Периодизация музыкальной культуры

  • 10 октября 2018Искусство, История
  • Ключевые события европейской академической музыки: от Пифагора до Кейджа
  • Составили Федор Софронов, Борис Филановский, Юлия Богатко, Ирина Старикова

В предлагаемой вашему вниманию хроноло­гии мы учитывали только те клю­чевые моменты в истории музыки, которые оказали исключительно важное влияние не только на исторический музыкальный процесс, но и на музы­каль­ную картину сегодняшнего дня. В наибольшей степени эти моменты связаны с технологией создания музыки и в меньшей степени — с персоналиями. Поэто­му здесь, например, можно найти име­на музыкантов и ученых, ничего не говоря­щие массовому слушателю, и наоборот: не пред­ставлены многие, всем известные. Также нам пришлось обойти многие факты музыкальной истории России, Византии и Востока: восточные культуры начали ока­зывать серьезное влияние на европейскую композицию только в середине ХХ века (например, игра Мессиана с индийскими ритмами или Кейджа с китайской «Книгой пере­мен»), а рус­ская музыка вплоть до конца XIX века почти не оказывала никакого влияния на западную (которая, в свою очередь, сильно влияла на русскую). Мы не стави­ли своей задачей создать всеобъемлющую музы­кальную историю, а только хотели представить читателю картину разви­тия живого музыкального организма во всей его изменчивости и единстве.

Наша история начинается с Терпандра, поскольку в наши задачи входит опи­сание не мифологии, а техно­логии, а Терпандр был первым ее создателем. Точно так же нижний предел — это Джон Кейдж.

Его исследование музыки как объекта с опреде­ленными границами оказалось последней техно­логией, вписывающейся в традицию, пусть и в рамках авангарда. Дальше на­сту­пает ситуация постмодерна, в которой мы на­ходимся до сих пор.

Делать из нее однозначные выводы как невозможно без пространных философских экскур­сов, так и пока рано, как кажется авторам.

Самые важные, ключевые, точки истории му­зыки помечены особо, в рассказе о них есть дополнительное пояснение композитора Бориса Филановского.

— Федор Софронов

IАнтичность

Периодизация музыкальной культуры

VII век до н. э.

В Древней Греции появляется организованная мелодия

Считается, что поэт и музыкант из Спарты Терпандр первым начал распевать стихи на определенные мелодические моде­ли (попевки), то есть использовал повто­ряющиеся музыкаль­ные фразы для запоминания и деклама­ции стихов.

Ему же приписывается усовершен­ствование первого про­фес­сионального музы­кального инструмента — кифа­ры, разно­видности лиры: он добавил к четырем струнам (тетра­хорду) еще три, благодаря чему диапазон инстру­мента увели­чился почти до октавы, и поло­жил начало дальнейшему теоретиче­скому разделению этого диапазона на тоны и полутоны — простей­шие интервалы между звуками.

Периодизация музыкальной культуры

≈ 530 год до н. э.

Пифагор связывает музыку и математику

Философу и мистику Пифагору припи­сываются первые попытки объяснить музыку, в частности интервалы между звуками, с помощью математики, а также установление связи между этими интервалами и движением планет.

Пифагорейцы описали музыкальный строй с помощью ряда обыкновенных дробей и высчитали гармоничные и негар­мо­ничные интервалы. Эти интервалы строились с помощью монохорда (изо­бре­тение которого также приписывается Пифагору) — инструмента без резона­тора со струной и под­вижным зажимом.

В реальной же музыке звучали не мате­мати­чески просчитанные «натуральные» интервалы, а лишь приближенные к ним.

Благодаря пифагорейцам теория отде­ля­ется от практики до XVII–XVIII веков, когда развитие музыкального языка приведет к тому, что снова будет необходимо рас­считывать интервалы, чтобы новые инструменты (осо­бен­но клавиш­ные) не звучали фальшиво.

Периодизация музыкальной культуры

520-е — 440-е годы до н. э.

Мелодия приобретает характер

При Пиндаре, самом известном древ­не­греческом поэте, декла­ми­ро­вавшем стихи с лирой, формировались основные жанры поэзии со сложными метри­че­скими структурами. По-видимому, он создавал и систематизировал напевы, на которые распевались стихи и оды.

Напевы разделились на несколько типов. Каждому соответствовал свой стихо­твор­ный метр и свой характер: спокойный и величавый у дорийских, более легкий и живой у эолийских, смиренный и спокойный у лидийских.

Позже по типу распевов стали называться музыкальные лады (которые в свое время лягут в основу системы тональностей).

Периодизация музыкальной культуры

Начало V века до н. э.

Появление музыкальной драмы

Можно сказать, что в это время трагедия — уже высоко­развитый жанр: Еврипид, например, использовал все суще­ствовавшие на тот момент разновидности напевов (мелосов) и по-разному применял их для повышения градуса драма­тического действия.

Это и так называемые народные мелосы — дорийские, эолийские и лидийские, и более изысканные — с уменьшенными и увеличенными интерва­лами. В трагедии становится меньше хоров, больше моно­логов, появляются музыкальные антракты — интерме­дии.

К этому же времени относятся первые дошедшие до нас фрагменты трагедий Еврипида с музыкаль­ными знаками, которые в ряде случаев показывают несовпадение музы­кального и поэти­ческого метров, то есть мелодия отделяется от текста.

Периодизация музыкальной культуры

≈ 250 год до н. э.

Изобретен предок современного органа

Изобретение гидравлоса — водяного органа — приписы­вается александ­рийскому изобретателю и математику Ктесибию. Гидравлос, главный инструмент, сопровождав­ший публичные мероприятия в Риме, положил начало дальнейшему развитию многоголосных инструментов и созданию искусственных тембров.

Периодизация музыкальной культуры

≈ 389 год

Первая теоретическая работа о музыкальном ритме

Блаженный Августин  Аврелий Августин (354–430) — философ, хри­стианский богослов, святой католи­ческой, православной и лютеранской церквей. в своем трактате «De musica» впервые дает матема­ти­ческое обоснование музыкальному и поэтическому ритму и рассчитывает метрические про­порции подобно тому, как это сделал Пифагор с пропор­циями интервалов (см. здесь).

Поскольку вся система стихосложения основывалась на гре­ческом языке, с распространением латинского языка на античные размеры опираться стало сложно.

Августин предпринимает попытку анализировать ритмику как тако­вую, отдельно от размеров и строф, и приходит к выводу, что ритм кратен двум и трем. Именно из этого предположения вырастут позднейшие представления о трех­дольном и двух­дольном метре.

Теоретические основания «De musica» лягут в основу самых первых практик ритмиза­ции григорианского хорала в VII веке и системы записи нот.

IIСредневековье

Периодизация музыкальной культуры

507 год

Музыкант начинает восприниматься как мудрец

Римский чиновник и философ Боэций в своем трактате «De institutione musica» («Наставления к музыке») вводит три категории музыки: мировая (mundana), человеческая (humana) и практическая (instrumentalis) и, таким образом, разделяет в человеке музицирующем три аспекта: теорети­ческий, сочинительский и исполнительский. Боэций впервые вводит фигуру музыканта как мудреца и жреца гармонии, чем фактически задает парадигму компози­тор­ского творчества более чем на полторы тысячи лет. Боэцию также приписывают изобре­тение латинской буквенной нотации, самые ранние памят­ники которой, однако, до нас дошли только с XI века.

Периодизация музыкальной культуры

≈ 590 или 602 год

Унификация средневековых мелодий

Около трех веков папские певцы отбирали и обрабатывали огромное количество вариантов богослужебного пения, как возникших в Европе, так и пришедших из Византии, Леванта и Северной Африки.

В результате была составлена книга песнопений — антифо­нарий папы Григория I Великого. Первые варианты анти­фонария не содержали нотных знаков, а только тексты: сами напевы передавались в устной форме.

Григорианский хорал, или «ровный напев» (plain chant), на многие годы стал основным мелодическим фондом европейской музыки.

Периодизация музыкальной культуры

≈ VII век

В Византии возникает осмогласие

В Константинополе, с IV века ставшем главным центром певческой культуры Великой Церкви (Церкви до ее раскола), составлен свод церковных песнопений Восточной (право­слав­ной) церкви, аналогичный антифонарию папы Григория.

Главным его отличием от григориан­ско­го хорала был прин­цип организации песнопений (в том числе христиане использовали и античное музыкальное наследие) по восьми гласам — восьми разным ладам, по очереди использовав­шимся в годовом богослужебном цикле.

Со временем в пра­во­славных странах возникали свои системы осмогласия, отличные от византийских. Так, в России сложилась своя система — знаменный распев, который оказал огромное влияние на русскую музыку.

Это и оперное творчество Мусорг­ского, и музыка Рахманинова, построившего на зна­менном распеве одну из тем своего знаменитого Третьего фортепианного концерта (1909) и тему судьбы в Третьей симфонии.

Периодизация музыкальной культуры

727 год

В католической церкви появляется орган

Византийский император Константин Копроним прислал в подарок Пипину Короткому небольшой орган. Тот поме­стил его в домовую церковь.

Обычай использовать орган во время церковной службы прижился сначала в придворных кругах, а через некоторое время и в приход­ских храмах.

Считается, что популярности органа способствовало то, что богослужения в католической церкви велись на латинском языке, который народ не понимал. Идея воздействовать на молящихся людей инструментальной музыкой оказалась важной для развития всей европейской музыки.

В восточных церквях богослужения совершались на понят­ном народу языке, и необходимости дополнять пение инструментами не возникло.

IX век

Ноты начинают записывать знаками

В античную эпоху звуки записывались буквами, но целиком нотированных таким способом сочинений до нас дошло крайне мало. Потом этот тип нотации был забыт, преоб­ладала устная традиция. Только в самом конце первого тысячелетия появились новые системы записи музыки с помощью особых знаков — невм.

От ноты невма отли­чается тем, что это комбинированный знак, в котором содержится звук или даже часть напева. Но невма подчинена только тексту и дыханию певца — в отличие от ноты, четко обозначающей длительность в рамках метра и ритма. Невмы бывают простые (одно-, двух- и трехзвучные) и составные (или расширенные) — для их чтения требуются дополни­тель­ные знаки.

В какой-то степени невменную запись и линейную нотацию можно сравнить соответственно со слоговым и алфавитным письмом. Невменная запись распространилась практически везде, от Рима до нынешней Армении, от Константинополя до Киева и Владимира (русские «знамена» или «крюки», которыми записывается знаменный распев, — тоже невмы).

До сих пор для записи церковных песнопений в некоторых традициях (визан­тий­ской, древнерусской, болгарской) используются невмы. Это связано с тем, что невмы гораздо яснее передают дух хо­раль­ной мелодии, где священный текст — это главное, а его распев — нечто подчиненное.

Однако принципиальная привязанность невм к определенным «порциям» певческого дыхания, а не к конкретным длитель­но­стям не дает возможности записывать с их помощью многого­лос­ные сочинения, что дала изобретенная только в XI веке линейная система Гвидо. Поэтому невмы так и не вышли за пределы церковного обихода.

≈ 1026–1030 годы

У нот появляются названия и место на нотном стане

Бенедиктинский монах Гвидо д’Ареццо, руководитель монастырской певческой школы, пишет трактат «Микро­лог», в котором в том числе окончательно формулирует новый способ чтения музыкального текста: ноты распола­гаются на четырех линейках и в промежутках между ними; вводятся «ключи» для обозначения высоты (аналогичные сегодняшним скри­пич­ному, альтовому и басовому); для удобства запоминания нотам даются названия по пер­вым слогам молитвы к Иоанну Крестителю: ut, re, mi, fa, sol, la (ut впоследствии заменится на do, а si добавится к концу XVI века).

Важно!

Рождение композиции

Изобретение способа зафиксировать высоту и длительность звука — узловая точка всей европейской музыкальной истории, равная по значимости появлению алфавита. С этого момента музыкальная традиция становится все более письменной, все менее похожей на устный способ передачи традици­онных культур.

Вслед за нотацией появляется само понятие композиции, фигура компо­зитора, понятия о произведении и исполнении; текст приобретает все большее значение.

На протяжении столетий действие музы­кан­та постепенно превращается в текст композитора, и этот текст становится все подробнее, оставляя все меньше места испол­ни­тель­скому произволу и вообще устному началу.

≈ 1150–1250 годы

Зафиксированы первые имена композиторов

К этому времени относится начало парижской школы Нотр-Дам — первого цехового объединения композиторов. Собрание их произведений «Magnus liber organi»  «Великая книга органума». Органум — жанр и техника музыкальной композиции.

зафик­сировало расцвет средневековой многоголосной музыки, которая, согласно современным источникам, начала зарож­даться еще в IX–X веках (до этого все голоса хора исполняли одну и ту же партию).

Кроме того, из «Magnus liber organi» мы узнаем первые имена композиторов: Леонин, Перотин Великий и другие монахи собора Нотр-Дам.

Важно отметить, что профессиональная музыка в то время составляла незна­чи­тельную часть всего объема музыки; в гораздо большем ходу была народная и музыка трубадуров и труверов — все это вместе влияло на формирование тра­диции европейской академической музыки.

1150-е годы

Первая известная нам женщина-музыкант

Основательница и настоятельница бенедиктинского монастыря Хильдегарда Бингенская (1098–1179), впоследствии канонизированная как святая, с детства сочиняла музыку на собственные мистические стихи.

В 1150-х годах мелодии, написанные для литургических нужд ее монастыря и соседних общин, она собрала в сборник под названием «Гармо­ни­ческая симфония небесных откровений» (Symphonia armonie celestium revelationum). Их, однако, еще нельзя назвать произведениями, а саму Хильдегарду композитором — в том смысле, в котором мы относим эти слова к Леонину или Перотину.

Сохранилась также ее литургическая драма «Действо о добродетелях» («Ordo virtutum»)  Нотированная редакция датируется 1179 годом.. Это первое в истории представление в жанре моралите с оригинальной музыкой.

IIIВозрождение

≈ 1320–1325 годы

Мотет завоевывает популярность в Раннем Возрождении

Источник: https://arzamas.academy/mag/594-muztabl

Неполная, но окончательная история музыки

ХХ век — век прогресса, глобальных изменений, расцвета науки и искусств. но ещё, к сожалению, и глубочайших потрясений. Первая мировая война, бури революций, чума фашизма, кровопролитная Вторая мировая война, угроза атомного самоуничтожения и экологических бедствий.

Изменилось и ощущение человека в мире, произошла научно-техническая революция. Все эти события нашли отражение и в музыке. В XX веке появляются новые понятия, расширяются границы жанров, рождаются абсолютно новые стили.

Читайте также:  Игрушечные музыкальные инструменты

Благодаря изобретению записи, через пластинки, а затем CD-диски и MP3 музыка стала доступна всем.

Например, опера, которая долгое время считалась искусством для избранных, в начале века стала популярной среди масс.

Оперные певцы Пласидо Доминго, Мария Каллас, Фёдор Шаляпин, Лючано Паваротти, Энрико Карузо становятся настоящими звёздами.

В ХХ веке также творили великие композиторы — Штраус, Сибелиус, Малер, Дебюсси, Прокофьев, Стравинский. И это далеко не все композиторы, оставившие след в истории музыки.

В 1910‑х годах в ресторанах появились танцевальные площадки. Возникла возможность зарабатывать сочиняя и исполняя песни, которые продавались на пластинах. И самое важное — родился джаз, смесь блюза и рэгтайма.

Афроамериканцы — одни из главных героев музыки ХХ века. Благодаря талантливым представителям этого народа появилось огромное количество жанров и стилей, без которых невозможно представить современную музыку.

В конце 30‑х появились первые инструменты на «электрической» тяге — электрогитары, орган Лоуренса Хаммонда (1935 г.), сейчас неразрывно ассоциирующийся с госпел.

И появился немецкий рекордер, который колоссально упростил процесс записи, позволив затем афро­американцам основать студии звукозаписи (например, Atlantic, Chess, Specialty, Modern).

Периодизация музыкальной культуры

Рождение электрогитары дало толчок и музыке в целом. Она изменилась. Сначала неуловимо, а потом всё больше уходя в иное звучание коллектива музыкантов. Родился ритм-энд-блюз (R&B).

Главным представителем новорожденного стал Луис Джордан (Louis Jordan), который со своей маленькой группой начал экспериментировать с блюзом.

Так традиционные для довоенных времен биг-бэнды (оркестры для исполнения популярной танцевальной музыки) превратились в просто бэнды — группы из 4–5–6 исполнителей, мощности звука которых с лихвой хватало на танцевальный зал. Вот они — корни составов рок-групп!

В 50‑х родились ещё два ярких «чёрных» жанра — рок-н-ролл и соул. Нет возможности назвать точную дату возникновения рок-н-ролла, но можно назвать год — 1952, и человека, который популяризовал название новой музыки — диск-жокей Алан Фрид.

Однако он не был исполнителем, а рок-н-роллу нужна была поющая звезда, причём «белая», потому что долгое время это музыкальное направление считалось «чёрной» музыкой. «Белой» звездой «чёрной» музыки становится Билл Хейли.

Если Алан Фрид и Билл Хейли вошли в историю как основатель и отец рок-н-ролла, то настоящим королём рок-н-ролла стал Элвис Пресли.

Периодизация музыкальной культуры

Что касается соула, то родился он в голове величайшего Рэя Чарльза. Он спел знаменитую молитву «My Jesus — is All the World to Me» («Мой Иисус — это весь мир для меня»), заменив слова и положив их на ритмику ритм-энд-блюза. Получилась песня «I’ve Got a Woman» («У меня есть женщина»).

Шестидесятые — декада британских рокеров. The Rolling Stones, The Who, The Animals, and The Beatles — отцы рок-музыки, которая уже совсем не похожа на мягкий рок-н-ролл. Сейчас их музыка уже считается классической, однако в то время они были настоящими бунтарями.

В 1990 году окончательно сформировался один из самых молодых «чёрных» жанров — хип-хоп. Его истоки лежат в фанке, который является главным «прародителем» этого направления. Однако влияние на становление хип-хопа оказали и другие жанры — ритм-н-блюз, соул, джаз, рок, регги. Кроме того, наступает золотой век и всевозможных видов электронной музыки.

XXI век продолжил музыкальное сумасшествие предшественника: новые жанры рождаются практически каждую неделю. Даже точное их количество назвать невозможно, разные источники приводят цифры от 257 до 1650. И целой жизни не хватит, чтобы прослушать всё! Да это и не обязательно, главное — найти свою музыку…

Источник: https://oyla.xyz/article/nepolnaa-no-okoncatelnaa-istoria-muzyki

Периодизация истории музыки

I
период –
муз.к-ра
ДРЕВНЕГО И АНТИЧ. МИРА.
(конец
IV
тыс. до н.э. –
V
в. н.э. )

II
период – СРЕДНЕВЕКОВАЯ
МУЗЫКА. (VXIV
вв).

III
период –

МУЗЫКА ЭПОХИ
ВОЗРОЖДЕНИЯ.
(XVXVI
вв).

IV
период –
МУЗЫКА
ЭПОХИ БАРОККО.(1600-1760
гг.).

V
период
– КЛАССИЦИЗМ В
МУЗЫКЕ. (1730-1820гг.).

VI
период
– РОМАНТИЗМ В
МУЗЫКЕ.(1815-
1910гг.).

VII
период –
МУЗЫКАXX
ВЕКА.
(1901-
2000 гг.).

Лекция №2.
Первобытное
искусство.
Музыка
Древнего Египта и
Месопотамиии.

Древнееврейская музыка. Музыка Древней Индии и Китая

Первобытное
искусство

возникло около 30-го
тысячелетия до н. э., в позднем палеолите,
когда появляется человек современного
типа. Закрепляя в искусстве результаты
трудового опыта, человек углублял и
расширял свои представления о
действительности, обогащал свой духовный
мир и всё более возвышался над природой.

Возникновение
искусства

означало огромный шаг вперёд в
познавательной деятельности человека,
способствовало укреплению социальных
связей и усилению первобытной общины.

Причиной
возникновения
искусства были реальные потребности
повседневной жизни.
Так, например, искусство танца выросло
из охотничьих и военных упражнений, из
своеобразных
инсценировок, образно передававших
трудовые занятия первобытной общины,
жизнь животных.

Синкретизм
– (от греч. synkretismos – соединенное состояние
или нерасчлененность.

Синкретизм
первобытного искусства
,
характеризует нерасчлененность
деятельности и мышления человека в
первобытной культуре.

Музыкальное
действо

также было синкретичным. Оно было
нераздельно связанно с ритуальными
действиями,
рассказывающими об охоте, военных
сборах, свадьбе, поклонении предкам и
т. д.

В возникновении
песни и музыки большое значение имели
ритмы
трудовых процессов (музыкально-песенное
сопровождение помогало организации
коллективного труда).

МУЗЫКА ДРЕВНЕГО
МИРА
.
Древний мир – это эпоха, которая включает
в себя историю народов Древнего Востока
и античной Греции и Рима. Первые сведения
о древних цивилизациях относятся к
рубежу IV-III
тысячелетий до н. э.

, когда возникли
государства в Египте, и Междуречье
(Двуречье –
Западная
Азия, между реками Евфрат и Тигр) и,
несколько позднее, на территории Индии
и Китая. В II-I
тысячелетии до н. э. сложились европейские
цивилизации – Древняя Греция, а затем
Древний Рим.

С падением Рима в V в. н. э.
история Древнего мира завершилась.

Черты общности
между древними государствами:

– экономика,
основанная на рабовладении;

– политика –
подчинение
более слабых и немногочисленных народов
и создание крупного государства. (В
результате
в III-I тысячелетиях до н. э. одна за другой
образовались мощные военные державы:
Вавилон и Ассирия, государство Александра
Македонского, наконец, Римская империя.)


религиозных
представления.
Большинство
древних народов. придерживалось
политеизма
– веры
во многих богов, олицетворявших силы
природы и основные виды деятельности
человека.

Древнее
искусство

было
подчинено решению религиозных задач.
Искусство рассматривали как средство,
напоминающее о постоянном присутствии
божеств в жизни, в том числе и в повседневных
делах.

Религиозные
задачи

возлагались и на музыку.
Древний человек с особой остротой
чувствовал силу
воздействия
музыки на
самые сложные и сокровенные
стороны души
.
Не
случайно в большинстве стран музыканты
были служителями храмов (а порой и
жрецами);

умение же играть
на каком-либо инструменте считалось
высшим, божественным даром;

В
исполнении музыки огромную роль играла
импровизация
(
сочинение
находу):
способность импровизировать воспринималась
как состояние наивысшей близости
музыканта к божеству. Поэтому древние
авторы не всегда стремились записать
свои произведения, и от огромной эпохи
в три тысячелетия осталось ничтожно
малое число сочинений.

  • В древности музыка
    сложилась как профессиональное
    искусство
    :

  • возникли основные группы
    музыкальных инструментов
    :
    ударные, струнные и духовые;
  • – зародились формы
    сольного и
    хорового пения;
  • – появились первые
    представления о музыкальных жанрах
    и ладах.

Жанр – многозначное
понятие, характеризующее роды и виды
музыкального творчества (Например:
песня, марш, соната, симфония, опера и
т. д. ).

Лад
звуковысотная система соподчинения
тонов, основанная на их логической
связи.

Традиции древних
цивилизаций в различных регионах
сохранялись no-разному: если
музыка Египта, Двуречья или античности
воспринимается сейчас как далёкое
прошлое,
то для Индии и Китая древняя музыка –
часть современной музыкальной культуры.

МУЗЫКА
ДРЕВНЕГО
ЕГИПТА
.
Истоки Д. Е. м. восходят к кон. 4-го
– нач. 3-го тыс.

до н. э. Осн. источниками сведений о ней
служат памятники материальной культуры
– инструменты,
иконографические материалы (барельефы
и др. изображения), словесные тексты
гимнов и песнопений, свидетельства
древнегреческих. и римских историков
и философов.

В
Др. Египте музыка сопровождала придворные
и храмовые ритуалы, была одним из средств
развлечения
раэл. слоев населения (др.-егип. Название
музыки “хи”
означает “удовольствие”).

Музыкальные
инструменты Древнего Египта
.

Ещё в
доклассовом обществе были известны
погремушки,
в т. ч. систры, колотушки, а затем и ранние
формы аэрофонов
– свистки, флейты. В
эпоху

Раннего, Древнего и Среднего царств
(ок. 3000 – ок. 1700 до н. э.) существовали
тростниковые свирели, продольные флейты
уффата, трубы, дуговые арфы, различные
барабаны, трещотки.

  1. Ладовой
    основой

    Древне-Египетской музыки была пентатоника
    (
    пятиступенный
    звукоряд).
  2. В период
    Древнего и Среднего царств появились
    пиктография
    – рисуночная нотация

    и первые труды, раскрывающие космологию,
    теорию связи-музыки с небесными светилами.
  3. Место бытования
    музыки
    :
  • храмовая музыка, связанная прежде всего с культом богов Осириса, Исиды и Тога (считались творцами муз. искусства).
  • музицирование при дворах правителей, в богатых домах;
  • народное творчество.

Жанры
Древне-Египетской музыки – хоровые
песни и женские песни-плачи
.
Эти жанры вместе с танцами и драматическими
эпизодами входили в состав представлений,
посвященных. разл. Богам.

В 3-м
тыс. до н. э. получил распространение
новый вид нотации – хейрономия.

В эпоху
Др. царства возник социальный слой
профессиональных
(обычно придворных) музыкантов
,
среди которых славились Хемре, Хуфу-Анх
в др.

В период
Нового царства (ок. 1580 – ок. 1070 до н. э.) в
Др-Ег. муз. усилилось азиатское влияния,
особенно сирийское. Муз. инструментарий
пополнился гобоями,
угловыми арфами, лирами, лютнями, кифарами
и др.

В
греко-рим. период (332 до н. э. – 395 н. э.)
широко употреблялись авлос,
поперечная флейта, букцина, разл. лиры,
губная гармоника, барабаны, трещотки,
бубенчики

и др.

В 3 в. до
н. э. в Александрии был изобретен гидравлос
(предшественник совр. органа).

Немаловажную роль сыграл обмен
музыкантами: некоторые египтяне в
качестве учителей и придв. музыкантов,
находились в Греции и Риме, а в Египте
работали мн. греч. музыканты. В целом
Др-Ег. муз. оказала большое влияние на
муз. культуру древнего мира.

МУЗЫКА МЕСОПОТАМИИ

муз. культура древних гос-в Междуречья:
Шумера, Вавилонии и Ассирии (3-е тыс. –
1-е тыс. до и. э.). Оказала влияние на
соседние культуры Азии, Африки, Юж.
Европы.

Читайте также:  Как сочинить мелодию

Музыкальные
инструменты.
Уже
в 3-м тыс. до н. э. на территории Месопотамии
были распространены дугообразные арфы,
арфообразные лиры, лютни (древние грека
называли их пандурами), продольные
флейты, двойные гобои, рамообразные
барабаны. Музыке принадлежала значительная
роль в религ. и придв. жизни гос-в.

Музыканты
(мужчины и женщины) в социальной иерархии
стояли непосредственно
после богов и царей
.
По представлению жителей Месопотамии
муз. звук обладал чудодейственной
силой

(миф о богине Иштар, явившийся прообразом
мифа об Орфее).

Особого
расцвета достигло храмовое искусство
жрецов-музыкантов. В дворцовых церемониях
участвовали муз. ансамбли, певцы. В
Ассирии, ставшей в 1-м тыс. до н. э. крупным
культурным центром на Востоке, придв.

музыканты давали и публичные концерты
для городского населения.

Этот факт
является доказательством существования
первых ростков светской
музыки (
Музыка,
исполняемая в храмах – культовая,
а
та, чтоисполняется
за пределами храма на публичных концертах

светская).

Муз.-теоретические
представления

в культурах Месопотамии во многом
сформировалась под влиянием астрологии
(подобно китайской) – особое значение
имели цифры 5 (число известных в древности
планет, чувств человека и др.) и 7 (число
дней недели), с которыми связаны
5-ступенный ангемитонный и 7-ступенный
диатонический звукоряды М. м., 5- и 7-струн.
инструменты (арфы).

ДРЕВНЕЕВРЕЙСКАЯ
МУЗЫКА

– музыка древних евреев (израильтян,
иудеев), населявших Палестину. На процессе
формирования Д.Евр. м. сказалось
воздействие цивилизаций Ассирии,
Вавилония, Египта, Финикии.

Основным
источником сведении об особенностях муз
инструментов

являются т. н. рукописи
Мёртвого моря
.
Помимо разновидностей арфы, трубы и
барабана, использовались инструменты,
заимствованные у египтян, финикийцев
и персов.

Данные о муз. жизни
евреев содержатся в библейских текстах.

В 1-й части Торы
(иудейского святого писания) воспроизводятся
тексты песен, описываются танцы, процессии
с музыкой, парадные встречи воинов,
сопровождавшиеся хор. пением и игрой
на кимвалах, торжества освящения храма
Соломона (10 в. до н. э.), в которых участвовали
126 священнослужителей с трубами.

Жанры
др.-евр. музыки: песнопения типа хороводных
(исп. на нар. праздниках, в т. ч. по случаю
сбора урожая), обрядовые свадебные и
др. песни,
культовые
напевы – псалмы.

Д.Евр
м. в основном вокального
происхождения

как одно
– так и многооголосная.

  • Способы исполнения
    культовых напевов:

  • антифонное звучание
    чередование
    звучания двух хоров;

  • респонсорное
    звучание
    чередование
    звучания солиста и хора.
  • Позднее такой тип
    исполнения встречается в средневековой
    христианской музыке
  • Для
    записи и чтения текстов пользовались
    невменным
    письмом,
    состоявшем из чёрточек, точек, запятых
    и указывающими направление движения
    мелодии – контур, без точной высоты
    звуков.

Первоначально
была распространена пентатоника,
в дальнейшем – лады, близкие др.-греческим.

Обучение
храмовых музыкантов было возложено на
служителей низшего духовного сана
(левитов).
На применении муз. инстр. отражалась
социальная
структура общества
:
в нар. быту – преим. духовые тростниковые
иястр., для касты жрецов – трубы (рога),
храмовых музыкантов – лиры.

Д-Евр.
муз достигла расцвета в период древних
царств – Израильского (ок. 928-722 до н. э.)
и Иудейского (ок. 928-586 до н. э.)

Сложился
инструментарий, в который входили киннор
(лира), нэвэл (арфа), хацоцра (серебр.
труба), шофар (бараний рог, легендарная
“иерихонская труба”), халил (свирель)
и др. После разрушения Навуходоносором
II храма (587 до н. э.) и восстановления его
перс. царём Киром II (538 до н. э.) храмовая
музыка стала упрощаться.

МУЗЫКА
ИНДИИ

одна
из наиболее
древних и самобытных
.
Её истоки восходят к (3 тыс.
до н. э.). Важный этап развития Инд. Муз.,
связан с древнейшими лит. памятниками
священных текстов и гимнов Индии – Ведами
(Ригведа, Самаведа).

В Др- Инд муз культуре
существовали развитые жанры культовой,
народной и светской музыки. Видовое,
жанровое, ладово-ритмич. богатство инд.
фольклора обусловлено тем, что Индия –
страна полиэтническая, многоязычная,
у каждой этнической грппы- свои музыкальные
традиции.

Распространены:жанры песен:


баллады
(к-рые часто разыгрываются как нар.
представления на эпич. и историч. сюжеты)


  1. лавани, бурракатха, пандавани
    ;

  2. песенно-танц.
    формы
    гарба, суа, чакри
    ;
  3. лирич.
    песни


    бхатиали, дхола
    ;
  4. трудовые
    – шари, махитья.
  5. Музыкальные
    инструменты:
  6. ударные

    дхол (см. Дол), дамару,даф, тамматаи,гуммати,
    нагара;
  7. духовые

    комбу, сингх (разновидности рога),
    тиручиннам, карна (прямые трубы), бансури,
    мурали, алгоза (флейты), пунги, махуди,
    гхонга, иохори, нагасар, сурнай;
  8. струнно-щипковые
    – эктар, дотара, тунтуне, джантар;
  9. струнно-смычковые
    – камайча, банам, саринда.

Муз.
искусство, было распространяется при
дворах
знати
,
в традиц. Театре,
в фольклорной
среде и наряду с культово-религ.
жанрами – в храмовом искусстве.

Мелодической
основой

Др.-Инд. музыки являются рага
(санскр. «цвет, настроение») — музыкальные
лады,
используемые музыке, серия из пяти или
более нот, на которых строится мелодия..
Философско-эстетич. и теоретич.

принципы
инд. искусства, в т. ч. музыки,
получили обоснование в трактатах
“Натьяшастра” Бхараты (приблизительно
1 4 в. н. э.).
“Брихаддеши” Матанги (5-7 вв.).
“Сангитаратнакара” Шарнгадевы (13
в.), “Сварамелакаланидхи” Рамаматьи
(16 в.

) и др.

Муз.
звук

(нада)
рассматривался в виде энергии космоса,
давшей начало жизни, а ритм развития
Вселенной, как считалось, воплощался
посредством определ. сочетания муз.
звуков (система
тала
).

На основе космологии, представлений в
музыке возникают аналогии 7
осн. звуков инд.

лада с 7
планетами
Солнечной системы, а также звуковая
градация октавы на 22
интервала
менее полутона – шрути.

Каждому муз. звуку
соответствовал определённый
поэтико-цветовой символ, а лад, составленный
с учётом преобладания тех или иных тонов
и опорных ступеней (вади и самвади),
рассматривался как носитель конкретного
образно-эмоц. содержания. Исполнение
paг приурочивается к определённому
времени года (весна, лето, осень, зима)
и суток (мелодии утренние, полуденные,
вечерние).

Инд.
муз. неразрывно связана с искусством
нац. танца.

Глубоко самобытные системы мудра
(положения пальцев рук и кистей танцовщика)

и хаста
(позиции рук по

отношению
к телу танцовщика)

способны передать сложный литературный текст муз.

произв. средствами нац.
хореографии, благодаря чему любое
вокальное произв. может стать достоянием
не только слушателя, но и зрителя.

МУЗЫКА
КИТАЯ

насчитывает несколько тысячелетий
своего развития. Она испытала воздействие
муз. традиций Ср. Востока, Центр. и Юж.
Азии, Юго-Вост. Азии; впитала элементы
музыки народов, в разные историч. периоды
входивших в состав кит. гос-ва (уйгуров,
тибетцев, монголов, чжурчженей, маньчжуров
и др.), и в свою очередь оказала значит.

влияние на музыку Кореи, Японии, некоторых
народов Юго-Вост. Азии и бассейна Тихого
океана. К. м. с древности развивалась
под воздействием религиозных,
философско-идеологич. доктрин. В трактатах
Конфуция
разрабатывалась космологич.
концепция природы музыки
,
подчёркивалась её социально-политич.

роль (музыка как одно из средств управления
roc-вом, существ. фактор воспитания людей
и достижения социальной гармонии).
Согласно представлениям даосизма музыка
должна
была способствовать
проявлению психоэмоциональных
реакций

человека, слиянию его с природой.
Буддистское мировоззрение подчёркивало
мистич.

начало в музыке,
помогающее постижению сути бытия,
процессу духовного совершенствования
человека.

Понятие
ю
э

означало не только музыку, но и др. виды
искусства, а также нечто прекрасное
вообще, характеризующееся высокой
степенью организации. Многоуровневое
символич. мышление в музыке существовала
связь отд. муз. тонов, муз. инструментов,
видов и жанров музыки с элементами
мироздания, социально-политич. системами.

Так, в
системе люй-люй
звуки 12-ступенного
звукоряда связывались с периодами
суток, с положением Солнца и Луны, с
месяцами года и т. п. На её основе был
обоснован пентатонич.
звукоряд (см.

Пентатоника), ступени
которого связывались с 5 типами
интонирования в кит. яз. и отождествлялись
с 5 стихиями природы, сторонами света,
с рангами социальной иерархии и др. В
5-3 вв. до н. э. к пентатонич. звукоряду
были добавлены два дополнит.

звука и
образовалась 7-ступенная гамма.

Звучание инструментов
(особенно церемониальных оркестров)
поддерживалось в точном соответствии
с выработанной шкалой высот, нарушение
которой могло привести к проблемем
вселенского и социально-политич. масштаба.

Сформированная в
древности кит. муз. нотация (на основе
иероглифич. знаков) существует поныне
в нескольких разновидностях (люй-люй,
5- и 7-тоновая, гунчэпу и др.).

Источник: https://studfile.net/preview/7131291/page:3/

Основные этапы развития советской музыкальной культуры

  • Содержание
  • Введение……………………………………………………………………3
  • ОСНОВНЫЕ ЭТАПЫ РАЗВИТИЯ СОВЕТСКОЙ МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЫ
  • Песни первой мировой войны……………………………………………5
  • Развитие музыки в 1917-1920 гг………………………………………….7
  • Развитие музыки и песен в 1921-1932 гг………………………………25

Развитие песни в 1932—1941 гг…………………………………………35

Песни Великой отечественной 
войны…………………………………54

Песня в послевоенные годы (50-60 гг.)…………………………………75

Песни 70-90 годов………………………………………………………….89

Заключение………………………………………………………………..96

Список литературы………………………………………………………99

Введение

  Развитие русской музыки в ХХ столетии  шло  столь  быстрыми  темпами, что описать  все  направления,  течения  и  ответвления  в  одной  работе очень сложно.  Но мы попытаемся рассмотреть основные течения и жанры советской музыки, которые на протяжении целого столетия были отражением истории народа.

   В течение длительного времени музыка была наиболее общедоступным и популярным видом современного искусства. Недавно проведенные группой американских специалистов социологические исследования показали, что наибольшее физиологическое влияние на человека оказывает именно музыка.

Воздействие музыки на человека и ее социальную значимость многие осознали уже в XIX веке. Русский поэт, прозаик и музыковед В.Ф.

Одоевский, один из образованнейших людей своего времени, писал: «Музыка есть истинное выражение внутреннего чувства нашего и ближайшее к нему, нежели очертание и слово».

Русский Фауст, как называли Одоевского близкие друзья, признал музыку главенствующим жанром искусства, «выше живописи и литературы».

В том, что музыка способна влиять на человека, сегодня уже 
не сомневается никто. Известно немало попыток поставить ее на службу тем 
или иным силам. Примером тому может 
служить весьма примечательный указ гитлеровского командования во время Второй мировой войны, принятый с целью усмирения завоеванных стран и подавления национально-патриотических чувств населения этих государств.

 В нем, в том числе, говорилось: «И пусть никому не приходит в голову передавать покоренным народам по радио сведения из их прежней истории. Передавать следует музыку и только музыку».

Музыка, по замыслу немецких генералов, выступала в роли топора, подрубающего дерево национальной культуры и самосознания.

Разумеется, музыка не обыкновенная или, тем более, патриотическая, а специально подобранная захватчиками для уничтожения национального сознания покоренного народа.

В последнее время 
научные исследования современной 
российской музыки стали весьма актуальны.

Изучение музыкального искусства России, несомненно, помогает осознанию социального положения и проблем, стоящей перед ней.

Но существует и обратная связь: невозможно абсолютно точно понять современную музыку России, не принимая во внимание те или иные социальные изменения, происходящие в стране за два последних десятилетия.

Л.Н.Толстой считал музыку стенограммой состояния души, то полный обзор музыкальной культуры страны можно считать стенограммой состояния 
целого государства. Вообще, по преобладанию какого-либо музыкального жанра и 
по разнообразию музыкальных течений в определенной стране мира можно составить вполне точную картину социальной и политической жизни этого государства.

Читайте также:  Аддитивный синтезатор 3х osc

ОСНОВНЫЕ ЭТАПЫ РАЗВИТИЯ СОВЕТСКОЙ МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЫ

Песни первой мировой войны

По воспоминаниям очевидцев, кто видел хоть однажды проводы новобранцев на войну, тот никогда не забудет впечатлений от этого зрелища.

Словно рой взбудораженных пчел, гудит битком набитый народом станционный двор, слышны вопли, плач и развеселые звуки гармоники. Наконец расставанье.

Поцелуи, напутственные слова и красивая песня “Последний нынешний денечек”, не умолкающая даже вдали, переплетаясь с шумом и свистками удаляющегося поезда…

Сразу после начала боевых действий (август 1914 года) журнал “Граммофонный мир” писал: “Родина стонет от тяжестей войны, и граммофонное дело переживает мучительную агонию”.

Именно в этот трудный период отечественной истории на рынок была выброшена серия принципиально новых пластинок. Первыми оценили ситуацию владельцы компании “Экстрафон”. Именно они придумали, как можно использовать патриотические настроения в своих целях, и не ошиблись.

Вышедшие диски поражали тематической направленностью, целостностью подбора и качеством исполнения.

Компании зорко следили за всем происходящем на фронте и оперативно откликались на все события записями своих пластинок: “Подвиг Риммы Ивановой”, “Георгиевский кавалер”, “Смерть героя”, “Гусары-усачи”, “У берегов голубого Дуная” и др.

– все эти пластинки были подобны сводкам новостей с фронта, тем более что тогда не было ни радио, ни телевидения.

На патриотических дисках вышли гимны союзных государств, которые сразу же стали пользоваться таким огромным успехом, что на фабриках не успевали выполнять все заказы.

В период военных тягот наряду с 
патриотической темой граммофонные деятели не забывали и о юморе. Именно в самые тяжелые дни была записана сенсационная юмористическая пластинка “В очередь за сахаром, мукою и… любовью!”, представляющая собой замечательное попурри 32 самых любимых и популярных мелодий того времени. Разумеется, больше всего доставалось пресловутому германскому кайзеру.

Из артистов, много записывавшихся на грампластинках, в действующей 
армии постоянно выступали: тенор 
Е. Виттинг, куплетисты Ю. Убейко, С. Сокольский, певцы С. Садовников, Д. Богемский, М. Эмская и другие.

Развитие музыки в 1917-1920 гг.

«Великая Октябрьская 
социалистическая революция открыла 
новую эру в истории человечества — эру крушения капитализма и 
утверждения коммунизма.

Социализм восторжествовал в Стране Советов, одержал решающие победы в странах народной демократии, стал практическим делом сотен миллионов людей, знаменем революционного движения рабочего класса всего мира». Всемирно-исторической победой Октябрьской революции открылась новая эра и в развитии мировой культуры.

В суровых условиях первых лет революции и гражданской войны молодая Советская республика начала строительство социалистической культуры и искусства. 
Искусство—народу.

 В 1918 году Ленин в беседе 
с К. Цеткин определил задачи 
искусства в советском обществе: «Искусство принадлежит народу. Оно должно уходить своими глубочайшими корнями в самую толщу широких трудящихся масс.

Оно должно быть понятно 
этим массам и любимо ими. Оно должно объединять чувство, мысль и волю этих масс, подымать их. Оно должно пробуждать в них художников и развивать 
их».

Писатели и поэты, художники и музыканты призваны были воспитывать народ своим искусством в духе беззаветной преданности пролетарской революции и ненависти к старому миру насилия и рабства. Революция сделала все сокровища культуры и искусства достоянием трудящихся.

Широко раскрылись для народа двери дворцов, музеев, театров, концертных залов. Сюда пришли необычные зрители и слушатели: рабочие и крестьяне, красногвардейцы и матросы.

«Новый зритель оказался чрезвычайно театральным; он приходил в театр не мимоходом, а с трепетом и ожиданием чего-то важного, невиданного. Он относился к актеру с каким-то трогательным чувством».

Свое искусство несли 
народу и выдающиеся музыканты-исполнители.  
Первые декреты о музыке.

Большое значение для 
становления новой музыкальной культуры имели первые декреты Советского правительства. Так, 12 июля 1918 года за подписью В. И. Ленина был издан Декрет о национализации консерваторий.

Октябрьская революция 1917 г. выдвинула новые задачи перед 
деятелями музыкальной культуры. Двери оперных театров и концертных залов широко раскрылись перед массой новых слушателей, неискушенных в восприятии художественных ценностей прошлого. Приобщение трудящихся к основам музыкальной культуры стало одной из государственных задач.

Открывалось множество музыкальных школ, рабочих факультетов при консерваториях, разного рода кружков самодеятельности. Начали зарождаться новые формы музыкальной жизни. Музыка завершала митинги и торжественные заседания, входила как необходимый элемент в выступления агитбригад.

Концерт-митинг – одна из самых популярных форм общественной жизни того времени.

В первые годы после Октябрьской 
революции примечательным для советской 
музыки было стремление выразить в 
искусстве дух революционной 
эпохи. Интенсивно развивался жанр массовой песни, в котором работали как самодеятельные авторы («По долинам и по взгорьям», «Смело мы в бой пойдем»), так и композиторы-профессионалы («Марш Буденного» Дм. Покрасса, «Красная Армия всех сильней» С. Покрасса).

«Совет Народных Комиссаров постановляет: Петроградская и Московская консерватории переходят в ведение Народного Комиссариата по просвещению на равных со всеми высшими учебными заведениями правах с уничтожением их зависимости от Русского музыкального общества.

Все имущество и инвентарь этих консерваторий, необходимые и приспособленные для целей государственного музыкального строительства, объявляются народной государственной собственностью». В приведенном документе обращают на себя внимание слова «государственное музыкальное строительство».

Это означало, что впервые в истории развитие музыкальной культуры было признано делом общенародным и заботу о нем взяло на себя социалистическое государство. 
19 декабря 1918 года Лениным был подписан второй Декрет — о национализации всех частных музыкальных предприятий, в том числе театров и нотных издательств.

Так был положен конец материальной зависимости композиторов от частных издательских фирм.

Отношение художественной интеллигенции к революции. Под 
влиянием революционных событий 
происходил процесс идейного размежевания в среде художественной интеллигенции.

«Перед огненным лицом Октября растерялись значительные слои интеллигенции, не в силах понять, что же именно нового несет в жизнь рабочий класс, и отшатнулись от революции.

Однако все лучшее, что было в нашей интеллигенции — в литературной, в частности,— пошло с революцией».

Передовые музыкально-общественные деятели — исполнители, композиторы, связанные с демократическими традициями русской музыкальной классики, также 
стали на сторону революции; А. Глазунов, М. Ипполитов-Иванов, Р. Глиэр, С. Василенко, А. Кастальский, А. Гедике, М. Гнесин, Н. Мясковский, Б.

Асафьев, Б. Яворский и другие. Первыми директорами советских консерваторий были А. Глазунов (Петроград), М. Ипполитов-Иванов (Москва), Р. Глиэр (Киев); Народную хоровую академию возглавил А.

Кастальский, выдающийся мастер хорового искусства, вдумчивый исследователь русского народного творчества. Перед собирателями и исследователями песенного фольклора, бывшими в царской России на положении энтузиастов-одиночек, теперь открылось широкое поле деятельности. Среди них можно назвать М.

Пятницкого, А. Кастальского, А. Листопадова, Н.Леонтовича, Д. Аракишвили, У. Гаджибекова, А. Затаевича.

С увлечением отдают свои силы любимому делу музыкального просвещения 
и музыкального образования М. Ипполитов-Иванов, Р. Глиэр, Б. Асафьев, Н. Брюсова, А. Кастальский, Б. Яворский, М. Гнесин, С. Василенко, Н. Мясковский, Л. Николаев, А. Оссовский, Ф. Блуменфельд, К. Игумнов, А. Гольденвейзер, С. Фейнберг, Г. Нейгауз и другие. Следует назвать также В.

Андреева, руководителя оркестра народных инструментов. В тяжелые годы гражданской войны искусство не было забыто.

Напротив, в то неимоверно трудное время, когда враги Советской республики за рубежом злобно клеветали на большевиков как на «варваров — разрушителей культуры», в то время Коммунистическая партия и Советское правительство проявляли большую заботу о сохранении ценностей старой культуры и искусства, бережно относились к творческим работникам. Ленин о культуре и искусстве.

С первых дней установления Советской власти Ленин уделял большое внимание вопросам культуры и искусства. Он горячо интересовался всеми начинаниями в области просвещения масс и народного образования. Многие высказывания великого вождя, относящиеся к 1918—1920 годам, стали основополагающими для дальнейшего развития социалистической культуры.

В ряде своих статей и 
выступлений Ленин в те годы подверг 
острой критике вредные упрощенные взгляды и практику Пролеткульта, который отрицал великое культурное наследие и предлагал лабораторным путем создать особые, «пролетарские», культуру и искусство, не связанные преемственно с культурой и искусством прошлого.

Занятый напряженнейшей государственной и партийной работой, Ленин много занимался и вопросами культурного строительства, находил время для встреч с деятелями искусства. О такой встрече с Лениным в 1918 году рассказывает в своих воспоминаниях М. Е. Пятницкий: «…В гражданскую войну… мне пришлось быть у гения революции.

Случилось это так: в Кремле мы ставили концерт, на котором был Владимир Ильич. Вождь рабочих и крестьян заинтересовался необыкновенным искусством глухой деревни и на другой день пригласил меня к себе. Я пришел к нему в тот момент, когда ему делали перевязку. Это было во время его ранения. Вскоре меня пригласили в кабинет.

За письменным столом сидел среднего роста человек—это был Ленин…

Поздравив его с выздоровлением, я кратко рассказал ему, что много 
лет работаю среди крестьян и 
выбираю из них певцов родных песен. Хочу выявить творчество крестьян. В царское время с великими трудностями приходилось записывать на фонографе ценные крестьянские песни.

Теперь мне нужно свободно заняться собиранием песен и показанием трудящимся печальной жизни нашей старины. Ильич сказал: — В случае, если что вам нужно будет, напишите мне, я вам в этом деле помогу. …И правда, Ленин помог. Мы стали везде и всюду выступать, ездили в провинцию». Новое в музыкальной жизни.

Октябрьская революция преобразила музыкальную жизнь страны, внесла много нового в ее содержание и формы. Концерты проводились не только в привычной обстановке концертных залов, театров, но и в рабочих клубах, в воинских частях, во время митингов на вокзалах перед отправкой войск на фронт, в агитвагонах.

 
В первые годы Советской власти развернулась широкая пропаганда классического наследия и народного творчества. Центром музыкально- просветительской работы стал Музыкальный отдел Наркомпроса (МУЗО). 

Проводились тематические концерты со вступительными лекциями и пояснениями8. Музыкальное образование стало доступным народу. И немало талантов, вышедших из трудовой среды, получили свободный доступ в музыкальные школы, училища и консерватории. Начинает развиваться и музыкальная самодеятельность.

В фабричных и заводских клубах, в частях Красной Армии и Флота создаются хоровые и драматические кружки, духовые оркестры, оркестры народных инструментов. Ставятся музыкальные инсценировки на политически актуальные темы. Революция вызвала к жизни и такие новые формы, как театрализованные музыкальные представления.

На улицах и площадях Петрограда состоялись массовые празднества в ознаменование побед Советской республики и окончания гражданской войны. «Декорациями служили колонны Фондовой биржи, арка Главного штаба и т. д. В представлении „К мировой коммуне” приняли участие четыре тысячи человек, а во ,,Взятии Зимнего” — шесть тысяч.

В этих спектаклях участвовали большие оркестровые и хоровые коллективы, а в пение вовлекались все присутствующие» . Вот опубликованные в 50—60-е годы ранее неизвестные факты музыкальной жизни в первые годы после Октября. Петроград.

Источник: https://www.referat911.ru/Muzyka/osnovnye-jetapy-razvitiya-sovetskoj-muzykalnoj/180246-2287934-place1.html

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector