Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы

ПО КОМПОЗИТОРАМ | ПО ЭПОХАМ | НОВИНКИ ТОП-100 | ЗНАТОКАМ | ОПЕРА | РЕЙТИНГ Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы

Музыка Барокко появилась в конце эпохи ренессанса и предшествовала музыке эпохи классицизма. Представители — Вивальди, Бах, Гендель. Ведущее положение у жанров кантаты, оратории, оперы. Характерно противопоставление хора и солистов, голосов и инструментов, сочетание крупномасштабных форм, тяготение к синтезу искусства при одновременной тенденции к обособлению музыки от слова (возникновение инструментальных жанров).

Католическая церковь в период барокко ослабила контроль над политикой, благодаря чему именно в эпоху барокко и зародилась светская музыка. Благодаря Корелли и Вивальди, концерты перестали являться исключительно церковной музыкой. Каждый солист получил возможность при помощи концерта показать свое мастерство.

В самом начале эпохи барокко композиторы Кавальери и Монтеверди написали первые оперы.

Величайшим композитором периода барокко стал Иоганн Себастьян Бах. Он открыл в музыке безграничные возможности в плане создания произведений. Именно благодаря Баху появилась первая соната, а клавесин, предшественник фортепиано, стал основным музыкальным инструментом.

В эпоху барокко каждый музыкант был обязан придавать тому, что зафиксировано в нотах, свои собственные украшательства.

Музыкант, не включивший в свое исполнение ни одной импровизации, считался бы в те времена скучным.

Барокко. Наиболее известные произведения (50)

  • № 1: Антонио Вивальди “Времена года. Зима: I. Allegro non molto (Декабрь)” Классическая музыка Народный рейтинг: 262273 Рекламу пива снова разрешили, а значит, мы готовимся опять услышать из всех телевизоров этот шедевр Вивальди, как аккомпанемент к “восхитительному” бархатному вкусу недорогих сортов.
  • № 2: Иоганн Себастьян Бах “Токката и фуга ре минор” Классическая музыка Народный рейтинг: 256280 Передача “Человек и Закон”. Вспомнили?
  • № 3: Антонио Вивальди “Времена года. Лето: III. Presto (Летняя гроза)” Классическая музыка Народный рейтинг: 252839 Эту музыку скрипачка Ванесса Мэй использовала для своей популярной в недавнем прошлом композиции “Шторм” (Storm)
  • № 4: Иоганн Себастьян Бах “Сюита № 2 (Шутка)” Классическая музыка Народный рейтинг: 232932 Эта мелодия играет на звонке мобильного у целой кучи истинных ценителей классики. Причем половина из них затрудняется назвать композитора. А вторая половина уверены, что это Моцарт.
  • № 5: Антонио Вивальди “Времена года. Весна: I. Allegro (Пришла весна)” Классическая музыка
    • Народный рейтинг: 189324
    • Журчат ручьи Кричат грачи И тает лед и сердце тает И даже пень в апрельский день Березкой снова стать мечтает Веселый шмель гудит весеннюю тревогу Кричат задорные, веселые скворцы
    • Кричат скворцы Во все концы Весна идет, весне дорогу!
  • № 6: Иоганн Себастьян Бах “Сюита № 3 ре мажор. Ария (Air)” Классическая музыка

    Народный рейтинг: 152546

    Сюита также известна под названиями “Мелодия на струне соль” (Air on the G String) или “Воздух” (в неправильном переводе)

  • № 7: Иоганн Себастьян Бах “ХТК (том 1). Прелюдия и фуга № 1 до мажор” Классическая музыка

    Народный рейтинг: 111357

    Через полтора века после создания эта мелодия была доработана композитором Гуно (автором оперы “Фауст”). “Ремейк” быстро стал известным, и превратился в произведение “Аве Мария” Баха – Гуно.

  • № 8: Ремо Джадзотто “Адажио Альбинони” Классическая музыка

    Народный рейтинг: 106525

    «Адажио Альбинони» — одно из самых исполняемых музыкальных произведений второй половины XX века, неоднократно использовалось в кино.

  • № 9: Георг Гендель “Сарабанда” Классическая музыка

    Народный рейтинг: 103124

    Прозвучала в самых драматических эпизодах фильма Стэнли Кубрика “Барри Линдон”.

  • № 10: Иоганн Пахельбель “Канон ре мажор” Классическая музыка

    Народный рейтинг: 91593

    Канон Пахельбеля (PWC 37, T. 337, PC 358), также известный как «Канон в ре мажоре» (нем. Kanon und Gigue in D-Dur, англ. Canon and Gigue in D major for three Violins and Basso Continuo) является самым знаменитым произведением немецкого композитора.

  • № 11: Антонио Вивальди “Времена года. Весна: III. Allegro (Пасторальный танец)” Классика для знатоков

    Народный рейтинг: 89724

  • № 12: Антонио Вивальди “Времена года. Осень: I. Allegro (Танец и песня крестьянских парней)” Классика для знатоков

    Народный рейтинг: 86936

  • № 13: Антонио Вивальди “Времена года. Осень: III. Allegro (Охота)” Классика для знатоков

    Народный рейтинг: 77316

  • № 14: Антонио Вивальди “Времена года. Лето: I. Allegro non molto (Томительная жара)” Классика для знатоков

    Народный рейтинг: 76940

  • № 15: Иоганн Себастьян Бах “ХТК (том 1). Прелюдия и фуга № 2 до минор” Классика для знатоков

    Народный рейтинг: 73485

  • № 16: Антонио Вивальди “Времена года. Зима: II. Largo (Январь)” Классика для знатоков

    Народный рейтинг: 68513

  • № 17: Антонио Вивальди “Концерт для скрипки с оркестром ля минор” Классика для знатоков
    1. Народный рейтинг: 62618
    2. “Гармонические вдохновения” № 6
  • № 18: Иоганн Себастьян Бах “Сюита № 2 (Менуэт)” Классика для знатоков
    • Народный рейтинг: 60654
    • Менуэт из Сюиты № 2, частью которой является и знаменитая “шутка Баха”.
  • № 19: Георг Гендель “Пассакалия” Классика для знатоков

    Народный рейтинг: 51379

  • № 20: Антонио Вивальди “Концерт для гобоя, струнных и бассо континуо ля минор” Классика для знатоков*

    Народный рейтинг: 43775

Источник: http://classicaltest.net/ru/music/baroque

Доклад-сообщение Музыкальная культура барокко

Эпоха барокко – довольно таки значимый период в развитии европейской академической музыки. Она берет свое начало со времен эпохи Возрождения и предшествует классицизму. Музыка того времени (как, впрочем, и искусство барокко в целом) характеризуется вычурностью, динамикой, довольно таки сложными, витиеватыми формами.

Именно в данный отрезок времени родились творения Йоганна Себастьяна Баха, Антонио Вивальди и многих других известных композиторов. Изменилась также музыкальная нотация и способы игры на инструментах.

Рассматривая музыку эпохи «барокко» в целом, можно сказать, что ей присуща некая помпезность, высокопарность, а также легкий оттенок странности. Возникли  полифония и контрапункт, которые начали стремительно развиваться, появились консонансы. Стоит отметить, что в барочной музыке им уделялось особое внимание, ведь они участвовали в построении аккордов.

Была предложена и введена техника органно-клавирного искусства. В сравнении с Ренессансом, музыка барокко стала несколько более эмоциональной и живой, имела более разнообразную стилистическую окраску. Довольно большой популярностью пользовались фуги, а среди инструментов активно использовались лютни, виолы и прочие струнные.

Также писались сонаты и сюиты, а среди форм духовной музыки можно выделить мессы, мотеты, кантаты, токкаты и пр. Среди всего разнообразия жанров в эпоху барокко особо выделялась опера. Музыка была по большей части инструментальной.

Относительно хронологии, существует музыка раннего барокко, зрелого барокко и позднего.

Еще одной отличительной особенностью было то, что порой тональность у композиторов была смешанной, то есть на первый взгляд сложно было отличить мажор от минора.

Зрелое барокко, как правило, связано с фокусированием творцов на гармонии. Мало того, композиторы пытались разработать новые системы музыкального обучения. При дворе получили широкое распространение увертюры и балетная музыка.

Следует отметить, что многие тенденции данного периода оказали существенное влияние на более позднюю музыку, причем не только на эпоху классицизма, но и заложили некие основы, которые изучаются и используются и поныне. Кстати, одно время довольно популярным было «необарокко», которое, по сути,  являлось попыткой воссоздать полифонический звук того времени.

Да только время не вернуть вспять – второй подобной эпохи уже не будет. Остается лишь наслаждаться тем, что было создано столетия назад и помнить о вкладе гениев того периода в историю музыки.

Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы

  • Карл Великий
    В Средневековье своим царствованием прославился король франков, лангобардов, герцог Баварский, а так же первый император Священной Римской империи Карл Великий. Он появляется на свет в семье
  • Мышцы
    Мышцы – неотъемлемая часть человеческого организма. Без них наше существование будет представляться абсолютно невозможным. Наши мускулы отвечают, практически, за все действия опорно-двигатель
  • Красноухая черепаха
    Красноухая черепаха – маленькая пресноводная черепаха, обитающая в долине Миссисипи на юге США. Имеет длину тела 125–200 мм, но может вырасти и до 350 мм. Самки обычно крупнее самцов (самки –
  • Футбол
    На сегодняшний день футбол является одним из наиболее популярных видов спорта во всем мире. Однако, не следует считать футбол (который в Америке называют соккер) самым популярным спортом.
  • Достопримечательности Воронежа
    Воронеж – областной центр, находящийся в средней полосе Российской Федерации. Город интересен большим количеством природных памятников, объектов исторического и архитектурного наследия
  • Музеи Санкт-Петербурга
    Северная столица России является величественным и прекрасным городом, который заставляет восхищаться своими памятниками, архитектурными шедеврами и достопримечательностями.

Источник: https://doklad-i-referat.ru/soobshchenie/muzyka/muzykalnaya-kultura-barokko

Эстетика музыкального барокко

ЭСТЕТИКА МУЗЫКАЛЬНОГО
БАРОККО

В музыкальной
культуре XVII века сформировались черты
того художественного стиля, который
получил название барокко. Практика и
эстетическая теория барокко привлекает
к себе внимание современных исследователей.
В зарубежном искусствознании существует
тенденция рассматривать весь XVII век
как «эпоху барокко»

С такого рода
концепцией нельзя согласиться. Барокко,
действительно, является ведущим
направлением в искусстве этого времени,
в особенности в Италии и Испании. Но
наряду с этим в искусстве XVII века
существуют и другие художественно-стилистические
направления.

Например, во Франции и в
музыке, и в изобразительном искусстве,
и в драматургии господствующим
направлением был классицизм, создавший
свою эстетическую теорию.

Поэтому более
правильно, на наш взгляд, рассматривать
барокко как одно из стилистических
направлений в искусстве XVII века.

Несмотря на то, что
барокко дало остро себя знать в различных
видах искусства — в поэзии, музыке,
архитектуре и живописи, тем не менее
барокко не создало сколько-нибудь
крупных эстетических теорий.

Следует
отметить, в связи с этим, что барокко
было скорее художественной практикой,
чем эстетической теорией.

И тем не менее,
мы располагаем некоторыми существенными
теоретическими высказываниями,
позволяющими нам утверждать о существовании
эстетики барокко.

Для эстетики барокко
характерны повышенный интерес к
диссонансам и дисгармонии, отказ от
нормативности, формальной правильности,
пропорциональности. Такого рода идеи
мы находим в высказываниях целого ряда
крупных художников и музыкантов этой
эпохи.

Большой интерес в
этом отношении представляют некоторые
теоретические высказывания известного
итальянского поэта Джамбаттисто Марино.
Среди его небольших теоретических
рассуждений об искусстве имеется трактат
«Слово о музыке».

Это сочинение —
настоящий памфлет против эстетики
Ренессанса с ее убеждением о гармоническом
устройстве мира. Марино описывает эту
гармонию в духе пародии.

Он изображает
вселенную в виде хоровой капеллы, в
которой «извечный маэстро»— бог —
распределил все партии между существами:
ангел пел контральто, человек — тенором,
а звери — басом. Все голоса сплетались
в единой гармонии. Однако эта мировая
гармония существовала недолго.

Первым
музыкантом, который сбился с ритма, был
Люцифер, который был «пленен постоянными
диссонансами ада» и научил этим
диссонансам людей. «Из-за этой дисгармонии
вся природа повернулась вверх дном и
странным образом изменился и нарушился
порядок, который ей был дан первоначально»

Тогда разгневанный
маэстро, полный негодования, бросил
партитуру на землю. «И разве не есть наш
мир эта разбившаяся о землю партитура?»
— спрашивает Марино. Такого рода идеи
нередки в XVII
веке: за поэтической метафорой стоит
действительный кризис гуманизма с его
верой в нерушимую гармонию мира.

Читайте также:  Музыкальные программы для компьютера

Наиболее полно
эстетические принципы барокко получили
выражение в области музыкальной теории.
В нашем распоряжении имеется всего
несколько теоретических высказываний,
которые выражают характерные принципы
эстетики музыкального барокко. Одно из
них принадлежит известному итальянскому
композитору Марко Гальяно, примыкавшему
к флорентийскому кружку Барди — Кореи.

В предисловии к
одному из своих сборников мотетов
Гальяно высказал характерную для
эстетики барокко мысль. Он утверждал
правомерность «неправильных красот»,
которые, по его словам, могут возникнуть
в музыке от нарочитого несоблюдения
правил.

«Случается,— пишет Гальяно, —
что от несоблюдения правил в произведении
могут возникнуть немалые красоты. Мне
говорили, что много таких примеров
встречается в великолепных произведениях
архитектуры.

Подобное часто встречается
и в музыке, в частности, в произведениях
тех великих людей, которых мы в высшей
степени почитаем. Красоты эти неправильные,
которые можно понять только на основе
опыта».

Отстаивая красоту «неправильности»,
Гальяно выражал один из главных
эстетических принципов барокко. Вместе
с тем, он выступил против основного
положения эстетической доктрины
классицизма: подчинения искусства
строгим правилам.

Не меньший интерес
представляет защита принципов барокко
итальянским композитором Клаудио
Монтеверди, который не только доказывал
в своих теоретических выступлениях
необходимость «взволнованного» стиля
для выражения сильных страстей, но и
блестяще воплотил эти идеи в творчестве.

Как известно, Монтеверди наметил своим
творчеством путь превращения оперы в
глубоко драматическое и
психологически-выразительное искусство.
Его оперы — «Орфей», «Ариадна», «Коронация
Поппеи»— вершина итальянского оперного
искусства XVII
века.

Во многих операх Монтеверди, в
особенности в его последнем творении
«Коронация Поппеи» (1642) проявились
характерные принципы эстетики барокко:
контрасты реальности и фантастики,
возвышенного и обыденного, героики и
быта. Но.

наряду с творческим выражением
стиля барокко в своей музыке, Монтеверди
оставил целый ряд важных теоретических
замечаний, которые сохранились в его
письмах, в предисловиях к сборникам
мадригалов. Кроме того, он намеревался
написать полемический трактат «Мелодия,
или вторая музыкальная практика»,
направленный против теоретика Дж.
Артузи, который резко выступал против
новаторского искусства Монтеверди.

Источник: https://studfile.net/preview/5298423/

Музыкальное искусство эпохи Барокко. Жанры. Формы

ЖАНРЫ БАРОККО Новая мода на вычурность рождала новые формы и жанры. Передать сложный мир человеческих переживаний смогла опера, главным образом через яркие эмоциональные арии. Отцом первой оперы считают Якопо Пери (опера «Эвридика»), но именно как жанр опера оформилась в творениях Клаудио Монтеверди («Орфей»).

Среди самых громких имён оперного жанра барокко также известны: А. Скарлатти (опера «Нерон, ставший Цезарем»), Г.Ф. Телеман («Марио»), Г. Пёрселл («Дидона и Эней»), Ж.-Б.Люлли («Армида»), Г. Ф. Гендель («Юлий Цезарь»), Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа»), А. Вивальди («Фарнак»).

Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г.Ф. Генделем («Мессия»).

Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).

Еще один крупный жанр эпохи – концерт. Острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра (сольный концерт), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso)– хорошо перекликались с эстетикой барокко. Здесь правили маэстро А. Вивальди («Времена года»), И.С. Бах «Браденбургские концерты»), Г. Ф. Гендель и А.

Корелли (Concerto grosso). Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.

Один из главных контрастов музыкальной культуры барокко – это хаос и порядок как символы времени. Случайность жизни и смерти, неуправляемость рока и вместе с тем – торжество «рацио», порядок во всём. Этуантиномию ярче всего передал музыкальный жанр прелюдии (токкаты, фантазии) и фуги. И.С.

Бах создал непревзойденные шедевры в этом жанре (прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира», Токката и фуга ре-минор). Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.

с сайта нашего универа:

Вокальные жанры

Наиболее явно черты барокко проявлялись в тех жанрах, где музыка переплеталась с другими искусствами. Это были, прежде всего, опера, оратория и такие жанры духовной музыки, как пассионы и кантаты.

Музыка в сочетании со словом, а в опере – с костюмами и декорациями, то есть с элементами живописи, прикладного искусства и архитектуры, были призваны выразить сложный душевный мир человека, переживаемые им сложные и разнообразные события.

Соседство героев, богов, реального и ирреального действия, всякие волшебства были естественными для барочного вкуса, являлись высшим выражением изменчивости, динамизма, превращения, чудеса были не внешними, чисто декоративными элементами, а составляли непременную часть художественной системы.

Опера.

Наибольшую популярность оперный жанр получил в Италии. Открывается большое количество оперных театров, представлявших собой удивительное, уникальное явление.

Бесчисленные, задрапированные тяжелым бархатом ложи, огороженный барьером партер (где в то время стояли, а не сидели) собирали во время 3-х оперных сезонов чуть ли не все население города.

Ложи закупались на весь сезон патрицианскими фамилиями, в партере толпился простой люд, иногда впускаемый бесплатно – но все чувствовали себя непринужденно, в атмосфере непрерывного празднества.

В ложах находились буфеты, кушетки, ломберные столики для игры в “фараон”; каждая из них соединялась со специальными помещениями, где готовилась пища.

Публика ходила в соседние ложи как в гости; здесь завязывались знакомства, начинались любовные интриги, происходил обмен последними новостями, шла карточная игра на крупные деньги и т. п.. А на сцене развертывалось роскошное, упоительное зрелище, призванное воздействовать на ум и чувства зрителей, чаровать зрение и слух. Мужество и доблесть героев античности, сказочные приключения мифологических персонажей представали перед восхищенными слушателями во всем великолепии музыкального и декоративного оформления, достигнутого за почти столетнее существование оперного театра.

Возникнув на исходе 16 столетия во Флоренции, в кружке (“camerata”) ученых-гуманистов, поэтов и композиторов, опера вскоре становится ведущим музыкальным жанром Италии. Особенно большую роль в развитии оперы сыграл К. Монтеверди, работавший в Мантуе и Венеции.

Два его наиболее известных сценических произведения, “Орфей” и “Коронация Поппеи”, отмечены поразительным совершенством музыкальной драматургии. Еще при жизни Монтеверди в Венеции возникла новая оперная школа во главе с Ф. Кавалли и М. Чести. С открытием в 1637 г.

в Венеции первого общедоступного театра Сан-Кассиано появилась возможность попасть на оперу любому, купившему билет. Постепенно в сценическом действии возрастает значение зрелищных, внешне эффектных моментов в ущерб античным идеалам простоты и естественности, вдохновлявшим первооткрывателей оперного жанра.

Огромное развитие получает постановочная техника, позволяющая воплощать на сцене самые фантастические приключения героев – вплоть до кораблекрушений, полетов по воздуху и т. п.

Грандиозные, красочные декорации, создающие иллюзию перспективы (сцена в итальянских театрах была овальной формы), переносили зрителя в сказочные дворцы и на морские просторы, в таинственные подземелья и волшебные сады.

Источник: https://infopedia.su/4x6bc.html

Музыкальные жанры эпохи барокко

Музыкальные жанры эпохи барокко. Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах.

Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660—1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других.

Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И. С. Баха и Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo— малая музыкальная форма, характерная, преимущественно, для итальянской оперной школы. Такая ария исполнялась солистом под аккомпанемент инструментов (обычно небольшим оркестром).

Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, (фр. motet от mot — слово) — вокальное многоголосное произведение полифонического склада стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов, в том числе Иоганн Бах.

Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги. Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров.

Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем.Концерт (итал.

concerto, лат.  concertus) — музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возможность солистам выказать виртуозность исполнения.

Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями.

Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И. С. Баха, общепризнанные интеллектуальными шедеврами эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Голдберга» и «Искусство фуги».

О́пера (итал. opera «дело, труд, работа; опера», из лат. opera «труд, изделие, произведение») — жанр театральных представлений, в котором речь, соединённая с музыкой (пение и аккомпанемент), и сценическое действие имеют преобладающее значение. Крупное музыкальное произведение, в котором объединены различные виды искусства.

Орато́рия (лат. oratorium, итал. oratorio) — крупное музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра. В прошлом оратории писались только на сюжеты из Священного Писания. Отличается от оперы отсутствием сценического действия, а от кантаты — бо́льшими размерами и разветвлённостью сюжета.

Кантата (итал. Сantata, от лат. саntareпеть) — название вокального произведения. В первой половине XVII ст.

вокальное сочинение для одного голоса (мадригал) называлось кантатой в отличие от инструментального сочинения, называвшегося сонатой.

С развитием оперы в Италии развилась и форма кантаты, которая стала заключать в себе не один сольный вокальный номер, а несколько. В состав кантаты вошли: хоры, речитативы, арии, позднее дуэты с оркестровым сопровождением.

Фуга (от лат. fuga

Источник: https://videouroki.net/razrabotki/muzykal-nyie-zhanry-epokhi-barokko.html

1.5 Музыка эпохи барокко | music-history

Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина или морская раковина причудливой формы.

  Примечательно, что похожие латинские слова «Barlocco» или «Brillocco» также использовались в схожем значении — жемчужина необычной формы.

Читайте также:  Русские народные инструменты: символичность, классификация, история в именах.

И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени.

Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах.  Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти, Георга Фридриха Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И.С. Баха и Г.

Ф. Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo. Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов. Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги.

Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем.

Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры с их контрастными быстрыми и медленными частями. Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И.С.

Баха, общепризнанные интеллектуальные шедевры эпохи барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

  • В это время происходит знаменательный перелом в музыкальном мышлении — полифоническое многоголосие сменяется гомофонно-гармонической системой, что приводит к расцвету культуры импровизации. Существенно изменяется содержательно-смысловая координата музыкального творчества: сфера возвышенно бесстрастной мессы и безмятежной веселой песенной лирики обогащается скорбно-драматическими и трагическими образами. Именно в это историческое время в музыке кристаллизуются национальные школы и понятие стиля обретает смысл четко выраженных отличий итальянской, французской, немецкой, испанской традиций. Помимо формирования национальных моделей именно в эту эпоху становится реальностью композиторская индивидуальность.
  • Яркими образцами индивидуального стиля являются значительные фигуры Ж.-Б. Люлли, А. Вивальди, Г.Ф. Генделя, И.С. Баха.

Основным музыкальным инструментом барокко стал орган в духовной и камерной светской музыке. Также широкое распространение получили клавесин, щипковые и смычковые струнные (виолы, барочная гитара, барочная скрипка, виолончель, контрабас), а также деревянные духовые инструменты: различные флейты, кларнет, гобой, фагот.

В эпоху барокко функции такого распространённого щипкового струнного инструмента, как лютня, были в значительной степени низведены до аккомпанемента бассо континуо (басовый голос многоголосного музыкального сочинения с цифрами, на основе которых исполнитель строит аккомпанемент, часто импровизируя), постепенно она оказалась вытесненной в этой ипостасти клавишными инструментами.

В эпоху барокко формируются первые оркестры и появляется оркестровая музыка.

Условной точкой перехода между эпохами барокко и ренессанса можно считать создание итальянским композитором Клаудио Монтеверди (1567—1643) его речитативного стиля и последовательное развитие итальянской оперы.

Италия становится центром нового стиля. Папство, хотя и захваченное борьбой с реформацией, но тем не менее обладающее огромными денежными ресурсами, искало возможности распространения католической веры с помощью расширения культурного влияния.

Зарождение и расширение монархии в разных странах Западной Европы так же способствовало развитию искусства барокко. Пышностью, величием и сложностью архитектуры, изобразительных искусств и музыки католицизм как бы спорил с аскетичным протестантизмом.

Одно из требований, предъявляемых церковью сочинению духовной музыки, заключалось в том, чтобы тексты в произведениях с вокалом были разборчивы. Это потребовало ухода от полифонии к музыкальным приёмам, где слова выходили на передний план. Вокал стал более сложен, витиеват по сравнению с аккомпанементом. Так получила развитие гомофония.

Зрелое барокко отличается от раннего повсеместным распространением нового стиля и усилившимся разделением музыкальных форм, особенно в опере. Как и в литературе, появившаяся возможность потоковой печати музыкальных произведений привела к расширению аудитории; усилился обмен между центрами музыкальной культуры.

В теории музыки зрелого барокко определяется фокусированием композиторов на гармонии и на попытках создать стройные системы музыкального обучения. В последующие годы это привело к появлению множества теоретических трудов.

Композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653—1713) способствовал развитию жанра кончерто гроссо. Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе.

  Жанр кончерто гроссо построен на сильных контрастах; инструменты делятся на участвующие в звучании полного оркестра, и на меньшую солирующую группу.

Музыка построена на резких переходах от громко звучащих частей к тихим, быстрые пассажи противопоставлены медленным. Среди последователей Корелли был Антонио Вивальди.

В Англии зрелое барокко отмечено ярким гением Генри Пёрселла (1659—1695). Он работал в широком спектре жанров: от простых религиозных гимнов до маршевой музыки, от вокальных сочинений большого формата до постановочной музыки. Его каталог насчитывает более 800 работ. Пёрселл стал одним из первых композиторов клавишной музыки, влияние которых распространяется и на современность.

Точная грань между зрелым и поздним барокко является предметом обсуждения; она лежит где-то между 1680 и 1720. Италия становится первой страной, в которой барокко переходит из зрелого периода в поздний. Важной вехой можно считать практически абсолютное главенство тональности, как структуризирующего принципа сочинения музыки.

   Полифония ренессанса дала базис для изучения контрапункта. В музыке появляется два сочинительских стиля — гомофонный и полифонический, с приёмами имитации и контрапунктом.

Формы, открытые предыдущим периодом, достигли зрелости и большой вариативности: концерт, сюита, соната, кончерто гроссо, оратория, опера и балет уже не имели резко выраженных национальных особенностей. Повсеместно устоялись общепринятые схемы произведений: повторяющаяся двухчастная форма, простая трёхчастная форма и рондо.

Основные представители: Антонио Вивальди (1678 — 1741), Доменико Скарлатти (1685 — 1757), Георг Фридрих Гендель (1785 — 1759), Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750) Георг Филипп Телеман (1681 — 1767), Жан Филипп Рамо (1683 — 1764), Жоссе Бутми (1697 — 1779).

Как исторический и художественный стиль барокко охватывает около двух столетий. Оптимистический гуманизм эпохи Возрождения сменился трагическим мироощущением.

  • «Жизнь есть сон» — эти слова стали девизом эпохи. Эстетика барокко требовала:
  •                             – трагических развязок сюжета;
  •                             – прославления героического;
  •                             – глубокого анализа душевных состояний;
  •                             – причудливой смены образов;
  •                             – пышности и декоративности изложения.

Источник: https://mgpu-aeg.wixsite.com/music-history/muzyka-epohi-barokko

Музыка эпохи барокко

Барокко — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в эпоху Позднего Возрождения, в конце XVI — начале XVII веков в Риме, а затем распространился по многим странам Западной Европы.

Барокко, как стиль в музыке и его отличительные черты

Для музыкантов этот период особенно выделяется в связи с тем фактом, что влияние и контроль церкви над Европой значительно ослабли и это позволило композиторам создавать нерелигиозную музыку.

Считалось, что музыка является мощным средством коммуникации и может вызвать у слушателей сильные эмоции.

С этой потенциальной силой в руках композиторы начали увеличивать сложность музыкального исполнения, вводя такие элементы, как кантата, концерт, соната, оратория и опера.

В течение этого периода композиторы использовали сложные музыкальные “орнаменты”, вносили изменения в нотную запись и разрабатывали новые инструментальные приемы игры.

Большинство музыки в стиле барокко предназначалось для церквей и домов богатых покровителей, но тем не менее, в течение периода барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно для оперы, и к концу периода барокко средний класс стал активным участником музыкального мира.

В наше время музыка барокко составляет основную часть классики. Именно она является неизменной программой каждого ученика музыкальных школ, колледжей и училищ. Самыми знаменитыми композиторами эпохи барокко являются:

  • Иоганн Себастьян Бах
  • Антонио Вивальди
  • Джордж Фридрих Гендель
  • Алессандро Скарлатти
  • Доменико Скарлатти

Каковы характеристики музыки в стиле барокко?

Интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил множество новых звуковых идеалов в период барокко.

Контраст как драматический элемент

Контраст является важным компонентом в драматической композиции в стиле барокко. Различия между громким и мягким, сольным и ансамблевым (как в концерте), различными инструментами и тембрами – все это играет важную роль в композициях барокко.

Монодия

В предыдущих музыкальных эпохах музыкальное произведение состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным сопровождением.

Только в эпоху барокко понятия «мелодия» и «гармония» действительно стали четко сформулированы.

Композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, которая доминировала в XV и XVI веках, и более на одном голосе с упрощенным аккомпанементом или монодией.

  • Basso continuo
  • Наряду с акцентом на одну мелодию и басовую линию пришла практика бассо континуо, метода музыкальной нотации, при котором мелодия и басовая линия записаны, а гармонический наполнитель указан в виде сокращения.
  • Инструменты

Хотя большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко нам хорошо знакомы, все же есть несколько выдающихся инструментов, которые более не представленных в современных ансамблях: клавесин (основной клавишный инструмент, лютня и виола.

Изменения в инструментах, все еще популярных сегодня, также дали ансамблю барокко другой звук.

Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны кишки, а не металлические, которыми они сегодня нанизаны,и это придавало им более мягкий и сладкий тон.

Источник: https://ludirosta.ru/post/muzyka-epokhi-barokko_1880

Музыкальная культура барокко

                                                   Музыкальная культура барокко

Мир музыкальной культуры XVII—XVIII вв. чрезвычайно сложен и разнообразен. Его невозможно свести к какому-то од­ному стилю или нескольким лаконичным определениям и фор­мулировкам. Вот почему, рассказывая о музыке барокко, мы лишь наметим общую картину её развития.

Музыкальная культура барокко существенно отличалась от музыки Возрождения. В ней царило ощущение неизбежности перемен и дух новаторства. Один из меломанов начала XVII в. с возмущением писал:

«Музыкантам хочется изобретать нечто новое. И вот новое искусство докатилось до безудержной распущенности. От­клонившись от путей, намеченных нашими отцами, моло­дые композиторы создают искажённые произведения, в ко­торых нет никаких достоинств, кроме новизны…»

Действительно, музыка, как ни одно другое искусство, ощу­тила на себе напряжённый, тревожный и неустойчивый дух своего времени.

На смену плавной гармонии, уравновешенности и оптимизму Возрождения пришли трагическое мироощуще­ние, пристальное внимание композиторов к чувствам и эмоциям человека. Для выражения подобных чувств музыке были необ­ходимы новые специфические средства и формы.

И они были блестяще найдены. На смену хоровой полифонии Возрождения приходит мелодичное одноголосие, способное передать малей­шие волнения человеческой души.

Музыка барокко носит преимущественно светский характер, в ней в большей степени проявляются демократические тенден­ции эпохи; всевозможные украшения (мелизмы) делают её наибо­лее яркой и декоративной, что соответствует барочной эстетике.

Читайте также:  История россии в казачьих песнях

Неустойчивые диссонирующие созвучия, неожиданные перехо­ды, контрасты и противопоставления, мелодии, томительно длящиеся во времени, быстрые, технически трудные, виртуоз­ные пассажи в пении, одновременное звучание множества инстру­ментов, использование танцевальных ритмов — всё это определя­ло суть барочной музыки.

Новый музыкальный стиль проникает и в церковную музы­ку (в органные мессы Фрескобальди, Баха, оратории Генделя). Но ярче всего он проявился в опере, ведущем жанре музыки ба­рокко.

                                     «Взволнованный стиль» барокко в итальянской опере

Опера явилась одним из главных достижений музыкального искусства барокко. Будучи новым синтетическим жанром, она была призвана воплотить идеалы «нового стиля». Появление этого жанра было тщательно подготовлено в художественной ат­мосфере Возрождения. (На страницах учебника для 10 класса мы рассказывали о знаменитой Флорентийской камерате и о рож­дении оперы.)

В XVII в. оперное искусство быстро развивается и достигает расцвета в крупнейших городах Италии.

Там возникают своеоб­разные оперные школы, лучшие черты которых успешно соеди­нил в своём творчестве Клаудио Монтеверди (1567—1643) — первый оперный композитор барокко и блестящий реформатор этого жанра (к сожалению, из оперного наследия композито­ра до нас дошло очень немногое).

Он успешно продолжил дело, начатое участниками Флорентийской камераты, но в собст­венном творчестве пошёл гораздо дальше своих предшественни­ков. Монтеверди углубил содержательный смысл оперы, рас­ширил выразительные средства и формы вокальных и оркест­ровых партий, ввёл в неё увертюру и дуэт.

Но главным его новшеством стал созданный им «взволнованный стиль» (соncitatо), передающий драматизм и напряжённость действия, глу­бину страстных человеческих чувств и переживаний. В отли­чие от предшественников, он развил драматическую сущность нового жанра, создал мелодию, сочетающую в себе речевые интонации, декламацию и вокал. Он обогатил оперу полифо­нической традицией, а средствами музыки показал многообра­зие и противоречивость человеческих характеров.

Композитор считал, что музыка долж­на не столько развлекать слушателя, сколько передавать богатство внутренне­го мира человека, заставлять его думать, переживать, искать ответы на сложные жизненные вопросы. Подвижная, измен­чивая мелодия его опер могла растрогать и взволновать до глубины души, поверг­нуть в смятение, заставить ужаснуться или вызвать восторг.

Сюжеты его опер включали интриги, заговоры, измены, покушения; непремен­ным условием, передающим напряжён­ность развития действия, была смерть героев.

Он создал новый тип арии — «жалобную песнь», прекрасным приме­ром которой является «Плач Ариадны» из оперы «Ариадна». Важнейшим за­воеванием композитора стала детальная разработка оркестровки, введение новых технических приёмов для большей выразительности.

Монтеверди использовал ан­самбль инструментов. Если в первой опере «Эвридике» их было всего семь, то в последней — 70!

Лучшие оперы Монтеверди — «Орфей» (1607), «Коронация Поппеи» (1642), созданные на мифологические и исторические темы, — отличаются богатством и занимательностью сюжета.

В судьбах героев происходят неожиданные события и перемены, а потому музыка изобилует контрастными, резкими перехо­дами, полными суровой драматической силы и нежного лириз­ма. Звучание разнообразных музыкальных инструментов жи­вописно оттеняет психологическое состояние каждого из дейст­вующих лиц, выявляет их моральные качества.

Оркестровая музыка не только сопровождает певческий голос, гибко следуя за поэтическим словом, она сама становится полноправным уча­стником событий.

В 1637 г. в Венеции по инициативе Монтеверди был открыт первый в мире публичный оперный театр, через несколько лет подобные театры от­крываются в Лондоне, Гамбурге, Париже, Праге и Вене.

Оперное искусство повсеместно завоёвы­вает сердца слушателей. Творчество К. Монтевер­ди оказало огромное влияние на оперные произве­дения Дж. Фрескобальди (1583—1643), А. Скар­латти (1660—1725) и Дж. Б.

Перголези (1710— 1736).

Характерные черты «взволнованного стиля» К.

Монтеверди нашли отражение в творчестве и исполнительской манере выдающихся мастеров барочного концерта, и прежде всего Антонио Вивальди (1678— 1741) — автора 465 (!) концертов и 40 опер, блестящего скрипача-виртуоза, поражавшего публику полной неожиданностей и контрастов манерой исполнения. В основе созданного им боль­шого концерта (соnсегtо grosso)  лежало противопоставление од­ного или группы солирующих музыкальных инструментов все­му оркестру.

В историю музыкальной культуры А. Вивальди вошёл и как выдающийся композитор программной музыки, воссоздающей реальные звуковые картины из жизни природы. В своём наи­более известном сочинении «Времена года» (1725) он сумел мастерски передать весеннее радостное обновление природы и жаркий летний зной, её пышное осеннее увядание и зимнюю стужу.

                                         Расцвет свободной полифонии в творчестве Баха 

Творчество Иоганна Себастьяна Баха (1685—1750) яви­лось завершающим этапом музыкальной культуры барокко.

В его произведениях удивительным образом сочетались все лучшие достижения предшествующих эпох: искусство поли­фонии немецких органистов, гомофонный стиль итальянской оперы и французской танцевальной музыки.

Он унаследовал традиции инструментальной му­зыки сопсегЬо §то83о и народно-песенного творче­ства.

Известный русский композитор и музыкаль­ный критик А. Н. Серов писал:

«Если в области музыки есть что-либо, к чему надобно подходить… с любовью в сердце, со страхом и верою, так это именно — творения великого Баха».

Трагическая история Германии (Крестьян­ская и Тридцати летняя войны, Вестфальский мир, окончательно закрепивший раздроблен­ность страны) дала Баху возможность почувство­вать глубокие противоречия своего времени.

Поразительно разнообразно творческое насле­дие Баха, работавшего почти во всех музыкаль­ ных жанрах! В историю мировой музыкальной культуры он во­шёл как непревзойдённый мастер духовной органной музыки.

Глубина философских обобщений, отражение сложного и проти­воречивого земного бытия и божественного мира совершенной гармонии отличают его органные мессы, хоралы, оратории, кан­таты и пассионы («страсти»).

Ещё в XVII в. возникла традиция вокально-хорового испол­нения «страстей» — драматизированных торжественных по­вествований о страданиях и мученической смерти Иисуса Хрис­та.

Одним из величайших творений Баха стали «Страсти по Матфею» (1729) — грандиозное произведение из 78 номеров, исполнявшееся в течение четырёх часов. По замыслу автора, в нём участвовали два четырёхголосных хора с солистами и оркестр из 34 музыкантов.

Нелегко было организовать испол­нение этого монументального произведения при жизни компо­зитора.

Музыка «Страстей…» вызывала самые различные эмоции у слушателей: от строгой, возвышенной скорби до искреннего переживания, раздумья и просветлённого торжества жизни. Сдержанная, скорбная мелодия голоса сопровождалась рыда­ниями скрипки, а партии хоров передавали крики разъярённой толпы, требующей казни Христа.

Строгим ревнителям церкви музыка не понравилась, она пока­залась им слишком оперной и далёкой от религиозной догматики. Лишь в 1829 г., спустя сто лет после её создания, двадцатилетний немецкий композитор Ф. Мендельсон (1809—1847) осуществит её исполнение в Лейпциге.

«Переполненный зал казался храмом, среди присутствую­щих царило торжественное благоговение; только изредка раздавались непроизвольные изъявления глубоко взволно­ванного чувства» (из воспоминаний Ф. Мендельсона).

Одним из величественных творений Баха стала Высокая мес­са (Месса си минор) (1747—1749), созданная в стиле барокко.

Удивительно тонкая и красивая музыка, вклю­чающая арии, вокальные ансамбли и хоры, пере­давала широкий эмоциональный диапазон: от ликования и про­светлённого чувства радости до жалости, скорби и сострадания. Короткие фразы латинских молитв служили лишь поводом для выражения мыслей о противопоставлении жизни и смерти, о торжестве нравственного величия Человека.

Сложность структуры и большой объём не позволяли испол­нить её в церкви во время праздничного дневного богослужения (при жизни Баха она не была исполнена ни разу). Месса состо­яла из 5 крупных частей, включавших 24 номера (15 хоров, 6 арий и 3 дуэта). Между тем грандиозное произведение поража­ло своей цельностью и чёткой продуманностью.

Барочный характер музыки нашёл воплощение в полифони­ческом искусстве Баха, вершиной которого являлись фуги (лат. fuga — бег) — многоголосные произведения, в основе которых лежит одна музыкальная тема, звучащая последовательно в раз­ных голосах.

Происхождение этого слова не случайно: звучащие голоса действительно как будто «догоняют» друг друга и прихо­дят к согласию лишь в конце.

Обойдя все голоса, мелодия начи­нает дробиться на мелкие части, её звучание становится более напряжённым, неустойчивым.

Хорошо известна и оркестровая музыка Баха. Каждый из шести Бранденбургских концертов (1711 —1720), созданных в жанре соnсегtо grosso, имеет свой неповторимый тембровый об­лик.

Клавирные и скрипичные концерты, в которых Бах про­должил традиции А. Вивальди, — это то главное, что создано им в этой области.

В клавирной музыке (klаviег — немецкое назва­ние клавесина, струнного клавишного инструмента) он прокла­дывал новые пути, намечая основные направления в развитии фортепианной музыки.

Сборник фуг и прелюдий «Хо­рошо темперированный клавир» (1722, 1744) — непревзойдённый образец полифонической клавир­ной музыки, учебник и настольная книга для исполнителей многих поколений. Бетховен называл его своей «музыкальной Библией», для Шумана она была «лучшей грамма­тикой».

Среди 48 фуг нет и двух похожих, каждую отличает по­разительное многообразие мелодий и настроений. Связанные между собой, они являются вполне са­мостоятельными произведениями. Бах любил импровизировать за клавесином на темы популярных песен, сочиняя изящные и легкие сюиты, состоящие из немецких (аллеманда), французских (куранта), испанских (сарабанда) и английских (жига) танцев.

Француз­ские и Английские сюиты стали подлинным украшением кон­цертных программ.

Не менее популярной была светская вокально-инструмен­тальная музыка Баха. Около 30 кантат (вокально-инстру­ментальных произведений для солистов хора и оркестра) при­надлежит великому композитору. Каждая из них проникнута весёлыми и жизнерадостными интонациями, во всех чувствуют­ся остроумие и тонкий юмор автора.

В «Крестьянской кантате» (1742) звучат народно-песенные мелодии, передающие стихию народной жизни. Она представляет собой живые зарисовки крестьянского праздника, любовного свидания на лоне природы. «Кофейная кантата» (1732) — это остроумная жанровая сценка, в которой ворчливый отец запрещает дочери пить кофе — мод­ный в то время напиток.

Но изобретательная и находчивая дочь ловко обходит все его запреты.

За свою жизнь Бах создал множество музыкальных шедев­ров. Известно, что в конце жизни великий немецкий компози­тор потерял зрение. Последние сочинения он диктовал своим ученикам…

                                                                         Русская музыка барокко

Музыкальная культура русского барокко успешно развива­лась в течение ста лет, с середины XVII до середины XVIII в. На русскую барочную музыку оказали влияние западноевропей­ские музыкальные традиции, пришедшие к нам через Польшу и Украину. При этом русская музыка барокко сохранила харак­терные черты древнерусского знаменно­го распева, его сурово-сдержанный, ве­личавый стиль.

В основу русской барочной музыки легло торжественное партесное (лат. partes — голоса, т. е. многоголосное) пение, получившее наиболее яркое воплощение в так называемых партес­ных концертах XVII — начала XVIII в. Николай Павлович Дилецкий, глав­ный теоретик партесного стиля пения, автор «Мусикийской грамматики»

Источник: http://sghistoryspb.ucoz.com/load/iskusstvo_ii_chast/muzykalnaja_kultura_barokko/3-1-0-123

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector