глюка была осуществлена в 60-е гг. 18 в. Глюк – австрийский композитор, обучавшийся в Италии искусству сочинения опер-сериа («серьезных» опер на античные сюжеты).
Во время службы в придворном оперном театре Вены он разочаровывается в возможностях этого жанра, утерявшего свою серьезность в угоду внешней эффектности (виртуозность пения и пышность декораций) и превратившегося в «костюмированный концерт».
Поработав в жанре французской комической оперы и даже балета, Глюк пришел к мысли, что серьезная опера с глубоким содержанием должна существовать, но избавившись от своих недостатков. Так возникла идея оперной реформы.
Реформа была осуществлена Глюком (вместе с либреттистом Кальцабиджи) в опере «Орфей» (1762 г.) и в пяти последующих операх. Поставленные в Вене и Париже, они вызвали бурные споры, которые закончилась победой Глюка.
Композитор сам сформулировал идею и вытекающие из нее принципы своей реформы (в предисловии ко второй реформаторской опере «Альцеста»).
Идея:
— соединение музыки с драмой, возвращение музыки к ее главному назначению – усиливать выразительность содержательного поэтического текста,
Принципы:
— использование античных сюжетов в их первоначальном виде, без искажений на потребу современным вкусам
— введение любых музыкальных номеров (арий, хоров, балетных эпизодов) только при условии их оправданности драматургией
— объединение отдельных музыкальных номеров (речитативов, арий, хоров) в сцены с непрерывным драматическим развитием
— избавление вокальной мелодии от виртуозных излишеств с целью усиления ее эмоциональной выразительности в соответствии с текстом
— создание увертюр (оркестровых вступлений к опере), музыка которых своим характером подготавливает к восприятию сюжета оперы.
Глюк реализовал свою идею соединения музыки и драмы, поэтому его реформаторские оперы вошли в историю музыки под названием музыкальная драма Глюка.
Инструментальная музыка эпохи классицизма.
Осуществила качественный скачок в развитии по сравнению с эпохой барокко, во многом благодаря творчеству венских классиков – Гайдна, Моцарта, Бетховена.
Главное достижение в инструментальной музыке эпохи классицизма: из изысканного аристократического развлечения, наслаждения красотой звучания она превратилась в воплощение философских воззрений композиторов, в выражение их взглядов на человека и мир. Т. е.
содержание инструментальных произведений уподобилось с этого времени содержанию опер, ораторий, но выражалось оно без помощи слов.
Это означало, что сложилась собственно музыкальная логика повествования, что возникла возможность, наряду с музыкально-драматическими, сценическими произведениями создавать чисто инструментальные драмы.
Как это оказалось возможным?
В эпоху классицизма сформировались:
— классические инструментальные составы (симфонический оркестр, струнный квартет, выделилось фортепиано как ведущий солирующий инструмент)
— классические инструментальные жанры: симфония (для оркестра), концерт (для солирующего инструмента с оркестром), соната (для инструмента соло, в основном для фортепиано), квартет (для струнного квартета)
— классические формы: сонатно-симфонический цикл (как форма сонаты в 3 ч., концерта в 3 ч., симфонии в 4 ч., квартета в 4 ч.), сонатная форма (как форма первой части сонаты, концерта, квартета, симфонии).
Сонатно-симфонический цикл (в полном варианте) состоит из 4 ч.:
1 ч. быстрая; 2 ч. медленная; 3 ч. танец или игра (менуэт или скерцо); 4 ч. быстрый финал. В нем реализуется и принцип контраста, и принцип развития.
Строение симфонии или сонаты – это не просто определенная структура. Музыка каждой части выступает как носитель определенного смысла.
1 и 2 части воплощают два типа реализации человеческого «я»: действие и созерцание.
1 часть воплощает действие. Она пишется в сонатной форме, которая содержит три обязательных раздела:
1) экспозицию – показ контрастных музыкальных образов (минимум двух),
2) разработку, посвященную развитию контрастных тем и достижению кульминации
3) репризу – повторение экспозиции с обязательными изменениями, связанными со сглаживанием контраста, приведением контрастных образов к единству.
Как видим, сонатная форма является музыкальным воплощением классической драматургической схемы (экспозиция конфликта – развитие и кульминация конфликта – развязка конфликта), в чем сказалось влияние на инструментальную музыку театральной драматургии (через оперу).
2 часть воплощает созерцание – это область чувствований и размышлений.
3 часть через движение массового танца показывает уже не отдельного человека, а мир вокруг него – стихию жизни, круговорот лиц и событий.
4 часть (финал) – итог всего предыдущего, соединение представлений о человеке и мире, о личном и общем.
Такова смысловая схема сонатно-симфонического цикла как инструментальной драмы. Каждый композитор наполняет ее содержанием в соответствии с особенностями своего миросозерцания.
Так, последняя, 41-ая симфония Моцарта «Юпитер» воплощает картину мира как единства контрастов («Я весел, вдруг – виденье гробовое, внезапный мрак иль что-нибудь такое», — Пушкин: «Моцарт и Сальери» ).
А 5-симфония Бетховена запечатляет человеческую жизнь как борьбу и преодоление («От мрака к свету, через борьбу к победе»).
Источник: https://megaobuchalka.ru/3/2253.html
Композиторы Венской классической школы. Музыка эпохи Классицизма. — презентация
1 Композиторы Венской классической школы<\p>
2 Музыка эпохи Классицизма<\p>
3 Классицизм – стиль и направление в искусстве XVII — начала XIX вв. classicus — образцовый. Слово это произошло от латинского classicus — образцовый. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в том, что человеческая натура гармонична. Свой идеал классики видели в античном искусстве, которое считали высшей формой совершенства.<\p>
4<\p>
5 План: Классицизм, характерные черты Классицизм, характерные черты Классический симфонизм Й. Гайдна Классический симфонизм Й. Гайдна Музыкальный мир В. А. Моцарта Музыкальный мир В. А. Моцарта Музыка, высекающая огонь из людских сердец: Л. Бетховен Музыка, высекающая огонь из людских сердец: Л. Бетховен<\p>
6 Черты классицизма: (викторина) 1. Классицизм переводится как… а) бракованная раковина а) бракованная раковина б) образцовый б) образцовый в) вычурный в) вычурный 2. Основная задача художников-классиков: а) удивить, вызвать изумление а) удивить, вызвать изумление б) произведение должно нравиться, развлекать б) произведение должно нравиться, развлекать в) понять мир как разумно устроенный механизм, где человеку отведена организующая роль в) понять мир как разумно устроенный механизм, где человеку отведена организующая роль 3. Основная черта классицизма: а) преувеличенная пышность, масштабность форм а) преувеличенная пышность, масштабность форм б) пристрастие к изысканным сложным формам, причудливым линиям б) пристрастие к изысканным сложным формам, причудливым линиям в) идеализация героических образцов, гуманистическим идеалам в) идеализация героических образцов, гуманистическим идеалам б в в<\p>
7 Классический симфонизм Й. Гайдна Годы жизни ( ), Австрия, Вена Годы жизни ( ), Австрия, Вена Отец классических симфоний (104) Отец классических симфоний (104) «Музыка радости и досуга» — светлая и естественная, лирична и изысканна «Музыка радости и досуга» — светлая и естественная, лирична и изысканна Симфония – (созвучие) произведение для симфонического оркестра, состоящее из 4 частей<\p>
8 Скрипичный квартет<\p>
9<\p>
10 Музыкальный мир В.А. Моцарта Годы жизни ( ) Австрия, Зальцбург Годы жизни ( ) Австрия, Зальцбург Впервые соединил в опере драматическое и комическое Впервые соединил в опере драматическое и комическое Симфоническая музыка Симфоническая музыка Духовная музыка («Реквием») Духовная музыка («Реквием»)<\p>
11 Занимательно: Моцарт, как известно, был вундеркиндом: в четыре года малыш написал свой первый концерт для клавира, причем такой сложный, что вряд ли кто-либо из европейских виртуозов мог бы его исполнить. Когда любящий отец отнял у малыша неоконченную нотную запись, он изумленно воскликнул: — Но этот концерт так труден, что его никто не сможет сыграть! — Какие глупости, папа! — возразил Моцарт,- его может сыграть даже ребенок. Например я.<\p>
12<\p>
13<\p>
14 Реквием<\p>
15<\p>
16 Музыка, высекающая огонь из людских сердец: Л. Бетховен Годы жизни ( ), Австрия, Вена Годы жизни ( ), Австрия, Вена Путь от классицизма к новому стилю (романтизму) Путь от классицизма к новому стилю (романтизму) 9 симфоний, 32 сонаты, симфонические увертюры, 16 струнных квартетов, 5 концертов, кантаты, опера «Фиделио», романсы, обработки народных песен 9 симфоний, 32 сонаты, симфонические увертюры, 16 струнных квартетов, 5 концертов, кантаты, опера «Фиделио», романсы, обработки народных песен<\p>
17 Немецкий композитор, которого нередко считают величайшим творцом всех времен. Его творчество относят как к классицизму, так и к романтизму. Сочинения Бетховена — прежде всего выражение его гениальной личности.<\p>
18<\p>
19<\p>
Источник: http://www.myshared.ru/slide/786241/
Классицизм
Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — художеств. теория и стиль в иск-ве 17-18 вв. В основе К.
лежало убеждение в разумности бытия, в наличии единого, всеобщего порядка, управляющего ходом вещей в природе и жизни, гармоничности человеческой натуры. Свой эстетич. идеал представители К. черпали в образцах антич. иск-ва и в осн. положениях «Поэтики» Аристотеля.
Само название «К.» происходит от обращения к классич. древности как высшей норме эстетич. совершенства. Эстетика К., исходящая из рационалистич. предпосылок, нормативна. Она содержит сумму обязательных строгих правил, к-рым должно отвечать художеств. произведение.
Важнейшие из них — требования равновесия красоты и истины, логической ясности замысла, стройности и законченности композиции, чёткого разграничения жанров.
В развитии К. отмечаются два больших историч. этапа: 1) К. 17 в., выраставший из иск-ва Возрождения вместе с барокко и развивавшийся отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с последним; 2) просветительский К. 18 в., связанный с предреволюц.
идейным движением во Франции и его влиянием на иск-во др. европ. стран. При общности осн. эстетич. принципов этим двум этапам свойствен и ряд существенных различий. В зап.-европ. искусствознании термин «К.» обычно применяется только к художеств. направлениям 18 в., тогда как иск-во 17 — нач.
18 вв. рассматривается под знаком барокко.
В противоположность этой точке зрения, исходящей из формального понимания стилей как механически сменяющихся стадий развития, разработанная в СССР марксистско-ленинская теория стилей учитывает всю совокупность противоречивых тенденций, сталкивающихся и взаимодействующих в каждую историч. эпоху.
К. 17 в., являясь во многом антитезой барокко, вырастал из тех же историч. корней, по-иному отразив противоречия переходной эпохи, характеризовавшейся крупными социальными сдвигами, бурным ростом науч. знаний и одновременным усилением религ.-феодальной реакции. Наиболее последовательное и законченное выражение К. 17 в. получил во Франции периода расцвета абсолютной монархии.
В музыке виднейшим его представителем был Ж. Б. Люлли, создатель жанра «лирической трагедии», к-рая по своей тематике и осн. cтилистич. принципам была близка классицистской трагедии П. Корнеля и Ж. Расина. В противоположность итал.
баручной опере с её «шекспировской» свободой действия, неожиданными контрастами, смелым сопоставлением возвышенного и шутовского, «лирическая трагедия» Люлли обладала единством и выдержанностью характера, строгой логичностью построения. Её сферой была высокая героика, сильные, благородные страсти людей, возвышающихся над обычным уровнем. Драматич.
выразительность музыки Люлли основывалась на применении типич. оборотов, служивших для передачи разл. душевных движений и эмоций — в соответствии с учением об аффектах (см. Аффектов теория), лежавшим в основе эстетики К.
Вместе с тем творчеству Люлли были присущи и черты барокко, проявлявшиеся в зрелищной пышности его опер, обилии танцев, шествий и хоров, непрестанно возрастающей роли чувственного начала. Подобное соединение элементов барокко и К. выступает и в Италии — в операх композиторов неаполитанской школы после драматургич. реформы, осуществлённой А. Дзено по образцу франц. классицистской трагедии.
Героическая опера-сериа приобрела жанровое и конструктивное единство, были регламентированы типы и драматургич. функции разл. муз. форм. Но зачастую это единство оказывалось формальным, на первый план выдвигались занимательность интриги и виртуозное вок. мастерство певцов-солистов. Как итал. опера-сериа, так и творчество французских последователей Люлли свидетельствовали об известном упадке К.
Новая полоса расцвета К. в эпоху Просвещения была связана не только с изменением его идейной направленности, но и с частичным обновлением самих его форм, преодолением нек-рых догматич. сторон классицистской эстетики. В своих высших образцах просветительский К. 18 в. поднимается до открытого провозглашения революц. идеалов.
Франция по-прежнему остаётся осн. центром развития идей К., но они находят широкий резонанс в эстетич. мысли и художеств. творчестве Германии, Австрии, Италии, России и др. стран. В муз. эстетике К. важную роль играет учение о подражании, разрабатывавшееся во Франции Ш. Баттё, Ж. Ж. Руссо, Д'Аламбером, в Германии — И.
Маттезоном, И. Шайбе, И. Кванцем и др. У наиболее передовых представителей муз.-эстетич. мысли 18 в. эта теория связывалась с пониманием интонац. природы музыки, что вело к реалистич. взгляду на неё.
Руссо подчёркивал, что предметом подражания в музыке должны быть не звуки неодушевлённой природы, а интонации человеческой речи, служащие наиболее верным и непосредственным выражением чувства. В центре муз.-эстетич. споров 18 в. находилась опера. Франц.
энциклопедисты считали её жанром, в к-ром должно быть восстановлено первоначальное единство иск-в, существовавшее в ан-тич. т-ре и нарушенное в последующую эпоху. Эта мысль легла в основу оперной реформы К. В. Глюка, к-рая была начата им в Вене в 60-е гг. и получила завершение в обстановке предреволюц. Парижа 70-х гг.
Зрелые, реформаторские оперы Глюка, горячо поддержанные энциклопедистами, в совершенстве воплотили классич. идеал возвышенного героич. иск-ва, отличающегося благородством страстей, величеств. простотой и строгостью стиля.
Как и в 17 в., в эпоху Просвещения К. не представлял собой замкнутого, изолированного явления и соприкасался с разл. стилевыми течениями, эстетич. природа к-рых иногда находилась в противоречии с его осн. принципами. Так, кристаллизация новых форм классич. инстр. музыки начинается уже во 2-й четв. 18 в., в рамках галантного стиля (или стиля рококо), связанного преемственно как с К.
17 в., так и с барокко. Элементы нового у композиторов, причисляемых к галантному стилю (Ф. Куперен во Франции, Г. Ф. Телеман и Р. Кайзер в Германии, Дж. Саммартини, отчасти Д. Скарлатти в Италии), переплетаются с чертами баручной стилистики. При этом монументализм и динамич. устремлённость барокко сменяются мягкой, утончённой чувствительностью, интимностью образов, изысканностью рисунка.
Широкое распространение сенти- менталистских тенденций в сер. 18 в. привело к расцвету песенных жанров во Франции, Германии, России, возникновению разл. нац.
типов оперы, противопоставляющих возвышенному строю классицистской трагедии простые образы и чувства «маленьких людей» из народа, сюжеты из обыденной повседневной жизни, непритязательный мелодизм музыки, близкой к бытовым источникам. В области инстр. музыки сентиментализм получил отражение в соч. чеш. композиторов, примыкавших к мангеймской школе (Я.
Стамиц и др.), К. Ф. Э. Баха, творчество к-рого было родственно лит. движению «Бури и натиска». Свойственное этому движению стремление к неогранич. свободе и непосредственности индивидуального переживания проявляется в приподнятой лирич. патетике музыки К. Ф. Э. Баха, импровизационной прихотливости, резких, неожиданных выразит. контрастах.
Вместе с тем деятельность «берлинского», или «гамбургского», Баха, представителей мангеймской школы и др. параллельных течений во многом непосредственно подготовила высшую стадию развития муз. К., связанную с именами Й. Гайдна, В. Моцарта, Л. Бетховена (см. Венская классическая школа). Эти великие мастера обобщили достижения разл. муз. стилей и нац.
школ, создав новый тип К., значительно обогащенного, освобождённого от условностей, свойственных предыдущим этапам классицистского стиля в музыке. Присущие К. качества гармонич. ясности мышления, равновесия чувственного и интеллектуального начал сочетаются у них с широтой и богатством реалистич. постижения мира, глубокой народностью и демократизмом.
В своём творчестве они преодолевают догматизм и метафизичность классицистской эстетики, в известной степени проявлявшиеся ещё у Глюка. Важнейшим историч. завоеванием этого этапа было утверждение симфонизма как метода отражения действительности в динамике, развитии и сложном сплетении противоречий.
Симфонизм венских классиков вбирает в себя нек-рые элементы оперной драматургии, воплощая большие, развёрнутые идейные концепции и драматич. конфликты. С другой стороны, принципы симфонич. мышления проникают не только в разл. инстр. жанры (соната, квартет и т. д.), но и в оперу, и в произв. кантатно-ораториального типа.
Во Франции в кон. 18 в. К. получает дальнейшее развитие в соч. последователей Глюка, продолжавших его традиции в оперном творчестве (А. Саккини, А.Сальери). Непосредственно откликаются на события Великой франц. революции Ф. Госсек, Э. Мегюль, Л. Керубини — авторы опер и монументальных вок.-инстр.
произведений, рассчитанных на массовое исполнение, проникнутых высоким гражданским и патриотич. пафосом. Тенденции К. обнаруживаются у рус. композиторов 18 в. М. С. Березовского, Д. С. Бортнянского, В. А. Пашкевича, И. Е. Хандошкина, Е. И. Фомина. Но в рус. музыке К. не сложился в целостное широкое направление.
Он проявляется у этих композиторов в сочетании с сентиментализмом, жанрово-характерной реалистич. образностью и элементами раннего романтизма (напр., у О. А. Козловского).
Литература: Ливанова Т., Музыкальная классика XVIII века, М.-Л., 1939; её же, На пути от Возрождения к Просвещению XVIII века, в сб.: От эпохи Возрождения к XX веку, М., 1963; её же, Проблема стиля в музыке XVII века, в сб.: Ренессанс. Барокко. Классицизм, М., 1966, с. 264-89; Виппер Б. Р., Искусство XVII века и проблема стиля барокко, там же, с.
245-63; Конен В., Театр и симфония, М., 1968; Келдыш Ю., Проблема стилей в русской музыке XVII- XVIII веков, «СМ», 1973, No 3; Fischer W., Zur Entwicklungsgeschichte des Wiener klassischen Stils, «StZMw», Jahrg. III, 1915; Becking G., Klassik und Romantik, в сб.: Bericht ьber den I. Musikwissenschaftlichen KongreЯ… in Leipzig… 1925, Lpz.
, 1926; Bьcken E., Die Musik des Rokokos und der Klassik, Wildpark-Potsdam, 1927 (в редактировавшейся им серии «Handbuch der Musikwissenschaft»; рус. пер.: Музыка эпохи рококо и классицизма, М., 1934); Mies Р.. Zu Musikauffassung und Stil der Klassik, «ZfMw», Jahrg. XIII, H. 8, 1930/1931, s. 432-43; Gerber R.
, Klassischei Stil in der Musik, «Die Sammlung», Jahrg. IV, 1949.
Ю. В. Келдыш
Классицизм (от лат. classicus — образцовый), художественный стиль, существовавший в 17 — нач. 19 вв. в европ. литературе и искусстве. Его возникновение связано с появлением абсолютистского государства, временного социального равновесия между феодальными и буржуазными элементами.
Возникавшая в это время апология разума и выраставшая из неё нормативная эстетика опирались на правила хорошего вкуса, которые считались извечными, независимыми от человека и противоставлялись своеволию художника, его вдохновению и эмоциональности. Нормы хорошего вкуса К.
выводил из природы, в которой он видел образец гармонии. Поэтому К. призывал подражать природе, требовал правдоподобия. Оно понималось как соответствие идеальному, отвечающему разуму представлению о действительности. В поле зрения К. были лишь сознательные проявления человека.
Всё не отвечающее разуму, всё безобразное должно было предстать в искусстве К. очищенным и облагороженным. С этим связывалось представление об античном искусстве, как образцовом. Рационализм вёл к обобщённому представлению о характерах и преобладанию абстрактных коллизий (противостояние долга и чувства и др.).
Во многом опиравшийся на идеи Возрождения, К., в отличие от него, проявлял интерес не столько к человеку во всём его многообразии, сколько к ситуации, в которой человек находится. Отсюда зачастую интерес не к характеру, а к тем его чертам, которые обнажают эту ситуацию. Рационалистичность К.
порождала требования логичности и простоты, а также систематизацию художеств. средств (деление на высокие и низкие жанры, стилистич. пуризм и др.).
Для балета эти требования оказались плодотворны. Коллизии, разрабатывавшиеся К., — противостояние разума и чувства, государства личности и т. д., — полнее всего выявлялись в драматургии. Воздействие драматургии К. углубляло содержательность балета, наполнило танц. картины смысловой значимостью.
В комедиях-балетах («Докучные», 1661, «Брак поневоле», 1664, и др.) Мольер стремился добиться сюжетного осмысления балетных вставок. Балетные фрагменты в «Мещанине во дворянстве» («турецкая церемония», 1670) и в «Мнимом больном» («посвящение в доктора», 1673) были не просто интермедиями, а органич. частью спектакля.
Подобные явления имели место не только в фарсово-бытовых, но и в пасторально-мифологич. представлениях. Несмотря на то, что балету по-прежнему были свойственны мн. черты стиля барокко и он всё ещё являлся частью синтетич. спектакля, его содержательность возрастала.
Это было связано с новой ролью драматурга, руководившего балетмейстером и композитором.
Крайне медленно преодолевая барочную пестроту и громоздкость, балет К., отставая от литературы и других искусств, тоже стремился к регламентации. Более отчётливыми становились жанровые членения, а главное — усложнялась и систематизировалась танц. техника. Балетм. П. Бошан, исходя из принципа выворотности, установил пять позиций ног (см.
Позиции) — основы систематизации классического танца. Этот классический танец ориентировался на антич. образцы, запёчатлённые в памятниках изобразит. искусства. Все движения, даже заимствованные из нар. танца, выдавались за античные и стилизовались под античность. Балет профессионализировался и вышел за пределы дворцового круга. Любителей танца из числа придворных в 17 в. сменили проф.
артисты, сначала мужчины, а в конце века и женщины. Шёл бурный рост исполнительского мастерства. В 1661 в Париже была создана Королевская академия танца во главе с Бошаном, а в 1671 — Королевская академия музыки, возглавлявшаяся Ж. Б. Люлли (впоследствии — парижская Опера). Люлли сыграл важную роль в становлении балета К.
Выступив как танцовщик и балетмейстер под руководством Мольера (позднее и в качестве композитора), он создал муз. жанр лирич. трагедии, в которой пластике и танцу принадлежала ведущая смысловая роль. Традицию Люлли продолжал Ж. Б. Рамо в операх-балетах «Галантная Индия» (1735), «Кастор и Поллукс» (1737).
По своему положению в этих ещё синтетических представлениях балетные фрагменты всё более отвечали принципам К. (иногда сохраняя барочные черты). В нач. 18 в. не только эмоциональное, но и рациональное осмысление пластич. сцен привело к их обособлению; в 1708 появился первый самостоятельный балет на тему из «Горациев» Корнеля с музыкой Ж. Ж. Муре.
С этого времени балет утвердился как особый вид искусства. В нём преобладал дивертисментный танец, танец-состояние и его эмоциональная однозначность способствовала рационалистич. построению спектакля. Распространился смысловой жест, но преим. условный.
С упадком К. развитие техники начинает подавлять драматургич. начало. Ведущей фигурой балетного театра становится танцовщик-виртуоз (Л. Дюпре, М. Камарго и др.), нередко отодвигавший на второй план балетмейстера и тем более композитора и драматурга. При этом широко использовались новые движения, с чем связано и начало реформы костюма.
Балет. Энциклопедия, СЭ, 1981
Источник: http://www.belcanto.ru/klassicizm.html
Классицизм — направление в искусстве XVII, XVIII и начала XIX веков. Его название произошло от слова «образцовый»
Классицизм — направление в искусстве XVII, XVIII и начала XIX веков. Его название произошло от слова «образцовый». Представители этого направления признавали высшими образцами для своего творчества произведения античного искусства.
Они стремились к созданию возвышенно-благородных образов в ясной, строгой и гармоничной форме изложения. Музыка эпохи классицизма во многом сходна с архитектурой этого периода, которой были свойственны строгая пропорциональность и симметричность, небольшое количество декоративных украшений.
В XVII веке основные принципы этого направления сложились в двух оперных жанрах: французской лирической трагедии и итальянской опере-сериа. В XVIII веке немецкий композитор К.В. Глюк существенно преобразовал оперы.
Он создал новый тип музыкальных трагедий, устранив излишнюю пышность постановок и бессодержательную вокальную виртуозность, характерную для придворных спектаклей того времени.
Во второй половине XVIII и начале XIX века развитие классицизма достигло своего расцвета в творчестве И. Гайдна, В. Моцарта и Л. Бетховена. Жизнь этих величайших композиторов прошла в столице Австрии — Вене, поэтому их называют венскими классиками.
В творчестве Гайдна, Моцарта и Бетховена постепенно сложилась и закрепилась определенная форма построения инструментальных произведений. Она отличается совершенством и строгими пропорциями расположения частей.
Основные жанры венских классиков
Основу инструментального творчества И. Гайдна, В. Моцарта и Л. Бетховена составляют жанры: симфония, концерт, квартет, соната.
Симфония — крупное произведение для симфонического оркестра в 4-х частях. Слово «симфония» в переводе с греческого языка означает «созвучие».
Концерт — произведение для солирующего инструмента и симфонического оркестра в 3-х частях. Например: концерт для фортепиано с оркестром, концерт для скрипки с оркестром и другие.
Квартет — произведение для четырех струнных инструментов: двух скрипок, альта и виолончели в 4-х частях.
Соната — произведение для одного или двух инструментов в 3-х частях. Например: соната для фортепиано, соната для скрипки и фортепиано и другие.
Сонатно-симфонический цикл
Цикл представляет собой музыкальное произведение из нескольких частей. Части цикла объединены в единое произведение, но отличаются друг от друга своим содержанием и характером музыки.
Такое строение имеют симфонии, концерты, квартеты и сонаты. В связи с этими жанрами цикл получил название сонатно-симфонический.
По законам, сложившимся в творчестве венских классиков, каждая из частей цикла создавалась в строго определенных темпах и формах, приведенных в следующей таблице.
Источник: https://art-grand.by/classicismviennese-classics.html
Загрузка...
