Барокко в музыке: особенности стиля, композиторы
Музыкальное искусство Западной Европы особенно активно начало развиваться в XI веке в связи с изобретением нотной письменности.
Запись нотного текста, а не заучивание музыкальных произведений наизусть позволило композиторам оставлять свои имена в истории.
И все же потребовалось некоторое время, чтобы в истории появились по-настоящему гениальные композиторы, музыка которых не потеряла актуальности и до сих пор. Одним из таких ярких рассветов в музыкальном искусстве стала эпоха барокко.
Вообще, слово «барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый», «странный».
Как художественное направление барокко было распространено во всех видах искусства – живописи, архитектуре, скульптуре, литературе и, конечно, в музыке XVII-XVIII веков.
Для этого художественного направления было характерно наличие большого количества украшений, которые порой буквально не давали разглядеть смысл.
Музыка – тот вид искусства, который «пострадал» от украшений и перегруженности ими меньше всего, и все же они имели место быть, это было особенностью музыки барокко: всевозможные трели, мелизмы и прочие мелодические украшения. Музыка узнаваема, например, яркие концерты Антонио Вивальди – «Времена года».
Одним из показателей стиля барокко был поиск нового в музыке. Еще не был сформирован полноценный оркестр, исканиями композиторов были сочетания самых различных тембров.
Еще не были установлены правила и нормы гармонии (это заслуга более позднего периода – венского классицизма).
Еще не были созданы и отточены известные ныне жанры, для некоторых из них эпоха барокко стала зарей существования. Какие же появились в музыке барокко жанры?
Опера эпохи барокко
Одним из таких появившихся в эпоху барокко жанров стала опера. Изначально опера планировалась как возрождение античной трагедии. Инициатором создания стали музыканты, входившие во Флорентийскую камерату. Одним из самых известных представителей камераты стал Якопо Пери, написавший первую дошедшую до нас оперу «Эвридика». Как возрождение трагедии она написана на античный сюжет.
В результате развития оперы в Италии начали возникать различные школы, наиболее яркими из них были римская, флорентийская и неаполитанская, в последней родилось удивительно красивое искусство пения bel canto, которое и по сей день считается эталоном вокального исполнения в музыке.
К сожалению, красота пения и виртуозность арий приобрели большую популярность, чем драма в опере, зрители шли насладиться музыкой, но не понять смысл и драматургию. Это стало одной из самых больших проблем итальянской оперы, которая, к слову, называла «серьезной» (opera-seria).
Единственный композитор, которому удалось преодолеть данную проблему, – Клаудио Монтеверди. Его оперы сочетали в себе традиции всех трех итальянских школ, он внес в оперу реализм, опередив свое время. К сожалению, молодой жанр еще не был готов к реализму. Впереди оперу ждал довольно долгий путь развития.
Инструментальная музыка эпохи барокко
Инструментальные ансамбли эпохи барокко отличаются своим разнообразием. Каких-либо норм по сочетанию тембров еще не было выявлено. К тому же еще далеко не все музыкальные инструменты приобрели современный вид, а некоторые и вовсе не существовали. Совершенствовались и навыки игры на них – настолько, что многие инструменты приобрели значение концертных.
Одним из значимых инструментов эпохи был орган. В Западной Европе он был тесно связан с религией – католическая церковь использует этот музыкальный инструмент во время служб.
В эпоху барокко исполнение на этом инструменте приобретает концертный характер. Появляются выдающиеся исполнители, которых люди просто приходят послушать. Особенно это было выражено в Германии – там сформировалось 2 противоположных школы органной игры: северная и южная.
Южная школа опиралась на традиции полифонии строго стиля, известным представителем школы был Пахельбель. Полифония была особым показателем стиля барокко в музыке. В более поздние эпохи она не будет выражена столь ярко.
Северная же отличалась куда большей свободой и виртуозностью исполнения, известных представителей было больше: Букстехуде, Рейнкин, Бем.
Как ни странно, еще одним музыкальным инструментом, вышедшим на концертный уровень, стал клавесин. Возможности этого музыкального инструмента были ограничены: инструмент, ставший предшественником фортепиано, имел иное устройство.
Струны при нажатии клавиш защипывались специальными крючками, звук быстро затухал. Было невозможно добиться долгого звучания звуков.
При этом из инструмента нельзя было извлечь звуки различной громкости, что не давало разнообразить музыку динамическими оттенками.
На развитие исполнительских навыков повлияла доступность инструмента и возможность поставить его дома (что, например, не было возможным в случае с органом). Школы игры на этом инструменте возникают в разных странах – в Англии, во Франции (яркими представителями этой страны были Франсуа Куперен и Жан-Филипп Рамо).
Как звучал данный инструмент, можно услышать в исполнении концерта для клавесина с оркестром Иоганна Себастьяна Баха.
Значительными достижения были и в скрипичной и ансамблевой музыке эпохи барокко. Скрипка приобрела свой внешний облик лишь в XVI веке. За столетие инструмент достиг невиданной популярности. С одной стороны, скрипка и подобные струнно-смычковые инструменты обладали удивительными ансамблевыми свойствами, гармонично сочетаясь друг с другом.
При этом сочетания тембров были порой очень интересными, в ансамблевой музыке был популярен жанр concerto grosso – «большой концерт». Ярким представителем эпохи барокко, писавшим в этом жанре, был Арканджело Корелли. Концерт – соревновательный жанр, в «большом концерте» группы инструментов соревновались между собой.
Арканджело Корелли, Рождественский концерт
С другой стороны, инструмент обладал и широкими сольными возможностями. Выдающийся композитор в музыке Барокко – Антонио Вивальди – именно для этого инструмента написал «Времена года». Вивальди стал создателем сольного инструментального концерта.
Антонио Вивальди и Арканджело Корелли
Самыми известными представителями эпохи Барокко стали Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель.
Георг Фридрих Гендель
1685-1759
Один из выдающихся композиторов в музыке барокко.
Родился в Германии, но в связи с трудностями в экономическом развитии страны и непростым положением музыканта (в те далекие времена музыканты считались ремесленниками, не существовало деления между исполнителями и композиторами, любой музыкант должен был уметь и сочинить произведение, и импровизировать, а уважением профессия не пользовалась) Гендель покинул родину и отправился в Англию. Много работал в жанре opera-seria, но неудачи, связанные с недостатками самого жанра, заставили композитора обратиться к иному крупному вокальному жанру – оратории.
В результате композитор написал несколько выдающихся ораторий, одной из который стала оратория «Самсон».
Оратория «Самсон»
Одно из выдающихся произведений Генделя. Именно оратория, не опера смогла воплотить все идеи композитора. Но всю жизнь композитор работал в жанре оперы, и ее влияние также заметно в оратории.
Острота конфликта между Самсоном и Далилой, индивидуальная музыкальная характеристика персонажей не типична для жанра.
К тому же в «Самсоне» слишком много действующих лиц для оратории, в основном в этом жанре место уделялось хорам.
Иоганн Себастьян Бах
1685-1750
Выдающийся немецкий композитор эпохи барокко. В отличие от Генделя, Бах всю жизнь прожил в Германии. Иоганн Себастьян был также выдающимся органистом, клавесинистом, педагогом. За свою жизнь композитор написал огромное количество произведений, творил во всех жанрах, кроме оперы.
Органное творчество Баха
Иоганн Себастьян Бах был выдающимся органистом. В органном творчестве появилось первое циклическое произведение композитора, получившее название «Малый цикл Баха».
В этом цикле композитор объединил особенности и северной, и южной органных школ Германии. Цикл включает в себя 2 произведения: первое – импровизационного характера (токката, фантазия или прелюдия), второе – полифоническое (фуга).
Одно из самых известных таких произведений – токката и фуга ре минор.
Когда Бах служил в Кетене, у него не было возможности заниматься на органе. В этот период внимание композитора переключилось на клавесин. Он перенес свой «малый цикл» на этот инструмент. При этом композитор в клавирном творчестве утвердил равномерно-темперированный строй в двух томах Хорошо темперированного клавира.
Иоганн Себастьян Бах. Хорошо темперированный клавир. Том 1. Прелюдия и фуга соль минор.
В вокально-инструментальном творчестве Бах также был новатором. Во всех своих произведениях композитор доказывал, что музыка – философский вид искусства, что она способна нести вечные ценности и отвечать на глобальные вопросы. Как и Гендель, Бах обращался к жанру оратории, создав свое произведение «Страсти по Матфею».
Одним из самых крупных его произведений стала высокая месса си минор, в которой композитор показал вечную борьбу добра и зла.
Уделим внимание некоторым интересным фактам из истории:
- Вивальди был священником, но при этом он не очень любил это занятие. Он мог позволить себе прервать службу, однажды он покинул мессу, чтобы записать тему фуги. Из-за этого у него возникли серьезные проблемы с католической церковью.
- Бах был выдающимся органистом, ему приходилось много работать в церкви. И у него также было немало проблем с начальством, например, музыканта обвиняли в том, он играл лишние звуки, приглашал в церковь девушек.
- Однажды Бах, не имея денег на поездку в Любек, отправился туда пешком, чтобы послушать концерты Букстехуде.
- Бах писал не только глубоко философские музыкальные произведения. Одна из его кантат посвящена замечательному напитку – кофе.
- Когда Баха спросили, как у него получается так хорошо играть, он ответил, что просто нажимает на нужную клавишу в нужный момент.
- Выдающийся композитор Иоганн Себастьян не был признан как композитор при жизни. «Открыл» его творчество заново Феликс Мендельсон почти через столетие.
- Любимым композитором Баха был Вивальди. Изучив его творчество, композитор создал не один концерт.
- Гендель, будучи немецким композитором, большую часть жизни писал итальянские оперы, еще более любопытно, что делал он это в Англии…
Источник: https://www.nastroy.net/post/barokko-v-muzyike-osobennosti-stilya-kompozitoryi
Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы, Музыкальный класс
Знаете ли вы, что эпоху, подарившую нам Баха и Генделя, называли «причудливой»? Причём называли далеко не в положительном контексте. «Жемчужина неправильной (причудливой) формы» – таково одно из значений термина «барокко». Ещё бы новая культура была неправильной с точки зрения идеалов Возрождения: на смену гармонии, простоте и ясности пришли дисгармония, сложные образы и формы.
Музыкальная культура барокко сводила прекрасное и безобразное, трагедию и комедию. «В тренде» были «неправильные красоты», сменившие естественность Ренессанса. Мир уже не представлялся целостным, но воспринимался как мир контрастов и противоречий, как мир, полный трагедии и драматизма. Впрочем, этому есть историческое объяснение.
Эпоха барокко охватывает около 150 лет: с 1600-го по 1750-е годы. Это время великих географических открытий (вспомним открытие Америки Колумбом и кругосветное плавание Магеллана), время гениальных научных открытий Галилея, Коперника и Ньютона, время ужасных войн в Европе. Гармония мира рушилась на глазах, равно как и менялась сама картина Вселенной, менялись понятия времени и пространства.
Новая мода на вычурность рождала новые формы и жанры. Передать сложный мир человеческих переживаний смогла опера , главным образом через яркие эмоциональные арии.
Отцом первой оперы считают Якопо Пери (опера «Эвридика»), но именно как жанр опера оформилась в творениях Клаудио Монтеверди («Орфей»). Среди самых громких имён оперного жанра барокко также известны: А. Скарлатти (опера «Нерон, ставший Цезарем»), Г.Ф. Телеман («Марио»), Г.
Пёрселл («Дидона и Эней»), Ж.-Б.Люлли («Армида»), Г. Ф. Гендель («Юлий Цезарь»), Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа»), А. Вивальди («Фарнак»).
Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г.Ф. Генделем («Мессия»).
Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).
Еще один крупный жанр эпохи – концерт . Острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра ( сольный концерт ), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso )– хорошо перекликались с эстетикой барокко. Здесь правили маэстро А. Вивальди («Времена года»), И.С. Бах «Браденбургские концерты»), Г. Ф. Гендель и А. Корелли (Concerto grosso).
Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.
Один из главных контрастов музыкальной культуры барокко – это хаос и порядок как символы времени. Случайность жизни и смерти, неуправляемость рока и вместе с тем – торжество «рацио», порядок во всём.
Этуантиномию ярче всего передал музыкальный жанр прелюдии ( токкаты, фантазии ) и фуги . И.С.
Бах создал непревзойденные шедевры в этом жанре (прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира», Токката и фуга ре-минор).
Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.
Эпоха барокко внесла свою лепту в развитие нового стиля письма. На музыкальную арену выходит гомофония с её разделением на главный голос и сопровождающие.
В частности, популярность гомофонии связана и с тем, что церковь предъявляла особые требования к написанию духовных композиций: все слова должны быть разборчивы. Так вокал выходил на первый план, обрастая к тому же многочисленными музыкальными украшениями. Барочная склонность к вычурности проявилась и здесь.
Богатой на украшения была и инструментальная музыка. В связи с этим распространена была импровизация : открытый эрой барокко остинатный (то есть повторяющийся, неизменный) бас давал простор для фантазии на заданный гармонический ряд. В вокальной же музыке длинные каденции и цепочки форшлагов и трелей часто украшали оперные арии.
В то же время процветала и полифония , но уже совсем в другом русле. Полифония барокко – это полифония свободного стиля, развитие контрапункта.
Важным шагом в развитии музыкального языка стало принятие темперированного строя и становление тональности. Чётко определились два главных лада – мажор и минор.
Поскольку музыка эпохи барокко служила выражению страстей человеческих, цели композиции пересматривались. Теперь каждое сочинение связывалось с аффектом, то есть с определённым состоянием души. Теория аффектов не нова, она восходит истоками к античности. Но в эру барокко она получила широкое распространение.
Гнев, печаль, ликование, любовь, смирение – эти аффекты связывались с музыкальным языком композиций. Так, совершенный аффект радости и веселья выражался использованием в письме терций, кварт и квинт, беглого темпа и трёхдольного размера. Напротив, аффект печали достигался включением диссонансов, хроматики и медленного темпа.
Существовала даже аффектная характеристика тональностей, в которой суровый ми-бемоль мажор на пару со сварливым ми-мажором противостоял жалобному ля-минору и нежному соль-мажору.
Музыкальная культура барокко оказала огромное влияние на развитие последующей эпохи классицизма. И не только этой эпохи.
Даже сейчас слышны отголоски барокко в жанрах оперы и концерта, популярных по сей день.
Цитаты баховской музыки появляются в соло тяжёлого рока, эстрадные песни в большинстве своём строятся на барочной «золотой секвенции», а джаз в какой-то мере перенял искусство импровизации.
И уже никто не считает барокко «странным» стилем, но восхищается его поистине драгоценными жемчужинами. Пусть и причудливой формы.
Источник: http://prozvi.ru/isskustvo-dlya-dushi/muzykalnaya-kultura-barokko-estetika-xudozhestvennye-obrazy-zhanry-muzykalnyj-stil-kompozitory-muzykalnyj-klass
Музыкальная культура барокко
Музыкальная культура барокко
Мир музыкальной культуры XVII—XVIII вв. чрезвычайно сложен и разнообразен. Его невозможно свести к какому-то одному стилю или нескольким лаконичным определениям и формулировкам. Вот почему, рассказывая о музыке барокко, мы лишь наметим общую картину её развития.
Музыкальная культура барокко существенно отличалась от музыки Возрождения. В ней царило ощущение неизбежности перемен и дух новаторства. Один из меломанов начала XVII в. с возмущением писал:
«Музыкантам хочется изобретать нечто новое. И вот новое искусство докатилось до безудержной распущенности. Отклонившись от путей, намеченных нашими отцами, молодые композиторы создают искажённые произведения, в которых нет никаких достоинств, кроме новизны…»
Действительно, музыка, как ни одно другое искусство, ощутила на себе напряжённый, тревожный и неустойчивый дух своего времени.
На смену плавной гармонии, уравновешенности и оптимизму Возрождения пришли трагическое мироощущение, пристальное внимание композиторов к чувствам и эмоциям человека. Для выражения подобных чувств музыке были необходимы новые специфические средства и формы.
И они были блестяще найдены. На смену хоровой полифонии Возрождения приходит мелодичное одноголосие, способное передать малейшие волнения человеческой души.
Музыка барокко носит преимущественно светский характер, в ней в большей степени проявляются демократические тенденции эпохи; всевозможные украшения (мелизмы) делают её наиболее яркой и декоративной, что соответствует барочной эстетике.
Неустойчивые диссонирующие созвучия, неожиданные переходы, контрасты и противопоставления, мелодии, томительно длящиеся во времени, быстрые, технически трудные, виртуозные пассажи в пении, одновременное звучание множества инструментов, использование танцевальных ритмов — всё это определяло суть барочной музыки.
Новый музыкальный стиль проникает и в церковную музыку (в органные мессы Фрескобальди, Баха, оратории Генделя). Но ярче всего он проявился в опере, ведущем жанре музыки барокко.
«Взволнованный стиль» барокко в итальянской опере
Опера явилась одним из главных достижений музыкального искусства барокко. Будучи новым синтетическим жанром, она была призвана воплотить идеалы «нового стиля». Появление этого жанра было тщательно подготовлено в художественной атмосфере Возрождения. (На страницах учебника для 10 класса мы рассказывали о знаменитой Флорентийской камерате и о рождении оперы.)
В XVII в. оперное искусство быстро развивается и достигает расцвета в крупнейших городах Италии.
Там возникают своеобразные оперные школы, лучшие черты которых успешно соединил в своём творчестве Клаудио Монтеверди (1567—1643) — первый оперный композитор барокко и блестящий реформатор этого жанра (к сожалению, из оперного наследия композитора до нас дошло очень немногое).
Он успешно продолжил дело, начатое участниками Флорентийской камераты, но в собственном творчестве пошёл гораздо дальше своих предшественников. Монтеверди углубил содержательный смысл оперы, расширил выразительные средства и формы вокальных и оркестровых партий, ввёл в неё увертюру и дуэт.
Но главным его новшеством стал созданный им «взволнованный стиль» (соncitatо), передающий драматизм и напряжённость действия, глубину страстных человеческих чувств и переживаний. В отличие от предшественников, он развил драматическую сущность нового жанра, создал мелодию, сочетающую в себе речевые интонации, декламацию и вокал. Он обогатил оперу полифонической традицией, а средствами музыки показал многообразие и противоречивость человеческих характеров.
Композитор считал, что музыка должна не столько развлекать слушателя, сколько передавать богатство внутреннего мира человека, заставлять его думать, переживать, искать ответы на сложные жизненные вопросы. Подвижная, изменчивая мелодия его опер могла растрогать и взволновать до глубины души, повергнуть в смятение, заставить ужаснуться или вызвать восторг.
Сюжеты его опер включали интриги, заговоры, измены, покушения; непременным условием, передающим напряжённость развития действия, была смерть героев.
Он создал новый тип арии — «жалобную песнь», прекрасным примером которой является «Плач Ариадны» из оперы «Ариадна». Важнейшим завоеванием композитора стала детальная разработка оркестровки, введение новых технических приёмов для большей выразительности.
Монтеверди использовал ансамбль инструментов. Если в первой опере «Эвридике» их было всего семь, то в последней — 70!
Лучшие оперы Монтеверди — «Орфей» (1607), «Коронация Поппеи» (1642), созданные на мифологические и исторические темы, — отличаются богатством и занимательностью сюжета.
В судьбах героев происходят неожиданные события и перемены, а потому музыка изобилует контрастными, резкими переходами, полными суровой драматической силы и нежного лиризма. Звучание разнообразных музыкальных инструментов живописно оттеняет психологическое состояние каждого из действующих лиц, выявляет их моральные качества.
Оркестровая музыка не только сопровождает певческий голос, гибко следуя за поэтическим словом, она сама становится полноправным участником событий.
В 1637 г. в Венеции по инициативе Монтеверди был открыт первый в мире публичный оперный театр, через несколько лет подобные театры открываются в Лондоне, Гамбурге, Париже, Праге и Вене.
Оперное искусство повсеместно завоёвывает сердца слушателей. Творчество К. Монтеверди оказало огромное влияние на оперные произведения Дж. Фрескобальди (1583—1643), А. Скарлатти (1660—1725) и Дж. Б.
Перголези (1710— 1736).
Характерные черты «взволнованного стиля» К.
Монтеверди нашли отражение в творчестве и исполнительской манере выдающихся мастеров барочного концерта, и прежде всего Антонио Вивальди (1678— 1741) — автора 465 (!) концертов и 40 опер, блестящего скрипача-виртуоза, поражавшего публику полной неожиданностей и контрастов манерой исполнения. В основе созданного им большого концерта (соnсегtо grosso) лежало противопоставление одного или группы солирующих музыкальных инструментов всему оркестру.
В историю музыкальной культуры А. Вивальди вошёл и как выдающийся композитор программной музыки, воссоздающей реальные звуковые картины из жизни природы. В своём наиболее известном сочинении «Времена года» (1725) он сумел мастерски передать весеннее радостное обновление природы и жаркий летний зной, её пышное осеннее увядание и зимнюю стужу.
Расцвет свободной полифонии в творчестве Баха
Творчество Иоганна Себастьяна Баха (1685—1750) явилось завершающим этапом музыкальной культуры барокко.
В его произведениях удивительным образом сочетались все лучшие достижения предшествующих эпох: искусство полифонии немецких органистов, гомофонный стиль итальянской оперы и французской танцевальной музыки.
Он унаследовал традиции инструментальной музыки сопсегЬо §то83о и народно-песенного творчества.
Известный русский композитор и музыкальный критик А. Н. Серов писал:
«Если в области музыки есть что-либо, к чему надобно подходить… с любовью в сердце, со страхом и верою, так это именно — творения великого Баха».
Трагическая история Германии (Крестьянская и Тридцати летняя войны, Вестфальский мир, окончательно закрепивший раздробленность страны) дала Баху возможность почувствовать глубокие противоречия своего времени.
Поразительно разнообразно творческое наследие Баха, работавшего почти во всех музыкаль ных жанрах! В историю мировой музыкальной культуры он вошёл как непревзойдённый мастер духовной органной музыки.
Глубина философских обобщений, отражение сложного и противоречивого земного бытия и божественного мира совершенной гармонии отличают его органные мессы, хоралы, оратории, кантаты и пассионы («страсти»).
Ещё в XVII в. возникла традиция вокально-хорового исполнения «страстей» — драматизированных торжественных повествований о страданиях и мученической смерти Иисуса Христа.
Одним из величайших творений Баха стали «Страсти по Матфею» (1729) — грандиозное произведение из 78 номеров, исполнявшееся в течение четырёх часов. По замыслу автора, в нём участвовали два четырёхголосных хора с солистами и оркестр из 34 музыкантов.
Нелегко было организовать исполнение этого монументального произведения при жизни композитора.
Музыка «Страстей…» вызывала самые различные эмоции у слушателей: от строгой, возвышенной скорби до искреннего переживания, раздумья и просветлённого торжества жизни. Сдержанная, скорбная мелодия голоса сопровождалась рыданиями скрипки, а партии хоров передавали крики разъярённой толпы, требующей казни Христа.
Строгим ревнителям церкви музыка не понравилась, она показалась им слишком оперной и далёкой от религиозной догматики. Лишь в 1829 г., спустя сто лет после её создания, двадцатилетний немецкий композитор Ф. Мендельсон (1809—1847) осуществит её исполнение в Лейпциге.
«Переполненный зал казался храмом, среди присутствующих царило торжественное благоговение; только изредка раздавались непроизвольные изъявления глубоко взволнованного чувства» (из воспоминаний Ф. Мендельсона).
Одним из величественных творений Баха стала Высокая месса (Месса си минор) (1747—1749), созданная в стиле барокко.
Удивительно тонкая и красивая музыка, включающая арии, вокальные ансамбли и хоры, передавала широкий эмоциональный диапазон: от ликования и просветлённого чувства радости до жалости, скорби и сострадания. Короткие фразы латинских молитв служили лишь поводом для выражения мыслей о противопоставлении жизни и смерти, о торжестве нравственного величия Человека.
Сложность структуры и большой объём не позволяли исполнить её в церкви во время праздничного дневного богослужения (при жизни Баха она не была исполнена ни разу). Месса состояла из 5 крупных частей, включавших 24 номера (15 хоров, 6 арий и 3 дуэта). Между тем грандиозное произведение поражало своей цельностью и чёткой продуманностью.
Барочный характер музыки нашёл воплощение в полифоническом искусстве Баха, вершиной которого являлись фуги (лат. fuga — бег) — многоголосные произведения, в основе которых лежит одна музыкальная тема, звучащая последовательно в разных голосах.
Происхождение этого слова не случайно: звучащие голоса действительно как будто «догоняют» друг друга и приходят к согласию лишь в конце.
Обойдя все голоса, мелодия начинает дробиться на мелкие части, её звучание становится более напряжённым, неустойчивым.
Хорошо известна и оркестровая музыка Баха. Каждый из шести Бранденбургских концертов (1711 —1720), созданных в жанре соnсегtо grosso, имеет свой неповторимый тембровый облик.
Клавирные и скрипичные концерты, в которых Бах продолжил традиции А. Вивальди, — это то главное, что создано им в этой области.
В клавирной музыке (klаviег — немецкое название клавесина, струнного клавишного инструмента) он прокладывал новые пути, намечая основные направления в развитии фортепианной музыки.
Сборник фуг и прелюдий «Хорошо темперированный клавир» (1722, 1744) — непревзойдённый образец полифонической клавирной музыки, учебник и настольная книга для исполнителей многих поколений. Бетховен называл его своей «музыкальной Библией», для Шумана она была «лучшей грамматикой».
Среди 48 фуг нет и двух похожих, каждую отличает поразительное многообразие мелодий и настроений. Связанные между собой, они являются вполне самостоятельными произведениями. Бах любил импровизировать за клавесином на темы популярных песен, сочиняя изящные и легкие сюиты, состоящие из немецких (аллеманда), французских (куранта), испанских (сарабанда) и английских (жига) танцев.
Французские и Английские сюиты стали подлинным украшением концертных программ.
Не менее популярной была светская вокально-инструментальная музыка Баха. Около 30 кантат (вокально-инструментальных произведений для солистов хора и оркестра) принадлежит великому композитору. Каждая из них проникнута весёлыми и жизнерадостными интонациями, во всех чувствуются остроумие и тонкий юмор автора.
В «Крестьянской кантате» (1742) звучат народно-песенные мелодии, передающие стихию народной жизни. Она представляет собой живые зарисовки крестьянского праздника, любовного свидания на лоне природы. «Кофейная кантата» (1732) — это остроумная жанровая сценка, в которой ворчливый отец запрещает дочери пить кофе — модный в то время напиток.
Но изобретательная и находчивая дочь ловко обходит все его запреты.
За свою жизнь Бах создал множество музыкальных шедевров. Известно, что в конце жизни великий немецкий композитор потерял зрение. Последние сочинения он диктовал своим ученикам…
Русская музыка барокко
Музыкальная культура русского барокко успешно развивалась в течение ста лет, с середины XVII до середины XVIII в. На русскую барочную музыку оказали влияние западноевропейские музыкальные традиции, пришедшие к нам через Польшу и Украину. При этом русская музыка барокко сохранила характерные черты древнерусского знаменного распева, его сурово-сдержанный, величавый стиль.
В основу русской барочной музыки легло торжественное партесное (лат. partes — голоса, т. е. многоголосное) пение, получившее наиболее яркое воплощение в так называемых партесных концертах XVII — начала XVIII в. Николай Павлович Дилецкий, главный теоретик партесного стиля пения, автор «Мусикийской грамматики»
Источник: http://sghistoryspb.ucoz.com/load/iskusstvo_ii_chast/muzykalnaja_kultura_barokko/3-1-0-123
Музыкальная культура эпохи барокко (XVII – первая половина XVIII века). Жанры церковной и светской музыки в творчестве И. С. Баха и его современников
Барокко (в переводе с порт.) – жемчужина неправильной формы.
По отношению к искусству это слово первоначально применялось в негативном значении: художникам эпохи классицизма творчество их предшественников казалось причудливым, вычурным, имеющим «неправильные формы» («барокко»).
Однако постепенно понятие «барокко» стало термином, обозначающим европейское искусство 17 — первой половины 18 вв., с присущими ему особыми качествами. Выделяют следующие характеристики искусства эпохи барокко:
1) Пышность, торжественность, величественность
2) Повышенная экспрессия, эмоциональная напряженность, динамизм
3) Сильные контрасты
Названные качества барочного искусства отразили сложность мироощущения эпохи. Потрясенный переворотом в представлении об устройстве мироздания, произведенном Возрождением (Великие географические открытия, гелиоцентрическая система мира Коперника и т. п.
), Человек стал ощущать себя «чем-то средним между всем и ничем» (по выражению Паскаля). Пытаясь найти опору в кажущемся хаотичным мире, он взывает к небесным силам или уповает на земных властителей.
И церковь, и государство (а это расцвет абсолютных монархий) по-своему пытаются внести упорядоченность в устройство жизни.
Для утверждения своего авторитета и духовного могущества и церковь (особенно католическая), и крупнейшие королевские дворы Европы (особенно французский — времен Людовика XIV, австрийский — времен Марии-Терезии) широко использовали искусство – прежде всего, архитектуру и музыку.
Музыканты эпохи барокко не являлись свободными художниками. Они находились на службе – либо церковной, либо светской.
Их творчество было широко востребовано (в каждом храме, в большинстве домов аристократов), но подчинялось определенным канонам.
Наивысшего расцвета музыка барокко достигает в творчестве Баха, который обобщил достижения не только немецкой, но и итальянской, французской, английской школ. (Другие представители этой эпохи – Корелли, Вивальди, Гендель).
Церковная музыка в эпоху барокко была ведущим направлением. Она была представлена произведениями для органа и для хора с оркестром.
В то время именно эти исполнительские составы предоставляли композитору максимум возможностей по мощи и разнообразию звучания.
Кроме того, церковная музыка (в отличие от аристократической светской) была обращена к максимальному количеству слушателей (в церковь ходили все).
Жанры органной музыки – это хоральные прелюдии и малые полифонические циклы.
Источник: https://megaobuchalka.ru/3/2219.html
Музыка Барокко
Эпоха Барокко.
Музыка в период 1600 — 1750 гг.
Слово «барокко» пришло из португальского языка и означает «жемчужина неправильной формы», с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации.
Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть нестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина — в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен.
В эпоху Барокко произошел взрыв новых стилей и технологий в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать светской музыке.
Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров.
Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху Барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение «контрастировать» или «бороться», но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки.
Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи Барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста.
В начале эпохи Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди были написаны первые оперы, сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии.
Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке, фактически, воздействие на эмоции слушателя стало главной целью в произведениях этого периода.
Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла.
В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. «Мессия» Генделя — показательный пример оратории.
В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.
Иоганн Себастьян Бах, величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений.
Основным инструментом той эпохи был клавесин — предшественник фортепиано.
Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко — концерт, соната, опера.
Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день.
Великие работы эпохи Барокко:
Гендель «Музыка на воде» Бах «Бранденбургские концерты и Кантаты» Вивальди «Четыре Сезона» Пёрселл «Дидона и Эней»
Монтеверди «Орфей»
Смотреть обязательно:
Список композиторов раннего барокко
Список композиторов среднего барокко
Список композиторов позднего барокко
Источник: https://www.olofmp3.ru/index.php/Muzyka-Barokko.html
Музыка Барокко
Слово «барокко» происходит от итальянского «barocco», означающего «причудливый, странный», хотя, возможно, «пышный, изобильный» будет лучшим вариантом перевода, более точно отражающим смысл.
Использование этого термина началось в 1860-х годах для описания богато украшенных религиозных и общественных зданий в Италии, Германии и Австрии, построенных в 17-18 веках.
Позднее, в начале 1900-х годов термин «барокко» стал применяться к музыке 17-го и начала 18-го века, и сегодня термин «барокко» указывает на четко определенные типы и жанры музыки, возникшие около 1600 и развивавшиеся примерно до 1750.
Музыка средневековья была довольно примитивной с точки зрения мелодии и гармонии. В эпоху Возрождения и Барокко чувствуются большие изменения.
Итальянские музыкальные школы, в первую очередь, и отдельные композиторы других стран начинают создавать чудесные мелодии и удивительно прекрасные стихи, которые сопровождают друг друга.
Но главным их стремлением было поиск и исследование новых форм: мелодические линии и гармонические прогрессии, комбинации инструментов, новые жанры и формы музыки. Прогресс, начавшийся в конце 16-го века, обрёл устойчивые формы, и в период 1700-1750 — «высокое барокко» можно ясно увидеть его кульминацию.
Было два основных географических центра развития музыки.
Один в северной Германии и Голландии, композиторы Иоганн Фробергер, Иоганн Керль и, особенно, Дитрих Букстехуде концентрировали свои усилия на искусстве контрапункта, главным образом на фуге.
Голос и орган были здесь главными элементами. Другим центром был юг Европы — Италия, здесь формировались инструментальные формы — сонаты и концерт.
Каждый период в музыке имеет свои некие узнаваемые клише, и многое из того, что типично для музыки Барокко — определённые каденции и построение мелодий имеет единое происхождение — Арканджело Корелли, который, кажется, повлиял на всех, начиная со своих современников и студентов до Георга Генделя, который был в Риме с 1704 по 1710.
Из Рима «итальянское влияние» распространилось на север, в то время как строгие немецкие формы текли на юг, смешение производило общий стиль Барокко. Слияние музыкальных тенденций в разных частях Европы было удивительно обширным, учитывая относительно примитивные средства передвижения и связи.
Антонио Вивальди, Франческо Джеминиани, Арканджело Корелли, Алессандро Скарлатти, Георг Гендель и многие другие встречались друг с другом или хорошо знали музыку друг друга. Иоганн Себастьян Бах отправился на север из Тюрингии и Саксонии — южных земель Германии, чтобы услышать Букстехуде, впоследствии он путешествовал в Дрезден и Берлин.
Он нередко копировал музыку других композиторов, своих современников, обрабатывая её для других инструментов. Это был признанный метод исследования, широко практиковавшийся в эпоху Барокко. При рассмотрении музыки и композиторов эпохи Барокко или любого другого времени важно учитывать обстоятельства, в которых они работали.
К примеру, Вивальди, хотя и создал много прекрасных концертов (как «Четыре сезона»), но он также написал и много простейших произведений. Это были упражнения для учеников, Вивальди работал большую часть своей творческой жизни в оспедале ( «приют невинных») — детский дом для многочисленных незаконнорожденных девочек дворян и знати.
Анонимные отцы щедро жертвовали средства на содержание детей и молодые барышни жили в роскошной обстановке и под хорошим присмотром, музыкальные стандарты их обучения были одними из самых высоких в Венеции. Многие из концертов Вивальди фактически были упражнениями, которые он разучивал со своими учениками.
В эпоху Барокко было необычайно велико влияние церкви и государства на развитие музыки. Ни Италия, ни Германия в то время не существовали в том виде, в каком мы знаем их сегодня. Германия представляла собой сложную массу мелких княжеств, каждое со своим правителем и придворными музыкантами.
Альянсы заключались и распадались, например, в случаях брачного союза княжеских родов образовывались новые временные государства. Судьба многих композиторов и их статус во многом зависел от благосклонности и от отношения к музыке двора, где он служил, и композиторы-музыканты искали места в городах или при дворах, где их музыка обретет известность и будет процветать под покровительством короля или принца.
Одним из типичных примеров влияния королевского покровительства и мобильности композитора в эпоху Барокко является творчество Генделя. Георг Фридрих Гендель родился в Галле (Германия) 23 февраля 1685, всего за месяц до рождения Баха.
Отец Генделя намеревался сделать сына юристом, но музыкальные способности Георга возобладали и он начал учиться на музыканта. После учебы в Германии Гендель отправился в Италию, где он провел более трех лет, во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции.
В Риме он учился у Корелли и, несомненно, встречался и обменивался мнениями с рядом других итальянских композиторов. В Италии к нему пришла слава мастера «итальянской оперы».
Из Италии Гендель уехал в начале 1710 и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером ганноверского курфюрста Георга I, который был законным наследником английского трона. В 1714, после смерти английской Королевы Анны Георг I стал Королём Англии.
Гендель, который и раньше уже бывал в Лондоне, последовал за своим королём и принял Британское гражданство. Часть его успеха в Лондоне несомненно связана с королевским покровительством. Он активно участвовал как музыкально, так и коммерчески в развитии оперного искусства Великобритании. Позже, в 1730-х он будет создавать свои оратории, оды и т.д. в традиционном английском стиле. Он один из немногих иностранцев признан в Англии как величайший английский композитор.
На творчество Баха также повлияли перемены мест работы в разных городах, хотя, конечно, большая часть его творческой жизни прошла в Лейпциге на должности кантора церкви Св.Фомы.
, и в сравнении с другими композиторами, в том числе с членами его музыкальной семьи, он путешествовал меньше, но все время хорошо знал об изменениях в музыкальном мире.
В его музыке собрались вместе различные формы и стили Барокко и были доведены до совершенства.
После Баха развитие музыки приняло иной оборот — наступал период «галантного» стиля, который был легче, с более простыми и чистыми формами. Здесь блистали такие композиторы, как Гайдн и Моцарт, за которыми последовали композиторы «романтического» периода — Бетховен и Чайковский.
Вместе с тем в период Барокко определился основной музыкальный язык, и последующие композиторы часто «возвращались к истокам», изучая и играя работы Баха, писали фуги в стиле Барокко или обрабатывали произведения композиторов Барокко.
Моцарт, Шуман, Бетховен и многие другие создавали фуги в точном следовании стилю Барокко, Мендельсон был инициатором попыток возродить Барокко.
В эпоху Барокко многие инструменты достигли пика своего развития. Органы, постороенные немцами Арпом Шнитгером и Готфридом Зильберманом, были и до сих пор остаются лучшими инструментами.
Скрипки и другие струнные инструменты, созданные в эпоху Барокко итальянскими мастерами, и сейчас обладают неповторимым звучанием и являются мечтой многих профессиональных музыкантов. Домашние, а потом концертные клавишные инструменты являются примером того, как музыкальный инструмент сначала исчезал, потом модифицировался и вновь возвращался.
Широко распространённый клавесин в эпоху Барокко начал сменяться первыми фортепиано, которые также изготавливал друг И.С.Баха органостроитель Готфрид Зильберман.
Музыка в своей мелодичности сконструирована таким образом, чтобы отразить «полный порядок» вселенной — это суть музыкального стиля Барокко.
По словам композитора и музыкального теоретика Барокко Иоганна Йозефа Фукса: «Музыкальное произведение отвечает требованиям хорошего вкуса, если оно хорошо построено, избегает мелочей, а также умышленной эксцентричности, направлено на возвышенное, но движется в естественном порядке, сочетая блестящие идеи с совершенным мастерством.» В эти дни все больше и больше людей стремятся вернуться к музыке для души, содержащей в себе красоту, основывающуюся на упорядоченной структуре. Таким образом, мы являемся свидетелями возрождения интереса к музыке Барокко и тех, кому посчастливилось быть еще не знакомым с ней, ожидает интересное открытие.
Источник: http://www.clasmusic.ru/index.php/Muzyka-Barokko.html
Сообщение о барокко: эпоха, стиль, музыка, архитектура, живопись
Культурное барокковое направление
Барокко – это эпоха и направление в искусстве Европы в 17-18 веках. Характерна была также для России, Украины, белорусских земель и Польши. Произошел стиль из Италии, позже распространился по всей Европе.
В основе философии барокко лежал культ чувств в противовес холодному рационализму, «сухому разуму».
Провозглашалась свобода творчества, даже самого вычурного и причудливого, в противовес правилам и строгим канонам творчества культурной эпохи классицизма.
Барокко возникло на закате эпохи Возрождения, когда люди несколько разочаровались в идеалах Возрождения.
Человек – не центр мира и умнейшее существо, способное на все, как хотелось верить всем в эпоху Возрождения, он уязвим Человек, его личность и его творчество не могут быть идеальными, подчиненными только уму, бкезупречными. Человек – живой и неправильный, и им правят эмоции, к тому же это хорошо.
Слово «барокко» дословно означает «жемчужина неправильной формы», «странная жемчужина». В искусстве и стиле барокко странность, необычность, нелепость и оригинальность творчества не осуждается, а приветствуется.
Барокковая архитектура – взрыв эмоций
Стиль барокко как в архитектуре, так и в литературе и в музыке, отмечен сложностью форм. Не найдете вы здесь ничего аскетичного или простого, естественного, неприукрашенного.
Архитектура барокко – величественная, пышная, навевающая торжественное настроение.
Это архитектура гедонизма – «живем здесь и сейчас», оттого здания украшаются щедро и богато – лепниной, скульптурными формами, необычными балкончиками, коваными произведениями искусства.
Отличный пример архитектуры барокко – это Версальский дворец французских королей и прилежащий к нему Версальский парк.
Архитектура барокко в России – это прежде всего творения знаменитого архитектора Бартоломео Франческо Расстрелли.
Это и знаменитый Зимний императорский дворец в Санкт-Петербурге, построенный в стиле барокко, и величественный Екатерининский дворец в Царском селе, Большой дворец в Петергофском царском имении, дворец магнатов Строгановых в том же Петербурге на реке Мойке, Аничков дворец императрицы Елизаветы Петровны у Аничкова моста в Петербурге. Это красивейшие парадные постройки страны.
Расцвет эпохи барокко в России, как в архитектуре, так и в культуре в целом, приходится на 18 век.
Барокковые литература и живопись
Литература барокко особое внимание уделяет красоте и изяществу формы. Популярны становятся игры с формой произведений, литературные загадки, фигурные стихи, (примером может служить акростих). Часто это принципиально декоративные произведения, где вообще не особо важно содержание. Главное – великолепие форм!
Естественность и плоскость мира уже не устраивают творцов литературы барокко. Они стремятся усложнить литературу, выразить капризность по отношению к миру.
Мир разочаровывает, а человек слаб перед лицом огромного мира, он не столь силен и не столь благороден – таково мироощущение барокко.
К чему серьезно воспринимать жизнь и судьбу человека, если происходящее больше напоминает сон, чем правдивую реальность? Мир и законы реальности для культуры барокко – не более чем иллюзия, «матрица», бред!
Европейское барокко в литературе – это, прежде всего, имена Франсиско де Кеведо, Педро де Кальдеона, Поля Скаррона. Русские представители стиля барокко в литературе – это оратор и религиозный философ Феофан Прокопович, а также богослов и поэт, также религиозный философ, Симеон Полоцкий.
Живопись и музыка барокко отмечены динамичностью и контрастностью. В живописи это работы Караваджо, Диего Веласкеса, Рембрандта ван Рейна, Пауля Рубенса, Тициана, Веронезе.
Картины эти сияют игрой света, цветистыми пестрыми красками.
Одновременно с культом чувственных радостей тела и плотской жизни на картинах барокко мы можем наблюдать и «темную сторону» переживаний души, глубину духовного познания.
Писать объемные фигуры в живописи барокко было еще не принято. Поэтому изображения на картинах плоские. Живопись барокко активно ищет новые формы в изображении и находит их. Восприятие мира на картинах барокко чуть трагичное, немного мрачное.
Оно выражает беззащитность человека перед смертью, перед лицом высшего, хрупкость его бытия, жизни и счастья. Картины часто смешивают идеальное и смешное. Позднее барокко в искусстве называется термином «рококо».
Этот стиль отличается особой вычурностью, пышностью.
Барокковая музыка – красоты много не бывает
Музыка барокко – это тенденция к синтезу слова и музыки, таким образом в эпоху барокко расцветают вокальные и хоровые направления.
При этом также именно в эпоху барокко создается чисто инструментальный европейский стиль музыки, направление, что не включает вокальной составляющей. До эпохи барокко инструментальная музыка приравнивалась к танцевальной и развлекательной.
Также с 17 века активно развивался синтетический литературно-музыкальный жанр оперы, что возник в Европе за столетие до начала эпохи барокко.
Музыка барокко – намного более эмоционально насыщенная и экстравагантная, более вычурная и сложная для исполнения, чем музыка Ренессанса. Плохим музыкантам не место в музыке барокко, ведь они просто не сыграют ее! Нужно отлично владеть инструментами!
В барокковой музыке приветствуются все возможные способы украшения мелодии, орнамента, богатые и долгие импровизации музыкантов. Максимум красоты – это девиз барокко.
Самые знаменитые композиторы эпохи барокко – это великий скрипач Антонио Вивальди, органист и композитор духовной музыки Иоганн Себастьян Бах, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Георг Гендель.
Источник: http://retrogorod.com/article.php?id=1120
Загрузка...
