Известные хоры из опер верди

Подробности Категория: Европейская классическая музыка XIX века Опубликовано 13.01.2019 18:20 Просмотров: 574

Известные хоры из опер Верди

Автор 26 опер, Джузеппе Верди достиг кульминации в развитии мирового оперного искусства XIX века.

Для своих опер он выбирал сюжеты, раскрывающие человеческие страсти, силу чувств и характеров, поэтому ему были близки произведения Гюго, Шекспира, Шиллера. Оперы по произведениям этих авторов принесли Верди широкую известность за пределами Италии. Лучшими его операми были «Бал-маскарад», «Риголетто», «Трубадур», «Травиата», но вершиной творчества стали «Аида», «Отелло», «Фальстаф».

Известные хоры из опер Верди

Джованни Болдини. Портрет Д. Верди (1886)Важную роль в операх Верди играли народные сцены, поэтому наряду с ариями большое значение имеют хоры.

Мелодии его опер были близки к народной песне, а сюжеты – просты и понятны, как и музыка.

Эти черты опер Верди обогатили итальянскую оперу и сделали его произведения популярными во всём музыкальном мире. Но путь Верди к вершинам искусства не был простым. 

Ранние годы

Джузеппе Верди родился в 1813 г. в простой семье трактирщика и пряхи. Его родиной официально считается Франция, т.к. итальянская деревня Ле Ронколе (герцогство Парма) в тот момент была частью Французской империи.

В детстве Джузеппе пел в деревенской церкви, где его научили также игре на органе. Родители заметили одарённость сына и подарили ему спинет – небольшой домашний клавишный струнный музыкальный инструмент (разновидность клавесина).

На талантливого мальчика обратил внимание Антонио Барецци – богатый торговец и любитель музыки из соседнего города Буссето. Он посоветовал мальчику учиться.

Так 10-летний Джузеппе начал изучать композицию и другие музыкальные дисциплины, а также повышать своё общее образование: именно тогда он полюбил классику мировой литературы: Шекспира, Данте, Гёте, Шиллера. По воскресным дням он приезжал в Ле Ронколе и играл на органе во время мессы.

Трудный путь к успеху

В возрасте 18 лет Верди попытался поступить в Миланскую консерваторию, но его не приняли по причине того, что его игра на рояле не была достаточно виртуозной, а возраст превосходил тот, при котором принимали в это учебное заведение, которое, кстати, сейчас носит его имя.Но неудача не сломила и не остановила влюблённого в музыку юношу.

В Буссето Верди поступил на службу в контору купца Антонио Барецци, который был большим любителем музыки. Он стал ближайшим другом Верди, сыграл большую роль в формировании его взглядов. На дочери Барецци – Маргарите – Верди впоследствии женился (в 1836 г.), но сначала стал её учителем музыки. У них родилось двое детей, но они умерли в младенчестве.

Он стал брать уроки композиции у помощника дирижера театра «Ла Скала» и уже через 2 года в этом театре успешно выступил с первой своей оперой «Оберто». Ему тут же заказывают комическую оперу «Король на час». Но 1840 г. оказывается для Верди трагическим: он потерял детей, а затем в 1840 г. и любимую жену. Естественно поэтому, что комическая опера не могла быть удачной. Спектакль освистали.

Все эти потери и неудачи сломили молодого композитора, и он решил больше не заниматься творчеством.

Но жизнь продолжалась, и вскоре его заинтересовал патриотический сюжет о борьбе за освобождение Италии – так возник замысел оперы «Набукко». Эта опера открыла новую эпоху в развитии итальянского оперного искусства. Она с большим успехом была поставлена в Ла Скала 9 марта 1842 г.

и утвердила репутацию Верди как оперного композитора. За один последующий год опера ставилась в Европе 65 раз и с тех пор занимает прочное место в репертуаре ведущих оперных театров мира. За «Набукко» последовали сразу несколько опер: «Ломбардцы в крестовом походе», «Эрнани» и др.

Расцвет творчества

Известные хоры из опер Верди

Опера Д. Верди «Риголетто»В 50-х годах Верди создал оперы, принесшие ему славу: «Риголетто», «Травиата», «Трубадур», в которых характеры были обрисованы глубоко и правдиво. Герои этих опер – простые люди, отверженные, испытавшие на себе всю тяжесть общественной и социальной несправедливости.

Опера «Риголетто» создана в 1851 г. по мотивам пьесы Виктора Гюго «Король забавляется» (1832). Главную роль Верди отводит уродливому шуту. Но жалкий шут показан нежно любящим отцом, глубоко страдающим от горя и унижений человеком.

Музыка оперы «Риголетто» богата интонациями, глубоко драматична. Каждое действующее лицо наделено своей музыкальной характеристикой. Опера очень мелодична, с простыми, запоминающимися ариями.

Мелодии из оперы быстро стали популярными и распевались по всей Италии, а позднее – и по всей Европе.

Известные хоры из опер Верди

Опера Д. Верди «Травита»Опера «Травиа́та» (итал. La traviata – «падшая», «заблудшая») создана на либретто Франческо Мария Пьяве по мотивам романа Александра Дюма-сына «Дама с камелиями» (1848).

Премьера оперы состоялась 6 марта 1853 г. в оперном театре Венеции. Первоначально она не имела успеха, но позже была переработана автором и стала одной из популярнейших опер.

Главная героиня оперы – куртизанка, умирающая от туберкулёза.

Оперы Верди стали идти на всех крупнейших сценах Европы. Он пишет оперы для крупнейших театров Европы: для Петербурга – «Силу судьбы» (1862), для Парижа – «Сицилийскую вечерню» (1855) и «Дон Карлоса» (1867), для Неаполя – «Бал-маскарад» (1859).

Вершина творчества

Опера «Аида» (1871) была заказана Верди по случаю открытия Суэцкого канала. В основу ее положен сюжет из времен Древнего Египта. Как и в большинстве опер Верди, здесь показана борьба за свободу и счастье против жестокости и угнетения. Либретто на итальянском языке написал Антонио Гисланцони.

Известные хоры из опер Верди

Опера Д. Верди «Аида»Время действия: эпоха правления фараонов, место действия: Мемфис и Фивы.Премьера оперы состоялась в Каире 24 декабря 1871 г. Это представление стало огромным международным триумфом. На премьеру собралось высшее общество всего света (не было только Джузеппе Верди).

Но он присутствовал через 46 дней на столь же успешной итальянской премьере в Милане. И с тех пор «Аида» является любимейшим оперным спектаклем и входит в репертуар практически каждой оперной труппы во всем мире.

Декоративная пышность, развернутые массовые сцены сближают «Аиду» со стилем парижской «большой оперы», но отличаются от неё искренностью чувств, психологизмом, чистотой мелодий. Композитор мастерски вводит в музыку оперы восточный колорит. Опера принесла автору триумфальный успех.В 1874 г.

Верди написал «Реквием» на смерть борца за свободу Италии писателя Мандзони. «Реквием» – одно из самых замечательных произведений Верди, отличающееся красотой мелодий и образностью.

В возрасте 74 лет Верди создает шедевр реалистического оперного искусства – оперу «Отелло» (1887). Музыка оперы соответствует шекспировскому гению.

Известные хоры из опер Верди

Опера Д. Верди «Отелло»В создании либретто «Отелло» шекспировский сюжет подвергся существенным изменениям. Композитор сконцентрировал действие вокруг основного конфликта: столкновения Отелло и Яго, придав ему общечеловеческое звучание, освободив интригу от мелких бытовых подробностей.Премьера оперы состоялась 5 февраля 1887 г. в Милане.

Это был настоящий триумф итальянского национального искусства. Опера была признана во всем мире лучшим, наиболее совершенным творением Верди.Опера «Отелло» поражает правдивостью и глубиной воплощения человеческих характеров.

Особенно впечатляет музыкальный портрет Отелло – героя и воина, страстного любящего супруга, человека доверчивого и одновременно неукротимого в своей ярости. Прекрасны и точны образы кроткой и чистой Дездемоны, а также коварного Яго, попирающего все нравственные законы.

Важную роль в опере играет оркестр, передающий эмоциональную атмосферу событий, богатство психологических оттенков.Через несколько лет, в 1893 г., Верди создаёт свою последнюю, 26-ю оперу – «Фальстаф» по мотивам «Виндзорских проказниц» Шекспира. Композитору уже 80 лет, но он создаёт произведение, полное непосредственности, юношеской свежести, юмора.

Музыкальная характеристика действующих лиц дана им с необычайной для комической оперы глубиной. Либреттист Верди (Арриго Бойто) изъял некоторые несущественные детали из пьесы Шекспира, добавил кое-что из других, лучших шекспировских пьес и представил своему другу Верди либретто, полное искрящегося веселья. А тот написал блещущую юмором партитуру.

Особенно впечатляет многогранный музыкальный портрет старого донжуана Фальстафа. В его музыкальной характеристике композитор использовал приемы и средства, отточенные в многолетней практике работы над оперным жанром. «Фальстаф» Верди написан в традициях итальянской оперы-буффа с ее динамикой, непрерывным нагнетанием комедийной интриги.

Д. Верди умер в январе 1901 г. от последствий инсульта.

Оперы Верди отличаются особой мелодичностью, помогающей выразить характеры героев, и драматизмом действия. Конечно, в творчестве любого художника есть и более слабые вещи, и более сильные, ведь становление мастерства – это путь, а в пути возможны и ошибки, просчёты.

В зрелый период своего творчества он тщательно подбирал либретто для своих опер, добивался устранения из сюжета ненужных деталей и лишних героев, оставляя лишь важные  для замысла персонажи.Проходят годы, создаются новые оперы, но они не отдаляют от нас творчество Джузеппе Верди.

Его оперы по-прежнему радуют нас своей оригинальностью, мелодичностью, динамическим сюжетом и уважением чувств простых людей. Его творчество называют одной из вершин оперного искусства всех времён и народов.

Известные хоры из опер Верди

А. Уго. Бюст Д. Верди в Палермо

Источник: http://ency.info/mirovaya-khudozhestvennaya-kultura/muzyka/evropejskaya-klassicheskaya-muzyka-xix-veka/910-korol-opery-dzhuzeppe-verdi

Верди, музыка и патриотизм

Елена Яхонтова / Блог

Хор «Va pensiero» Джузеппе Верди, как известно, неофициальный, второй гимн Италии. Этот хор из оперы «Набукко» знают во всем мире, но меня глубоко волнует не только великолепная музыка, но и сама история создания и этого хора, и оперы Верди.

Это был страшный, можно сказать трагический период в жизни маэстро, сам композитор тот 1840 год назвал «проклятым».

Его малолетние дети, любимая жена умирают в течение двух месяцев, а он, связанный контрактом вынужден в великом горе отца и мужа работать над комической оперой! Когда опера все же была закончена, бескомпромиссная итальянская публика ее освистала — провал был полный. После этого Верди решил больше не писать музыку.

Известные хоры из опер Верди

Однажды к маэстро пришел либреттист Темистокле Солера, со своим новым либретто. Он давно уговаривал Верди написать музыку к новой опере, но Верди был непреклонен. Его душа, словно угасла, вместе с потерей любимой семьи и он не мог даже прикоснуться к клавишам инструмента.

Уходя, Солера, оставил на крышке рояле текст 136 псалма из Псалтыри. В опере этот текст звучит в новой интерпретации — самого либреттиста, но Солера оставил не только либретто, но и текст псалма. Оставшись наедине со своими тяжелыми мыслями, Верди взял текст, прочитал известный псалом.

И тут случилось чудо — его душа вдруг воспряла, словно получив благословение из другого мира. Он подошел к роялю и вдохновенно, почти мгновенно написал музыку.

На следующий день он не только вручил Солера уже готовый «Хор рабов», но и дал согласие на написание новой оперы «Набукко», которая впоследствии прошла с великим успехом и стала началом истинного рождения великого оперного композитора.

Известные хоры из опер Верди

Хор рабов — это хор еврейских изгнанников, которые плачут в вавилонском плену о навсегда потерянной и прекрасной Родине. В то время Италия страдала под «австрийским сапогом», мечтая о свободе.

Цензура усмотрела в тексте Солера «опасный призыв» к объединению итальянцев и потребовала заменить часть текста. Но публика знала о запрете, как уже знала и истинные, зачеркнутые слова.

Когда начался «Хор рабов», весь зрительный зал встал и единым гласом запел, так как это умеют итальянцы, именно тот текст, который был в первоначальном варианте.

Известные хоры из опер Верди

Этот хор звучал при открытии заново отстроенного после второй мировой войны театра «Ла Скала» в Милане, звучал он и на похоронах самого Верди — его пел весь народ, сопровождавший траурную процессию. Впоследствии, уже в 2011 году, когда праздновалось 150-летие объединения Италии, это повторилось на театральной премьере в Риме.

Той премьерой дирижировал великий дирижер Рикардо Мути. В тот день он вышел на подиум и обратился к публике: «9 марта 1842 года „Набукко“ дебютировал в качестве патриотической оперы, напоминая о необходимости объединения Италии, сохранения ее национальной идентичности.

Читайте также:  Знаки альтерации (про диез, бемоль, бекар)

Сегодня 12 марта 2011 года, я бы хотел, чтобы „Набукко“ стал погребальным гимном культуры и музыки».

Известные хоры из опер Верди

Тот, кто присутствовал на премьере запомнил слова дирижера»: «Мы здесь в итальянской атмосфере… И я, Мутти молчал в течение многих лет. Теперь я хочу придать смысл этому хору. Мы находимся у себя дома и я предлагаю всем присоединиться и петь вместе». Все встали. Это был грандиозный хор!

Почему я вспомнила эту музыкальную и не только музыкальную историю!

Может быть потому, что наши спортсмены на Олимпиаде не будут петь наш гимн…

Не знаю. Вот вспомнилось.

Послушайте эту замечательную музыку. Этот клип я сделала, после возвращения из Рима в 2012 году.

Источник: https://elenarossi.tourister.ru/blog/10766

Из чего состоит опера: хор

Известные хоры из опер Верди

ВАЛЕНТИН БАРАНОВСКИЙ

Хор — оперный номер для хорового ансамбля (чаще смешанного, иногда мужского, женского или детского). Обычно изображает присутствие «коллективного персонажа», группы свидетелей либо соучастников или народной толпы. Изредка употребляется как безличный комментарий или как прием для создания «литургического» колорита.

Это сейчас артист хора — вполне уважаемая и профессиональная штатная единица. Ну не самая, может быть, высокооплачиваемая, но уж точно живущая с оперным театром одной творческой жизнью.

Не просто нарядился-загримировался, вышел на сцену, постоял эдакой поющей декорацией — и все; нынче бывает так, что хороший режиссер не командует «сопрано сюда, басы туда», а работает с каждым хористом индивидуально, придумывая для каждого свой образ, свою пусть маленькую роль.

Некоторые доходят при этом до перфекционизма совсем уж маньяческого (вроде готических зодчих, ставивших старательно изваянных святых на такой верхотуре, где ими могли любоваться разве птахи Божии), тратя уйму времени и сил на то, чтобы придумать каждому персонажу хоровой сцены целую биографию и сложный душевный профиль. И только ради того, чтобы артист понимал, как именно ему нужно, условно говоря, высморкаться, стоя притом когда на виду, а когда и где-нибудь в дальнем углу.

А раньше бывало по-разному. Опера, увы, вообще дело дорогое.

В теперешнем хоре Большого театра числится сто с лишним человек; в Парижской опере XVIII века, например, было поскромнее — с полсотни, но в любом случае содержание постоянного хора — такая статья расходов, над которой в сколько-нибудь стесненных условиях уже задумаешься.

Хорошо было королям, князьям и князькам: у них так или иначе был личный хор для дворцовых богослужебных надобностей, который можно было использовать и в театре (и даже у нас при Екатерине II малороссийские хористы придворной капеллы певали в итальянских операх).

Хуже было в итальянских и немецких театрах, которые придворного статуса (и бюджета, соответственно) не имели — особенно это было заметно в первой половине XIX века, когда на этих сценах шли премьеры всеми нами уважаемых опер Россини и Вебера, Беллини и Мейербера, Доницетти и молодого Верди.

И петь хоровые партии в этих премьерах приходилось буквально кому попало: переписчикам нот, военным музыкантам, драматическим актерам, просто любителям, из которых и нотную-то грамоту не все знали. Положим, в оркестровой яме при этом тоже сидели не сплошь Паганини, но хор оказывался поневоле совсем уж пролетариатом оперы.

И вел себя соответственно. Это было еще удачей, когда наряженные средневековыми горожанами или римскими воинами хористы хотя бы держались на сцене дисциплинированно, не слишком болтали и не падали; туринскую премьеру «Африканки» Мейербера, например, вдрызг пьяный хор чуть не сорвал.

И только потом, в следующие десятилетия, положение начало выправляться.

Но все терпели, и никому в какие-нибудь 1840-е не приходило в голову, что полноценная опера без хора вообще возможна.

Это ведь, в сущности, одно из завоеваний последнего века существования оперы — что композитор совершенно свободен в том, использовать ли хор в произведении или нет; успешность, событийность, значительность (да даже и затратность) премьеры от этого не слишком зависят.

Прежде же наличие или отсутствие хора регулировалось отнюдь не сюжетной сообразностью, скажем, а общими эстетическими соображениями — и заодно их социальным подтекстом.

Самые-самые первые оперы были с существенным хоровым участием — потому что идеологи нового жанра были загипнотизированы своими представлениями о древнегреческой трагедии, да и вообще хоровая вокальная музыка была на тот момент куда более традиционным и почтенным жанром композиторского творчества, нежели вокальная.

Потом гипноз ослабел; если во французской tragedie lyrique развернутое присутствие хора было в порядке вещей, то в серьезной итальянской опере вплоть до моцартовских времен, напротив, хор имел значение третьестепенное (да и те коротенькие хоровые эпизоды, что были, могли петь ансамблем певцы-солисты).

Поющая масса была совершенно не нужна в действе, посвященном высоким индивидуальным чувствам.

Парадокс, но именно в буржуазную эпоху, когда индивидуализм был уже в своем полном праве, хоровая толпа снова становится неизбежной, а пресловутые высокие чувства тем самым вдвойне публичными — не сосчитать всяких любовных признаний или трагических монологов, которые разворачиваются в присутствии (и с участием) очередной группы пейзан или придворных. Есть даже теория, что это был своего рода компенсаторный механизм: стиснутому викторианскими условностями человеку, мол, была необходима отдушина — возможность хотя бы в оперном театре наблюдать картину коллективной эмоциональной сопричастности. Что-то в этом есть; во всяком случае, мы можем быть уверены, что оперные хоры в то время действительно воспринимались с редкой непосредственностью. И более того — при случае они воспринимались (вспомните соответствующие казусы у Верди) как общественно-патриотическое высказывание, объединяющее и воодушевляющее, если не вовсе революционное.

Вагнер, впрочем, видел в вездесущих оперных хорах нечто прямо противоположное — опасный синдром тоталитаризации.

«Когда мейерберовские “Гугеноты” поднимаются до своей высшей точки, мы слышим в них то, что видим в прусском гвардейском батальоне»,— пишет он в «Опере и драме» и хлестко констатирует: «Хоровая масса нашей современной оперы есть не что иное, как получившее способность ходить и петь машинное отделение декораций, немой блеск кулис, превращенный в оживленную шумиху». Собственно, именно вагнеровское творчество в смысле отношения к хору особенно симптоматично: хоровая музыка у него постепенно превращается из «оживленной шумихи» в атрибут, употребляемый осмотрительно и дозированно. Пока, наконец, не приобретает в «Парсифале» звучание строго ритуальное и самой этой ритуальностью обусловленное.

При всем том знаменитые хоровые сцены по сравнению с другими оперными хитами (ариями, ансамблями, увертюрами, интермеццо) занимают довольно специфическое положение.

Очень немногие из них с удобством переносятся на концертную сцену, еще меньше тех, что стали абсолютными и общеизвестными шлягерами. Но в спектакле при хорошем исполнении они оказываются чрезвычайно эффектными эпизодами.

Подчас даже вне зависимости от того, что именно делает при этом хор: стоит столбами, активно мимирует или вовсе поет из-за сцены — иногда современные режиссеры с «оживленной шумихой» поступают и так.

народные массы

«Борис Годунов» Модеста Мусоргского (1869 и 1872)

Где ж еще массовым хоровым сценам быть уместнее, чем в «народной драме» Мусоргского, противопоставляющей одинокого страдающего царя народу — ликующему и голодающему, бунтующему и покорному.

Который во всех этих массивных, сложно организованных эпизодах оказывается не условно-декоративным множеством, а полновесным и многогранным персонажем. И напрасно думать, что вне российского контекста все это воспринимается как чистая экзотика.

Хоровые сцены «Бориса» принимали вполне восторженно, например, в Европе и Америке 30-50-х, когда оперу зачастую исполняли на итальянском (!) языке.

угнетенные массы

«Набукко» Джузеппе Верди (1842)

Во многих вердиевских операх 1840–1850-х центральный хоровой номер оказывался, говоря по-ленински, «коллективным агитатором».

Восставшие против Фридриха Барбароссы миланцы («Битва при Леньяно»), обороняющиеся против римлян гунны («Аттила») или мятежные шотландцы («Макбет») опознавались как поющая эмблема национального протеста и революционного порыва.

Но больше всего посчастливилось хору пленных евреев из «Набукко», ставшему неформальным гимном объединяющейся (а потом уже и объединенной) Италии. Хотя текст хора «Va, pensiero» — всего лишь лирический парафраз на тему «Плача Иеремии».

трагические массы

«Царь Эдип» Игоря Стравинского (1927)

Неоклассицистские интенции в опере-оратории Стравинского выражены буквально до плакатности. Либретто написано Жаном Кокто, однако на латинском языке (первоначально рассматривался вариант древнегреческого) и в виде подражания не столько конкретно Эсхилу, сколько самому духу афинской трагедии.

А заодно и барочной оратории. Мужской хор присутствует на сцене постоянно, но не с пространными «пародами» и «стасимами», а с более сжатыми, экспрессивными и неоднородными стилистически номерами.

Они образуют сочувственный и в то же время отстраненный комментарий к злоключениям Эдипа — под стать той условности, которой добивался композитор.

сакральные массы

«Святой Франциск Ассизский» Оливье Мессиана (1983)

Опера Мессиана — один из рекордсменов по количеству необходимых исполнительских сил: огромный оркестр и еще более грандиозный хор в полторы сотни человек (в общей сложности 10 хоровых партий).

Сами избранные композитором житийные сюжеты, казалось бы, совершенно не подразумевают такой многолюдности — что там, главный герой да горстка монахов.

Но хор во «Франциске» и не является непосредственным участником событий; он комментирует их (опять-таки на манер хора древнегреческих трагедий) или и вовсе передает столь масштабным образом потустороннее присутствие — именно в исполнении хора звучат, например, евангельские слова Христа.

Источник: https://www.kommersant.ru/doc/3638264

Джузеппе Верди. Набукко. Хор пленных иудеев

Известные хоры из опер Верди Джузеппе Верди Набукко. Хор пленных иудеев

  • Скачать фрагмент
  • В ИЗБРАННОЕ

Эту музыку написал Джузеппе Верди, композитор эпохи Романтизм

Подходит исполнителям: Хор

Народный рейтинг популярности: 85750

Правильно отвечают 89 % игроков. Чаще всего путают с произведениями:Гендель. Мессия (оратория) – 3 %Верди. Травиата. Застольная песнь – 2 %Верди. Трубадур. Хор цыган – 2 %

Джузеппе Верди. Набукко (Навуходоносор). Хор пленных иудеев (Хор евреев) “Лети, мысль, на золотых крыльях” | Nabucco “Va pensiero, sull’ali dorate”

«Va, pensiero» — хор из третьего акта оперы «Набукко» Джузеппе Верди, наиболее известный музыкальный фрагмент этой оперы.

Слова «Va, pensiero» принадлежат Темистокле Солера — автору либретто «Набукко», но являются парафразом библейского псалма 136 «На реках вавилонских». Исполнители «Va, pensiero» представляют еврейских изгнанников, плачущих в вавилонском плену о потерянной родине и разрушенном Первом Храме.

«Набукко», или «Навуходоносор» (итал. Nabucco) — опера Джузеппе Верди в 4 действиях, 7 картинах на либретто Т. Солера, основанная на событиях, описанных в Библии.

(Набукко — сокращённая итальянская интерпретация имени царя Навуходоносора II). Именно эта опера, третья в творчестве Верди, принесла ему настоящую славу.

В ней повествуется о бедствиях евреев, об их пленении вавилонянами, а затем отпущении на родину царём Вавилона Навуходоносором.

Премьера состоялась 9 марта 1842 года в театре «Ла Скала» в Милане.

https://ru.wikipedia.org/wiki/Набукко_(опера)

* Фрагменты музыкальных произведений представлены в ознакомительных целях.

Классику (как любой драгоценный антиквариат) значительно усиливает связанная с ней история. Вы очень поможете проекту, дополнив приведённое выше описание, предложив для иллюстрации картинку, или видео, или интересный факт.

Copyright © 2014-2020 ClassicalTest.netУсловия использования

Источник: http://classicaltest.net/ru/music/verdi-nabucco-chorus-of-hebrew-slaves

Известные хоры из опер Верди, Музыкальный класс

Известные хоры из опер Верди

В отличие от традиций раннего бельканто, в которых делался акцент в основном на сольные арии, Верди отвел хоровой музыке важное место в своём оперном творчестве. Он создал музыкальную драму, в которой судьбы героев не развивались в сценическом вакууме, а были вплетены в народную жизнь и являлись отражением исторического момента.

Многие хоры из опер Верди показывают сплочённость народа под гнетом захватчиков, что было очень актуально для современников композитора, боровшихся за независимость Италии. Многие хоровые ансамбли, написанные великим Верди, стали впоследствии народными песнями.

В третьем акте историко-героической оперы, принесшей Верди первый успех, плененные иудеи скорбно ожидают казни в вавилонском плену.

Им неоткуда ждать спасения, ведь вавилонская царевна Абигайль, захватившая трон своего безумного отца Набукко, отдала приказ уничтожить всех евреев и свою сводную сестру Фенену, принявшую иудейство. Пленники вспоминают утраченную родину, прекрасный Иерусалим и просят Бога дать им силы.

Читайте также:  Как научиться петь тихо

Нарастающая сила мелодии превращает молитву чуть ли не в боевой призыв и не оставляет сомнений, что народ, объединённый духом свободолюбия, стоически вынесет все испытания.

По сюжету оперы Иегова совершает чудо и возвращает разум раскаявшемуся Набукко, однако для современников Верди, которые не ждали милости от высших сил, этот хор стал гимном в освободительной борьбе итальянцев против австрийцев. Патриоты настолько прониклись страстностью музыки Верди, что окрестили его «Маэстро итальянской революции».

Опера «Сила судьбы»: хор «Rataplan, rataplan, della gloria»

Третья картина третьего акта оперы посвящена будням военного лагеря испанцев в Веллетри.

Верди, ненадолго оставив романтические страсти знати, мастерски рисует картины народной жизни: тут и грубоватые солдаты на привале, и хитрая цыганка Прециозилла, предсказывающая судьбу, и маркитантки, флиртующие с юными солдатами, и нищие, просящие милостыню, и карикатурный монах фра Мелитоне, укоряющий солдат в распутстве и призывающий покаяться перед сражением.

В финале картины все персонажи под аккомпанемент одного лишь барабана объединяются в хоровой сцене, в котором солирует Прециозилла. Это, возможно, самая веселая музыка для хора из опер Верди, однако, если задуматься, для многих солдат, идущих на бой, эта песня станет последней.

Однако великий композитор не ограничивался реалистичными народными сценами. Среди оригинальных музыкальных находок Верди — хоры ведьм из первого акта шекспировской драмы, которые начинаются с экспрессивного женского визга. Ведьмы, собравшиеся возле поля недавнего сражения, открывают шотландским полководцам Макбету и Банко их будущее.

Яркие оркестровые краски явственно прорисовывают издёвку, с которой жрицы тьмы предрекают, что Макбет станет королем Шотландии, а Банко — родоначальником правящей династии. Для обоих танов такое развитие событий не сулит ничего хорошего, и вскоре предсказания ведьм начинают сбываться…

Опера «Травиата»: хоры «Noi siamo zingarelle» и «Di Madride noi siam mattadori»

Богемная жизнь Парижа полна бесшабашного веселья, которое неоднократно превозносится в хоровых сценах. Однако слова либретто недвусмысленно дают понять, что за фальшью маскарада скрываются боль утрат и мимолетность счастья.

На бал к куртизанке Флоре Борвуа, которым открывается вторая сцена второго акта, собрались беззаботные «маски»: гости, наряженные цыганками и матадорами, подтрунивая друг над другом, в шутку предсказывают судьбу и исполняют песенку об отважном тореадоре Пикильо, повергнувшем пять быков на арене ради любви молодой испанки. Парижские повесы насмехаются над истинной отвагой и выносят приговор: «Здесь же храбрости нет места — нужно здесь весёлым быть». Любовь, преданность, ответственность за поступки потеряли ценность в их мире, лишь водоворот развлечений придает им новые силы…

Говоря о «Травиате», нельзя не упомянуть широко известную застольную «Libiamo ne’ lieti calici», которую сопрано и тенор исполняют в сопровождении хора. Больная чахоткой куртизанка Виолетта Валери тронута страстным признанием провинциала Альфреда Жермона. Дуэт в сопровождении гостей воспевает веселье и молодость души, однако фразы про мимолетность любви звучат роковым предзнаменованием.

Завершает обзор хоров из опер Верди один из самых знаменитых фрагментов, когда-либо написанных в опере.

Торжественное чествование египетских воинов, возвратившихся с победой над эфиопами, разворачивается во второй сцене второго акта.

За ликующим вступительным хором, прославляющим египетских богов и отважных победителей, следует балетное интермеццо и триумфальный марш, знакомый, пожалуй, каждому.

За ними следует один из самых драматических моментов в опере, когда служанка дочери фараона Аида узнает среди пленных своего отца, эфиопского царя Амонасро, скрывающегося в стане врага. Бедную Аиду ждет еще одно потрясение: фараон, желая наградить доблесть египетского военачальника Радамеса, тайного возлюбленного Аиды, предлагает ему руку своей дочери Амнерис.

Сплетение страстей и чаяний главных героев достигает кульминации в заключительном хоровом ансамбле, в котором народ и жрецы Египта возносят хвалу богам, рабы и пленники благодарят фараона за дарованную им жизнь, Амонасро строит планы мести, а влюбленные сокрушаются о божественной немилости.

Верди как тонкий психолог создает в этом хоре грандиозный контраст между психологическими состояниями героев и толпы. Хоры в операх Верди часто завершают акты, в которых сценический конфликт достигает наивысшей точки.

Источник: http://rk-ekvator.ru/isskustvo-dlya-dushi/izvestnye-xory-iz-oper-verdi-muzykalnyj-klass

О просветительской особенности хрестоматий: гала-концерт viva verdi в «новой опере»

Известные хоры из опер ВердиДжузеппе Верди. Портрет работы Джованни Болдини

Идея создания концертной хрестоматии «Да здравствует Верди» («Viva Verdi») принадлежит выдающемуся (судя по тому состоянию, в котором сегодня находится хор «Новой Оперы») хормейстеру Наталье Попович.

Хронологическая последовательность эпизодов давала возможность избежать почти неизбежного для таких мероприятий скатывания к капустникам, приуроченным к знаменательным датам.

О просветительской ценности таких мероприятий говорить тоже вроде бы излишне, а оценивать художественную цельность гала-концертов вроде бы не очень принято, тем более когда главным в подзаголовке «Фрагменты всех опер Джузеппе Верди» оказывается слово «всех».

Я ничего не имею против подобного рода протокольных «нарезок» по случаю чьего бы то ни было двухсотлетия, но постулат «ничто не забыто» как мотивация обращения с наследием великих предшественников несколько сомнителен.

На то, что вкус и осторожность в формировании подобных тезаурусов – единственный залог подлинного успеха, – намекал ещё Джек Лондон в «Мартине Идене», и  чтобы не задеть чувств авторов этой прекрасной идеи, посмотрим, всё ли в порядке со вкусом и осторожностью в предложенной программе, ведь самым главным камнем преткновения при составлении программ такого рода всегда является выбор между концептуальностью («все оперы – значит, все оперы») и здравым смыслом («Прямо таки ВСЕ? А зачем?»).

К несчастью, творчество Верди настолько масштабно и разнопланово, что устоять перед соблазном оживить малоизвестные произведения в ущерб запетым шлягером серьезный музыкант не может никогда. И это один из тех случаев, когда недостатки являются лишь продолжением достоинств. Собственно, именно по этому принципу построена программа разбираемой концертной хрестоматии.

Нет, если программа адресована коллегам по работе, то качество её нужно признать безупречным. Я разговаривал со многими музыкантами, и мало кто из них смог вспомнить, что в своей первой опере «Оберто» Верди действительно смог убедить миланскую публику в своих способностях написать собственную «Лючию ди Ламмермур». Но тут важно помнить, зачем и почему.

Когда в тридцатые годы позапрошлого века путешествие из Милана в Неаполь занимало трое суток на собственном транспорте и почти десять суток на почтовой карете в одну сторону, меломанам Милана было несколько затруднительно самостоятельно послушать оперу Доницетти о возмутительном поведении ламмермурской невесты, прославившейся своей кровожадностью на сцене театра Сан-Карло в 1835 году. Но сегодня-то этих проблем нет, и очень многим московским меломанам практически ничто, кроме низости нашей падшей национальной валюты, не мешает слушать оперу Доницетти хоть в Париже, хоть в Турине (про интернет-вседозволенность и доступность я даже не говорю!).

Но этот аргумент в пользу избыточности концертного рассматривания путей и веси восхождения того или иного гения к своей гениальности работает только тогда, когда мы говорим об интересах публики.

Если же эти интересы в расчет не принимаются, тогда остаётся предположить, что программа «Viva Verdi» адресована все-таки профессионалам.

И ведь так и есть! Известно, что в фундаментальном справочнике Михаила Мугинштейна первая опера Верди не упоминается вовсе, и тут я, будучи обычной публикой, просто развожу руками и снимаю шляпу: «ну, если уж в Моссовете…» Тогда да. Ну, а нам уж чего: не баре, поди, поучаствуем.

Это всё к чему? Иллюстративную ценность таких программ для сопровождения курса лекций по творчеству Верди переоценить невозможно, но как быть со слушателем-то? И вот у меня как у слушателя остается стойкое ощущение, что самое интересное, что написал за свою жизнь Вива-Верди, – это песенка Герцога из «Риголетто» и наковальный цыганский хор. Еврейский хор тоже ничего так. Почему у меня осталось такое ощущение, объяснить несложно, но если бы авторов программы это действительно волновало, я бы как слушатель получил совершенно блестящую программу под названием, например, «Хоровое наследие Верди». Ведь кому как не такому высокопрофессиональному музыканту, как главный хормейстер «Новой Оперы», понимать всю самодостаточную бесценность выдернутой из контекста именно этой части наследия Верди!

Между тем, позволю себе наглость отметить, что самое яркое впечатление от вечера на меня произвели Сергей Артамонов с арией Атиллы (настолько страстно, что страшно), Евгений Ставинский с арией Вальтера из «Луизы Миллер» (о, этот голос!), Ирина Костина с балладой Оскара из «Бала-маскарада» (мило, но мало) и – ХОР! Хор, хор и ещё раз хор!

Даже мой любимый баритон «Новой Оперы» Анджей Белецкий в силу не очень удачного, на мой взгляд, выбора номера (красиво, но неэффектно: ему бы страдания горбуна из «Риголетто» здесь спеть!), и даже сливочно-сладочный тембр Нурлана Бекмухамбетова своим предсказуемым великолепием не произвели такого впечатления, как…  ХОР! Ведьмы из «Макбета», цыгане из «Трубадура», пленные иудеи из «Набукко», буря из «Отелло», хор инков из «Альзиры»! Это было пиршество меломана!..

А ведь еще есть хоры в «Риголетто», в «Бокканегре», в «Травиате», в «Бале-маскараде»! Почему бы их не включить в один концерт и устроить настоящий бенефис хоровому коллективу театра?

Солистов тоже нужно актуализировать? Да без проблем! Взять хотя бы грандиозный ансамбль «S’appressan gl’istandti» из того же «Набукко» и еще кучу всего похожего и действительно шедеврального! Дело же не в том, что представленные в программе «Viva Verdi» фрагменты недостаточно «хороши» сами по себе, а в том, что такая их подача  – бесполезна.

Несмотря на методическую упорядоченность мы ни эволюции творческой проследить не можем, ни удовольствия от гения вердиевского получить. Впрочем о подаче, которая лишний раз убеждает, что программа делалась «для своих», а даже не для меня, например (а я всё-таки более или менее продвинутый слушатель и заранее на всё готов), стоит сказать отдельно.

Во-первых, тексты того, о чем поют: боюсь спросить, они – где? Если мы ставим перед собой задачу познакомить слушателя с малоизвестными произведениями композитора, то либо давайте играть одни увертюры (с чем замечательный оркестр театра под управлением маэстро Василия Валитова справился бы также по обыкновению блестяще!), либо давайте в деталях доносить до народа, о чем там речь идёт.

Сегодня исполнение малоизвестных вокальных произведений без сопровождения хотя бы титрами (не говоря уж о более дорогостоящей печатной продукции) – это выход за рамки уважения к тому, для кого ты их исполняешь.

Но если ты поешь тому, кто и сам все номера знает наизусть и сидит тебе подпевает, тогда претензия снимается. Только я что-то не заметил подпевающих в зале.

И даже если затрагивать общеобразовательный аспект: сколько, по мнению авторов мероприятия, в зале было человек, понимающих, о чем шумит в «Отелле» буря? А ведьмы в «Макбете» кому о чём плясали? Про сумасшедший ансамбль из «Фальстафа» я и вовсе умолчу.

Во-вторых, программка. В целом, всё чудесно, но названий номеров даже мне не хватало. И уж эту проблему решить посредством размещения информации на сайте театра – вообще не составляет труда. Если понимать, для кого ты работаешь, конечно.

Взять, например, арию Станкара из «Стиффелио»: это что вообще? Нет, Андрей Бреус прекрасно показал товар лицом, но я не понял ни слова и, к слову, даже не узнал. Ну, вот лишь раз я слышал эту оперу, каюсь. Так сложилось.

И что мне дала эта презентация «Стиффелио» посредством Станкара? Какие эмоции должны были меня обогатить и что во мне расширить? Очевидно, что ни один из этих вопросов авторы программы перед собой не ставили.

Равно, как и оформители концерта.

Третьим номером моего недоумения стали именно комические (!) коллажи на заднем заднике.

Читайте также:  История создания песни «god bless america» («господь, благослови америку») - неофициального гимна сша

И вот я подумал: авторы этих коллажей сами в курсе, в каком аду сочинял Верди некоторые из произведений? Какими катастрофическим переживаниями испытывала судьба верность композитора своему таланту? Но ведь достаточно послушать то же вступление к «Отелло», чтобы ничего больше специально объяснять не пришлось о жизни человека, который в рассвете сил и славы погружается вдруг в полную изоляцию от мира и впадает в жутчайшую депрессию!

Ребята, соображать когда начнём уже? Вива-то Верди, конечно, viva, но в этой программе – ни в её номерной структуре, ни в оформлении, ни в отсутствующем эмоциональном крещендо, незаменимом именно в таких путеводителях по творчеству, я не уловил ни единого намёка на то, что сила судьбы одного из величайших музыкантов в истории человечества сделала его жизнь ярчайшей иллюстрацией поговорки «La vita non è una festa»…

Источник: https://www.ClassicalMusicNews.ru/kurmachev/verdi/

Верди – гала. К 200-летию со дня рождения композитора. Любимые арии, дуэты, симфонические и хоровые фрагменты из опер

Государственная академическая симфоническая капелла России – уникальный коллектив, насчитывающий свыше 200 артистов. Он объединяет хор, оркестр и солистов-вокалистов, которые, существуя в органичном единстве, сохраняют в то же время определенную творческую самостоятельность.

Госкапелла была образована в 1991 году при слиянии Государственного камерного хора СССР под руководством Валерия Полянского и Государственного симфонического оркестра Министерства культуры СССР, возглавляемого Геннадием Рождественским.

Оба коллектива прошли славный творческий путь. Оркестр возник в 1957 году и до 1982 года был оркестром Всесоюзного радио и телевидения, с 1982 года – Государственным симфоническим оркестром Министерства культуры СССР.

В разное время им руководили С. Самосуд, Ю. Аранович и М. Шостакович. Камерный хор был создан В. Полянским в 1971 году.

С 1980 года коллектив получил новый статус и стал именоваться Государственным камерным хором Министерства культуры СССР.

С хором Валерий Полянский объездил все республики СССР, стал инициатором фестиваля в Полоцке, в котором участвовали Ирина Архипова, Олег Янченко, Ансамбль солистов Большого театра СССР… В 1986 году, по приглашению Святослава Рихтера, Валерий Полянский и его хор представили программу из сочинений П. И. Чайковского на фестивале «Декабрьские вечера», а в 1994 году – «Всенощное бдение» С. В.

 Рахманинова. В то же время Государственный камерный хор заявил о себе и за рубежом, триумфально выступив с Валерием Полянским на фестивалях «Поющий Вроцлав» (Польша), в Мерано и Сполето (Италия), Измире (Турция), в Нардене (Голландия); памятно участие в знаменитых «Променад-концертах» в Альберт-холле (Великобритания), выступления в исторических соборах Франции – в Бордо, Амьене, Альби.

День рождения Госкапеллы – 27 декабря 1991 года: тогда в Большом зале Консерватории прозвучала кантата Антонина Дворжака «Свадебные рубашки» под управлением Геннадия Рождественского. В 1992 году художественным руководителем и главным дирижером ГАСК России стал Валерий Полянский. Деятельность хора и оркестра Капеллы осуществляется как в совместных выступлениях, так и параллельно.

Коллектив и его главный дирижер – желанные гости на лучших площадках Москвы, постоянные участники абонементов Московской филармонии, Московской консерватории и Московского международного Дома музыки, выступали с финалистами международных конкурсов имени Чайковского и имени Рахманинова.

Капелла с триумфом гастролировала в США, Англии, Италии, Германии, Нидерландах, в странах Юго-Восточной Азии.

Основу репертуара коллектива составляют кантатно-ораториальные жанры: мессы, оратории, реквиемы всех эпох и стилей — Баха, Генделя, Гайдна, Моцарта, Шуберта, Берлиоза, Листа, Верди, Дворжака, Рахманинова, Регера, Стравинского, Бриттена, Шостаковича, Шнитке, Эшпая. Валерий Полянский постоянно проводит монографические симфонические циклы, посвященные Бетховену, Брамсу, Рахманинову, Малеру и другим великим композиторам.

С Капеллой сотрудничают многие российские и зарубежные исполнители. Особо тесная и многолетняя творческая дружба связывает коллектив с Геннадием Николаевичем Рождественским, который ежегодно представляет с Госкапеллой России свой персональный филармонический абонемент.

За последние годы у коллектива выработалась своя схема в построении сезона. Его крайние точки посвящены выступлениям в малых городах.

С 2009 года в Тарусе Капелла проводит фестиваль «Сентябрьские вечера» (совместно с фондом Святослава Рихтера), знакомит с шедеврами симфонической и хоровой музыки жителей Торжка, Твери, Калуги.

В 2011 году прибавился Елец, где триумфально прошла мировая премьера оперы Александра Чайковского «Легенда о граде Ельце, Деве Марии и Тамерлане» в постановке режиссера Георгия Исаакяна. «Не надо много слов о патриотизме, – сформулировал свою позицию В.

 Полянский, – молодежь просто должна слышать эту музыку, внушающую любовь к родине. Преступление, что есть города, где люди никогда не слышали живой симфонический оркестр, не видели оперных постановок. Мы стараемся исправить эту несправедливость».

В репертуарной политике Госкапеллы находят отражение и важнейшие даты мировой истории.

К 200-летию победы в Отечественной войне 1812 года состоялось концертное исполнение оперы «Война и мир» Прокофьева (в Торжке и Калуге), к 400-летию династии Романовых была приурочена мировая премьера оратории «Государево дело» А. Чайковского (2013, Липецк, Москва), а на Новой сцене Большого театра России прозвучала «Жизнь за царя» М. Глинки.

Знаковым событием 2014 года стало концертное исполнение Госкапеллой редко звучащей оперы «Семен Котко» Прокофьева, которое состоялось на Новой сцене Большого театра и в Центральном академическом театре Российской армии и  было приурочено к 100-летию начала Первой мировой войны. На этих же площадках коллектив отметил 70-летие Великой Победы исполнением оперы К. Молчанова «А зори здесь тихие».

Интенсивно протекает гастрольная деятельность Госкапеллы. Высочайшему исполнительскому мастерству оркестра аплодировала британская публика во время осеннего турне 2014 года.

«Есть дирижеры, считающие Пятую симфонию Чайковского слишком известной и исполняющие ее как на автопилоте, но Полянский и его оркестр были просто великолепны.

Музыка Чайковского, конечно, вошла в плоть и кровь этого коллектива; Полянский сыграл этот бессмертный шедевр так, как, уверен, его хотел бы слышать сам Чайковский», – отмечал британский критик и композитор Роберт Мэтью-Уокер.

В 2015 году с триумфом прошли концерты коллектива в США, Белоруссии (фестиваль духовной музыки «Могутны Божа») и Японии, где публика по достоинству оценила интерпретации В. Полянским трех последних симфоний Чайковского. 

Валерий Полянский – музыкант многогранного дарования, высочайшей культуры, глубокой эрудиции.

Его дирижерская харизма в равной степени проявляется как в сфере хорового искусства, так и за пультом симфонического оркестра, а творческие поиски блестяще реализуются в самых разных жанрах – будь то оперы, сочинения для хора a cappella, монументальные кантатно-ораториальные произведения, симфонии, современные сочинения.

Валерий Полянский родился в 1949 году в Москве. Его призвание определилось очень рано: оканчивая музыкальную школу, он в 13 лет уже дирижировал хором. Затем последовали годы учебы у Е. Зверевой в училище при Московской консерватории, которое В.

 Полянский заканчивает за три года; в Московской государственной консерватории молодой музыкант занимался одновременно на двух факультетах: дирижерско-хоровом (класс профессора Б. Куликова) и оперно-симфонического дирижирования (класс О. Димитриади).

В аспирантуре судьба свела В. К. Полянского с Г. Н. Рождественским, который оказал большое влияние на дальнейшую творческую деятельность молодого дирижера.

Важнейшей вехой в жизни Валерия Полянского стал 1971 год, когда он организовал Камерный хор из студентов Московской консерватории, а также стал дирижером Московского театра оперетты.

В 1975 году в Италии, на крупнейшем Международном конкурсе «Гвидо д’Ареццо» Валерий Полянский и его Камерный хор стали безоговорочными победителями.

Впервые хор из России получил Золотую медаль в номинации «академическое пение», удостоившись также «Золотого колокола» — символа лучшего хора конкурса. Валерию Полянскому был присужден специальный приз как лучшему дирижеру конкурса.

Итальянцы тогда писали о музыканте: «Это подлинный Караян хорового дирижирования, обладающий исключительно яркой и гибкой музыкальностью».

В 1977 году В. Полянский, не оставляя хор, становится дирижером Большого театра СССР, где в том числе участвует вместе с Г. Рождественским в постановке оперы Шостаковича «Катерина Измайлова», ведет другие спектакли.

В те же годы начинается сотрудничество с Союзом композиторов: Валерий Полянский смело берется за освоение новых партитур, становится постоянным участником фестиваля современной музыки «Московская осень». Ему посвящают свои сочинения лучшие российские композиторы – Н. Сидельников, Э. Денисов, А. Шнитке, С. Губайдулина, Д. Кривицкий, А. Виеру.

«…Необходимо, чтобы звучали произведения наших дней. Мы живем в мире, который полон самых различных эмоциональных красок, душевных настроений, переживаний, противоборства страстей. Все это отражено так или иначе в богатейшей сокровищнице мировой музыки, все должно быть представлено на современной концертной сцене.

Поддерживать современных композиторов – наш долг», — говорит дирижер.

Возглавляя Государственный камерный хор, Валерий Полянский параллельно плодотворно сотрудничал с ведущими симфоническими коллективами России и зарубежных стран, неоднократно выступал с оркестрами Белоруссии, Исландии, Финляндии, Германии, Голландии, США, Тайваня, Турции. Им осуществлена постановка оперы Чайковского «Евгений Онегин» в Гетеборгском музыкальном театре (Швеция), на протяжении нескольких лет он являлся главным дирижером фестиваля «Оперные вечера» в Гетеборге.

С 1992 года Валерий Полянский – художественный руководитель и главный дирижер Государственной академической симфонической капеллы России.

Дирижером осуществлено свыше 100 записей на ведущих звукозаписывающих фирмах, как в России, так за рубежом.

Среди них – произведения Чайковского, Танеева, Глазунова, Скрябина, Брукнера, Дворжака, Регера, Шимановского, Прокофьева, Шостаковича, Шнитке (Восьмая симфония Шнитке, выпущенная английской фирмой Сhandos records в 2001 году, признана лучшей записью года).

Нельзя не сказать о записи всех хоровых концертов замечательного русского композитора Д. Бортнянского и о возрождении музыки А. Гречанинова, почти не исполнявшейся в России.

Дирижер также является одним из лучших интерпретаторов наследия Рахманинова, в его дискографии – все симфонии композитора, все его оперы в концертном исполнении, все хоровые сочинения. Валерий Полянский – Президент Рахманиновского Общества, возглавляет Международный конкурс пианистов имени Рахманинова.

В настоящее время внимание дирижера отдано Г. Малеру: силами Госкапеллы впервые в России проводится уникальный цикл «Густав Малер и его время», рассчитанный на несколько лет. В 2015 году, когда широко отмечался юбилей Чайковского, В.

Полянский и Капелла провели фестиваль «Музыка на все времена», названный в СМИ «беспрецедентным».  В рамках фестиваля прозвучали все симфонии композитора, Девять духовных хоров, «Литургия св.

Иоанна Златоуста» и опера «Пиковая дама» в концертном исполнении.

С 2000 года в программах Госкапеллы отчетливо выделяется тяготение к жанру оперы в концертном исполнении. К настоящему моменту В. Полянский исполнил около 30 опер.

Это – и русская классика (Чайковский, Римский-Корсаков, Гречанинов), и зарубежные авторы, в частности Верди, которому маэстро уже несколько сезонов подряд посвящает специальные абонементы.

Среди представленных капеллой вердиевских шедевров — оперы «Луиза Миллер», «Трубадур», «Риголетто», «Сила судьбы», «Фальстаф», «Макбет» и другие. К 200-летию со дня рождения Верди на исторический сцене Большого театра В.

 Полянский с Госкапеллой провел гала-концерт “Viva, Verdi”, в который вошли  фрагменты из 13 опер и «Реквиема» композитора. Проект оказался настолько востребован, что был затем неоднократно повторен в абонементах Московской филармонии и на закрытии фестиваля «Янтарное ожерелье» (Калининград, 2015).

Постоянно в поле зрения дирижера современные партитуры, им осуществлен ряд российских и мировых премьер, среди которых: «Джезуальдо» А. Шнитке (2000), «Последние дни Пушкина» А. Николаева (2007), «Легенда о граде Ельце, Деве Марии и Тамерлане» А. Чайковского (2011), «Альберт и Жизель» А. Журбина (2012), оратория «Государево дело» А. Чайковского (2013).

Валерий Полянский стремится представить оперу в исторически точной интерпретации, использует оригинальные авторские редакции, привлекает к реализации опер в концертном исполнении музыкантов Госкапеллы и ведущих певцов известных российских театров.

Сотрудничество с Капеллой позволило многим певцам творчески реализовать себя в операх, которых нет в афише их театров, и, таким образом, расширить и обогатить свой репертуар.

Полянскому удалось собрать команду единомышленников, выработать свой оригинальный стиль в трактовке формы концертного исполнения оперы.

Вклад дирижера в музыкальную культуру высоко отмечен государственными наградами. Валерий Полянский – народный артист России (1996), лауреат Государственных премий России (1994, 2010), кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени (2007).

Источник: https://meloman.ru/concert/verdi-galak-200-letiyu-so-dnya-rozhdeniya-kompozitorabrlyubimye-arii-duety-simfonicheskiebri-horovye-fragmenty-iz-oper/

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector